darsh vous parle de cinéma

Cannes 2010, Day 2 : 15/05/10

2010-07-14T03:11:00.011+02:00

CHATROOM
PROJECTION => 11:00 /// Un certain regard

Quand le réalisateur de Ring et Dark Water, le japonais Hideo Nakata, s’attaque aux dérives de l’internet sous l’angle des « chatroom » (les forums de discussions), notre cœur défaille par avance !

L’histoire met en scène William, un jeune homme de 17 ans qui crée une chatroom pour les jeunes de son quartier. Plusieurs s’inscrivent et c’est l’occasion pour tous de vider leur sac par rapport à leurs amis, parents, traumatismes, etc. Mais derrière ce qui semble être un banal forum d’échanges, l’insaisissable et perturbé William se sert des révélations des uns et des autres pour les manipuler.

Avec un concept de base intéressant et une mise en scène fascinante des chatroom, Hideo Nakata use de son savoir faire pour facilement nous embarquer dans un récit prometteur mais qui se révèle néanmoins prévisible. Distillant ça et là des messages assez banals sur l’adolescence, ce long-métrage a le mérite de nous embarquer dans un univers visuel réussi et de maintenir un rythme soutenu tout du long.

ANOTHER YEAR
PROJECTION => 14:00 /// Compétition

L’anglais Mike Leigh, réalisateur engagé et récompensé dans de nombreux festivals, notamment à Cannes avec Naked et Secrets & Lies, est revenu sur la Croisette présenter Another Year, chroniques d’une famille où se succèdent les saisons d’une année marquée par des joies et peines.

Si la justesse des propos et de l’interprétation est évidente, les personnages nous intéressent de manière inégale. Cette grande séance de psychothérapie est extrêmement bavarde et s’épanche beaucoup trop en longueur. Si ce long-métrage ne marquera pas de son empreinte le courant du réalisme social anglais, il aura tout de même le mérite d’être le fidèle reflet de son époque.

YOU WILL MEET A TALL DARK STRANGER
PROJECTION => 19:30 /// Hors compétition

Le rendez-vous annuel de Woody Allen avec ses spectateurs a fait cette fois-ci un détour par Cannes, hors compétition puisque le réalisateur américain refuse le concept de concurrence artistique et cinématographique.

Avant de rejoindre son prochain tournage a Paris, Woody Allen reprend le fil de ses escapades londoniennes avec cette histoire tragi-comique et très moderne sur les rapports passionnels, générationnels et professionnels d’une galerie plutôt exhaustive de personnages.

La qualité d’écriture et d’interprétation, marque de fabrique de l’auteur, est évidemment au rendez-vous. Aucune surprise de ce côté là, ce qui réjouira les aficionados du cinéaste ou maintiendra ses détracteurs sur leurs positions. You will meet a tall dark stranger est donc un film bavard, à la mise en scène classique. Mais l’extraordinaire sens de l’observation des rapports humains d’aujourd’hui par Woody Allen rend ce long-métrage particulièrement juste, intelligent, jubilatoire et dérangeant d’acuité. La fin ouverte parachève un ensemble totalement maîtrisé et magnifié par un casting remarquable.

KABOOM
PROJECTION => 00:45 /// Séance de minuit

Hystérique, jouissif, décadent… le cinéma de Gregg Araki ne laisse jamais indifférent. Aussi culte que controversée, sa filmographie a connu tous les extrêmes, et c’est un bel hommage que lui a rendu le festival de Cannes en sélectionnant son dernier film, Kaboom, en séance de minuit.

L’histoire, complètement perchée, met en scène Smith, un étudiant qui mène une existence de pure insouciance à la fac, entre sa meilleure amie lesbienne Stella, ses coucheries avec la belle London tout en désirant son aussi bête que beau colocataire Thor (!). Sa tranquillité s’effondre quand un rêve manifestement provoqué par des substances suspectes lui fait voir le meurtre d’une sublime rousse. Mais c’est en cherchant la vérité qu’il va soulever des mystères qui bouleverseront sa vie et même le sort de l’humanité entière (!!).

Vous l’aurez compris, ce long-métrage reste dans la veine des œuvres qui ont fait la renommée du cinéaste américain. Avec un rythme très soutenu et des rebondissement stratosphériques, Gregg Araki met en scène le climax de son style : des hommes très beaux, des femmes sublimes, tout le monde couche ensemble, se drogue, hallucine. On passe du gore ultime au rire sans le moindre complexe. Son sens des dialogues et du choix de la bande-son fait le reste.

Une œuvre insaisissable tant elle ne ressemble à rien de ce qui se fait habituellement. Du cinéma de genre donc, de tous les genres mêmes, destiné peut-être un peu trop à un public de fans. Mais il est impossible de rester indifférent devant un spectacle aussi hors du commun qui marque le retour de Gregg Araki à un cinéma qui a fait de lui un artiste culte.

Cannes 2010, Day 1 : 14/05/10

2010-07-08T17:14:00.007+02:00

WALL STREET : MONEY NEVER SLEEPS
PROJECTION => 19:00

Cinéaste reconnu et auteur engagé, Oliver Stone présentait hors compétition son dernier film lors du dernier festival de Cannes 2010. C’est donc plus de vingt après le premier Wall Street que l’on retrouve Michael Douglas tout juste sorti de prison au moment du krach boursier de 2008. Il fait la rencontre de son futur gendre, une caricature de yuppie prêt à tout pour venger le limogeage aux relents dramatiques de son mentor.

Même en cherchant bien, Oliver Stone n’a pas fait de bon film depuis plus de dix ans, et malheureusement la tendance se confirme avec cette suite. Si les manipulations sont atroces, si ce que le metteur en scène dénonce est véritablement immonde, on reste complètement hermétique à la surenchère de termes techniques et aux dialogues interminables.

Si les acteurs font ce qu’ils peuvent au milieu de ce marasme politico-financier, Oliver Stone nous gratifie d’une mise en scène dont il a l’habitude, avec steady-cam à outrance et sa sempiternelle association entre la force des mots et des images. Pire, il nous inflige une intrigue amoureuse insipide qui vient alourdir un scénario déjà peu maîtrisé.

Un film bavard donc, et sans grand relief, qui perd malheureusement de vue son sujet initial alors qu’il mériterait un traitement ô combien plus corrosif.

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THE HOUSEMAID
PROJECTION = > 22:30

Cinéaste sud-coréen de haut vol révélé par le formidable President’s last bang, IM Sang-Soo était sélectionnée à Cannes 2010 avec The Housemaid, une remarquable variation sur les abus de pouvoir de la bourgeoisie.

L’histoire raconte comment la jeune et naïve Lee Euny, en devenant gouvernante pour une riche et influente famille, finira par obséder le maître de maison, Hoon, au point de faire basculer la vie de tout ce microcosme autrefois si bien réglé.

C’est d’abord la mise en scène glaciale qui impressionne dans ce huis clos ou les personnages, exceptionnellement bien travaillés, fascinent et écœurent par un raffinement qui n’égalera que leur cruauté. Soutenu par une musique classique remarquable et les décors sublimes d’une maison impressionnante, The Housemaid ne surpasse sans doute pas les meilleurs Hitchcock mais demeure un long-métrage hypnotique et fascinant.

CANNES 2009_PART2

2009-05-30T03:03:00.015+02:00

BRIGHT STAR - COMPETITION

Une histoire d’amour impossible dans une Angleterre du XVIIIe siècle entre un poète romantique incompris et une jeune aristocrate qui passe son temps à broder… ça sent le mélo non ?

Le dernier film de Jane Campion, déjà récompensée par une Palme d’or pour « la leçon de piano », livre une œuvre classique et bavarde. Cette histoire d’amour platonique entrecoupée de récitations de poésie est lourde et prévisible. Basculant dans le drame absolu avec une tendance à la surenchère ridicule, ce long-métrage qui parle d’amour de manière surannée est trop indigeste par son ambiance guindée et sa mise en scène classique.

Reste une belle distribution – Ben Whishaw (vu dans « le parfum ») et Abbie Cornish en tête – et une reconstitution simple mais toute en finesse de l’époque.

TAKING WOODSTOCK - COMPETITION

Le cinéaste taïwanais multi récompensé Ang Lee revient avec une comédie sur l’envers du décor de Woodstock, où comment un décorateur d’intérieur revenu vivre chez ses parents récupère l’organisation d’un concert refusé par une bourgade voisine de son bled et où afflueront un demi million de personnes.

Drôle, subtil, bien interprété, le film a surtout l’intelligence de ne montrer aucune archives ou moments musicaux de l’événement. Ce sont plus les conséquences sur les gens, l’économie locale et les mentalités qui prédominent ici. Malgré certaines répétitions et des longueurs sur la fin, ce long-métrage à la bande-son enchanteresse vous fera passer un très bon moment. Ajoutez à cela une distribution inspirée (Liev Schreiber est légendaire) et une reconstitution soignée font de ce long-métrage une vraie réussite. L’enthousiasme communicatif de ce film donne vraiment envie d’avoir connu Woodstock, le centre de l’univers pendant 3 jours.

NE TE RETOURNE PAS - HORS COMPETITION

Suite à l’écriture d’un roman en partie autobiographique, un auteur remarque des changements autour d’elle. D’abord des objets, puis des gens. Sa quête pour retrouver sa mémoire avant ses huit ans va l’emmener en Italie sur les traces d’un étrange secret.

Si le suspense tient bien la route pendant une heure, que le film offre de vrais moments d’angoisse et suscite l’intérêt de son audience, cette quête perd son fil dans des répétitions un peu lourdes.

Marina de Van offre tout de même une œuvre décalée avec une impressionnante mise en scène et des effets spéciaux réussis. La musique impeccable contribue à l’ambiance insaisissable du film. L’originalité et la créativité de ce long-métrage est malheureusement ternie par une narration bancale qui s’étire trop en longueur.

Outre une réalisation soignée, l’autre tour de force du film est de nous gratifier des interprétations de Sophie Marceau et Monica Belluci. Si malheureusement tout le reste du casting est inégal, la performance des deux comédiennes principales mérite le détour.

AGORA - HORS COMPETITION

Péplum grandiose de près de 75 millions d’euros, le dernier film d’Alejandro Amenabar (réalisateur espagnol de « Tesis », « Ouvre les yeux », « Les autres » et « Mar adentro ») nous plonge à Alexandrie dans une période sombre de son histoire.

Au plus près de la réalité archéologique, ce long-métrage met en scène à travers la sublime Rachel Weisz le personnage d’Hypatia, astronome et philosophe antique, opposée à la montée en puissance d’un intégrisme chrétien à Alexandrie.

Les décors exubérants, les figurants par centaines, la musique orchestrale, le drame épique… tous les ingrédients sont réunis pour faire de « Agora » un grand film. Sur 2h20, le long-métrage s’étire entre recherches astrales et théologiques. S’il donne l’impression d’hésiter entre les deux sujets, Amenabar grâce à son sens de la narration et du rythme nous passionne et nous émeut.

Si par moments les décors font malheureusement trop carton, les couleurs et les angles choisis par le cinéaste font vite oublier ce léger défaut. Au-delà de la mise en scène remarquable, saluons également les interprètes formidables de cette fresque. Rachel Weisz est juste exceptionnelle, toute de grâce, d’intelligence et de justesse. Pour lui donner la réplique, le trop rare Michael Lonsdale et les très bonnes surprises Oscar Isaac et Max Minghella.

Entre rires, réflexions, larmes, haines, le film nous transporte dans un faisceau d’émotions extraordinaires, preuve que l’on est en présence d’un grand film. Malgré sa réussite évidente, le seul frein au succès du film pourrait être son sujet peut-être trop confidentiel.

KINATAY - COMPETITION

Dérangeant, malsain, et partiellement hué à Cannes, ce long-métrage philippin de Brillante Mendoza fera très certainement parler de lui.

Il met en scène l’histoire d’un jeune policier invité bien malgré lui à la descente sanglante et morbide de ses collègues. Avec une unité de temps (une soirée) et de lieu (en voiture) quasi unique, le film ne permet pas au réalisateur de s’épancher au niveau de la mise en scène mais ce qu’il entreprend est totalement réussi. Tout est sombre, indistinct, et accompagné d’une musique très oppressante. Le malaise provoqué est immédiat et ne lâche le spectateur qu’à la toute fin.

S’il est long à se dessiner, le film bascule néanmoins petit à petit dans l’horreur. Pas au point de sursauter mais juste par sa situation glauque et malsaine à souhait. Son interprète principal est impeccable, totalement paralysé par les événements qu’il subit. Son grand tort est de ne pas savoir y mettre un terme ou de partir alors qu’il en a plusieurs fois l’occasion.

Terriblement remuant par rapport à la nature humaine, ce film montre avant tout qu’une fois que l’on perd son intégrité, on la perd à jamais. Est-ce que notre éthique, notre morale, sont ce que l’on a de plus précieux ?

VENGEANCE - COMPETITION

Initialement prévu pour Alain Delon, ce film – qui fait la part belle aux références au cinéma de Jean-Pierre Melville – offre à Johnny Halliday l’occasion de revenir au cinéma. Dirigé par le génie hongkongais Johnnie To, le chanteur français croise du fer avec les triades locales responsables de la mort de sa famille.

Si le scénario est très limité, il constitue surtout un prétexte pour réaliser un polar sombre et stylé comme seul Johnnie To sait le faire. Les fusillades sont donc légendaires, le travail formel – que ce soit sur les couleurs, les ombres et les décors – est remarquable. Le cinéaste sublime Hong-Kong et Macau ; il a également su s’entourer de stars incontournables (Simon Yam et Anthony Wong) pour livrer un polar de très bonne facture.

Certes, le scénario est aussi limité que prévisible, et la prestation modeste de Johnny Halliday ne font pas de « Vengeance » une référence du genre ni un incontournable de la filmographie du maître. Restent une mise en scène exceptionnelle, une ambiance réussie et des fusillades toujours aussi poétiques. Un bon polar.

ANTICHRIST - COMPETITION

C’est un cinéma qui n’a aucune limite. C’est une œuvre aussi troublante qu’imprévisible. C’est une réussite évidente.

« Antichrist » raconte l’histoire d’un couple venu expier la mort de son enfant dans un chalet perdu dans la forêt. Articuluer autour de plusieurs chapitres, ce film offre de grands moments de mise en scène et de recherche esthétique. Accompagnées par une musique sourde et oppressante, les images crues et violentes de Lars Von Trier fascinent comme elles peuvent révolter. Les comédiens sont tout simplement exceptionnels tant les situations sont baroques et décadentes. Willem Dafoe et Charlotte Gainsbourg sont parfaits.

Beau, violent, oppressant, fascinant, dégoûtant, malsain, misogyne (?), concupiscant, triste, surréaliste… tous ces qualificatifs montrent les extrêmes de ce long-métrage qui suscitera des polémiques quanta son cadres et ses propos.

LOOKING FOR ERIC - COMPETITION

Le cinéaste Ken Loach quitte l’espace d’un instant les affres du drame social et s’adonne à la comédie avec cette improbable séance de coaching.

Eric est un postier dépressif. Un accident déguisé en tentative de suicide le fait se remettre en question. Un jour lui apparaît son idole : Eric Cantona. Ils entament alors de longues séances de réflexion qui permettront au modeste postier de se remettre d’aplomb et de sortir sa famille de ses problèmes.

Touchant et drôle, fantasque et profondément humain, cette comédie dramatique va plus loin que son concept de base. Ce n’est ni un film sur le foot, ni un film sur l’idole de Manchester. C’est une histoire simple et poignante interprétée à merveille par un casting bien senti.

Acclamé à Cannes, « Looking for Eric » est un long-métrage drôle et attachant qui compense sa modestie par un bonheur communicatif.

CANNES 2009_PART1

2009-05-26T02:22:00.009+02:00

IRENE - UN CERTAIN REGARD

37 ans après la mort de sa femme (l’actrice et mannequin Irène Tunc) , et suite à la redécouverte de journaux intimes remontant à l’époque de cette tragédie, un homme fait la synthèse de sa vie avant, pendant, et après celle-ci.

En l’espèce, il s’agit de la vie du réalisateur Alain Cavalier lui-même. Ses interrogations émeuvent car elles touchent par leur sincérité, leur justesse et leur banalité tant on est tous égaux devant la mort. Il semble revivre avec intensité ces moments, se remémore ce qui s’est passé et ce qui aurait pu être évité.

Le style artisanal et minimaliste peut dérouter, ses jeux avec les formes, ombres couleurs, etc. peuvent bousculer, mais il n’en demeure pas moins que l’œuvre accouchée de ce destin tragique est aussi sincère que poignante.

LA-HAUT - OUVERTURE - HORS COMPETITION

La magie Disney supplantée par le savoir-faire Pixar ? Plus de 50 ans après la Palme d’or de « Dumbo », le célèbre studio américain faisait, à l’occasion du 62^e festival de Cannes, l’ouverture dans des conditions exceptionnelles. Public conquis d’avance, projection 3D, équipe au complet et Charles Aznavour (voix VF) en invité d’honneur. Un grand rendez-vous !

« Là-haut » raconte les aventures d’un vieillard misanthrope qui décide, suite à un procès absurde, de réaliser une promesse faite des années auparavant à sa femme désormais décédée.

On sent d’emblée que par son sujet ce film ne va pas s’adresser à un jeune public. Au contraire, « Là-haut » a le mérite d’élargir (ou la volonté de conquérir) le cinéma d’animation à un nouveau public autrefois oublié par les créateurs de ce genre de films : les seniors. Abordant avec une grande sobriété des sujets délicats comme le deuil, la solitude, le destin et par extension la vie, « Là-haut » offre de vrais moments d’émotion.

La technique irréprochable et la créativité du film viennent renforcer un peu plus la maîtrise du sujet. Accompagné par un talent indéniable pour raconter des histoires ainsi qu’une très belle musique, ce long-métrage traite avec justesse et poésie de ces moments uniques de l’existence où l’ont décide de changer.

Certes, le film ne transpire par le génie et ne révolutionne en rien ni son thème ni son domaine, mais il offre un beau voyage initiatique plein de finesse et de beauté.

FISH TANK - COMPETITION

Héritier du cinéma de Mike Leigh et Ken Loach, le film d’Andrea Arnold - aux forts accents misérabilistes et sociaux - nous plonge dans la vie de Mia, jeune fille de 15 ans qui passe son temps à boire et à faire des chorégraphies hip-hop. Son univers bascule avec l’arrivée du dernier amant de sa mère.

Traitant de la précocité et de la vie difficile de la jeunesse anglo-saxonne désabusée et abandonnée, le film est malheureusement linéaire et prévisible. Pire ! On retrouve tous les clichés du genre : famille monoparentale, pauvreté, banlieue, alcool, etc. Heureusement la fin, par un suspense à surenchère aussi intense qu’atroce, réveille un spectateur endormi par les longueurs injustifiées du film.

Reste une jeune interprète (Katie Jarvis) exceptionnelle, entourée du remarquable Michael Fassbender et de Kierston Wareing déjà vue dans « It’s a Free World » de Ken Loach.

SPRING FEVER - COMPETITION

Lou Ye, frappé d’interdiction de tournage par son pays, parvient à nous livrer ici une œuvre dense, dramatique et parfois inaccessible sur un triangle amoureux improbable dans une Chine grise et conservatrice.

Dans la ville de Nankin, une femme fait suivre son mari car elle le soupçonne d’infidélité. Le détective qu’elle engage va alors se retrouver au cœur d’une intrigue amoureuse complexe et douloureuse.

Explorant l’amour dans ce qu’il peut avoir de plus extrême et destructeur (jalousie, obsession), le cinéaste chinois dresse le portrait d’un pays conservateur et réactionnaire où l’homosexualité est taboue. La sensualité et l’érotisme de ses personnages ambigus viennent complexifier des rapports déjà chaotiques entre eux. Le casting exceptionnel du film compense la récurrence mélodramatique de ses séquences. Le grain de l’image et la quasi absence de musique fabriquent un univers lourd, pesant.

« Spring Fever » est un film remarquable sur l’amour mais il s’étend un peu trop sur son propos. La mise en scène remarquable et un casting inspiré font de ce long-métrage une réussite malheureusement trop intimiste.

AIR DOLL - UN CERTAIN REGARD

Hirokazu Kore-Eda, récemment à l’affiche avec l’exceptionnel « Still Walking », livre à nouveau une œuvre intime avec « Air Doll », l’histoire d’une poupée gonflable qui du jour au lendemain se réveille avec un cœur.

Flirtant en permanence avec le fantastique et l’onirique, ce conte moderne est un terrain propice aux interrogations sur les affres de la solitude et sur les émotions comme moteur de notre existence.

Poupée gonflable s’éveillant à la conscience, Nozomi passe par toute une phase d’apprentissage. Une fois ses besoins immédiats satisfaits (lire, écrie, etc.), elle est confrontée progressivement à des sentiments plus complexes : le vieillissement, l’amour, la mort, le chagrin, etc. Les personnages qui l’entourent et l’influencent sont autant de reflets de nos interrogations quotidiennes et le spectateur est un témoin impuissant de développement de Nozomi.

D’un point de vue purement formel, le long-métrage offre de belles compositions visuelles. Loin de la contemplation et des clichés, c’est un Japon du quotidien qui est mis en scène. Il n’empêche que Kore-Eda nous gratifie d’une œuvre douce et subtile qui encourage la réflexion. Profondément métaphysique et philosophique, « Air Doll » risque cependant de fâcher les défenseurs de Hobbes puisque cette poupée « naît » fondamentalement bonne, au sens entendu par Rousseau ou Locke.

Le casting sérieux permet au cinéaste un traitement juste de son propos. La jeune Doo Na Bae est convaincante dans ce rôle de poupée. A noter l’excellent caméo de Susumu Terajima, un habitué des films de Kitano.

« Air Doll » est un film intelligent qui, s’il prend un peu trop son temps et s’égare dans des phases répétitives, aborde un sujet complexe et foncièrement intéressant.

THIRST, CECI EST MON SANG - COMPETITION

« Thirst » est une variation de Park Chan-Wook sur le vampirisme où un prêtre catholique subit une mutation après avoir été cobaye pour des expériences sur un virus africain.

Si « Thrist » ne révolutionne en rien un genre déjà bien balisé – le prêtre passe par toutes les étapes de la découverte et la prise de conscience de son état – il subjugue par son ambiance réussie et sa mise en scène exceptionnelle.

Porté par un Song Kang-Ho remarquable, le long-métrage étonne par la simplicité de ses trucages et de ses décors. Le travail graphique cher au cinéaste est néanmoins bien présent et il nous gratifie de grands moments filmiques. La photo, les couleurs, la musique réussis n’effacent cependant pas la longueur du long-métrage qui affiche un total de 2h13.

Si le réalisateur de « Old Boy » étonne d’avoir choisi un tel sujet, son postulat de base est jubilatoire et son talent est indéniable. Sans bousculer un genre dont il aurait pu s’affranchir des codes, il subjugue par son univers, ses personnages et son ambiance.

Cyprien

2009-02-02T18:21:00.004+01:00

Les geeks, nerds, hikikomori, et autres introvertis asociaux ne sont plus aussi marginaux et infréquentables qu’auparavant. Tandis que la série « The Big Bang Theory » et ses nerds cartonne aux Etats-Unis, sortira en France le 25 février le film « Cyprien » de David Charhon, tiré du personnage homonyme des « petites annonces » d’Elie Semoun.

Cyprien travaille comme responsable informatique d’un magazine de mode où les gens l’ignorent. Sa vie bascule lorsque, suite à un malentendu, il perd son emploi. Aidé par un déodorant magique (!) qui va le rendre beau (!!), Cyprien va prendre sa revanche mais se perdre un peu lui-même en chemin.

« Si tu es blonde, à forte poitrine, tu m’intéresses ». En jetant les bases d’un personnage aussi hideux que pervers, le comique français allait accoucher d’un incontournable de son répertoire. Néanmoins, il va pour le long-métrage nuancer et creuser un peu plus en profondeur son personnage. Certes, il est toujours aussi laid et malaisé, mais il laisse transparaître une sincérité et une gentillesse jamais aperçues dans ses précédentes interventions.

Le problème, c’est que l’on n’y croit pas. Cette revanche du petit moche sur la plèbe semble presque autobiographique et transpire la mauvaise foi. En pleine contradiction avec son personnage initial et les messages qu’il veut faire passer en substance, ce film qui prône la tolérance et la richesse intérieure offre son quota de femmes à poil et un niveau zéro de réflexion.

Le pire ? Ce n’est même pas drôle. Si les extraits de la bande-annonce ont eu du mal à vous arracher un sourire, fuyez. Grotesque, déjà vu, mauvais goût, superficiel, bardé de clichés… Tous les superlatifs du dictionnaire pourraient y passer. Les scènes s’enchaînent et se ressemblent. Je passerai sous silence le deus ex machina qui rend « beau » Elie Semoun (rassurez-vous, ce n’est pas possible) tant il est insignifiant et mal amené. En outre, le long-métrage est d’une prévisibilité alarmante et atteint le climax de la médiocrité lors d’une chorégraphie sur une patinoire.

Que dire alors de l’interprétation ? Mis à part le toujours excellent Laurent Stocker et l’énigme Catherine Deneuve, le niveau ne vole pas haut. Elie Semoun confirme qu’il est un piètre acteur. Quant à sa bande, leur seule réussite réside à faire ce qu’on leur a demandé : être aussi inexpressifs que laids.

Extension filmique d’un personnage plutôt limité des « petites annonces » d’Elie Semoun, « Cyprien » est une variation comico-romantique déjà vue sur la tolérance et la découverte de la richesse intérieure. Saluons tout de même un décrochage métaphorique culoté : Cyprien invite le spectateur à s’en aller s’il n’est pas content... J’aurais dû.

2 0 0 8

2009-01-08T12:52:00.011+01:00

Twilight - Chapitre 1 : fascination

2009-01-07T03:42:00.008+01:00

Adapté du best-seller éponyme de Stephenie Meyer, « Twilight - Chapitre 1 : fascination » est la confirmation de la pandémie Harry Potter : tout phénomène littéraire grand public accouche d’une adaptation cinématographique. Le long-métrage de Catherine Hardwicke s’inscrit dans ce credo hollywoodien et offre une œuvre lisse et consensuelle, essentiellement destinée à un jeune public.

L’histoire met en scène Isabella Swan (Kristen Stewart) au moment où elle rejoint son père divorcé dans une petite ville de l’état de Washington. Son quotidien au lycée se trouve bousculée par l’entrée en scène de l’étrange et blafarde famille Cullen. Isabella va rapidement s’éprendre d’Edward, l’un d’entre eux. Si leurs sentiments sont réciproques, la vérité qui se cache derrière cette famille va précipiter la jeune héroïne dans une spirale aussi dangereuse que morbide.

Variation sur le thème de l’amour impossible, « Twilight » nous inflige malheureusement tous les clichés d’un genre éprouvé. Les joies, les peines, les états d’âme de ce couple improbable nous ennuient, mais peuvent peut-être séduire les amateurs de romantisme un brin guimauve. L’élément fantastique, devant apporter une approche nouvelle à ce thème, est extrêmement mal amené, et le mystère entourant la condition de la famille Cullen est traité de manière trop simpliste. D’une prévisibilité et d’une transparence pathétique, le scénario de ce film ne génère aucun suspense et ne suscite aucune passion.

Certes, d’aucuns diront que le travail sur l’atmosphère est réussi et que les décors sont beaux. Mais les effets spéciaux médiocres et le maquillage niveau amateur ne sont pas à la hauteur d’un projet de cette envergure. Pire, le pseudo beau gosse et vampire torturé à ses heures, incarné par Robert Pattinson (déjà mou dans « Harry Potter et la coupe de feu »), traîne maladroitement ses moues inexpressives et ses sourcils façon snickers, et enfonce encore un peu plus bas le niveau du film. Reste tout de même la performance convaincante de Kristen Stewart (dont la filmographie pour son jeune âge est ahurissante) qui sauve du naufrage le long-métrage de Catherine Hardwicke (qui a pourtant réalisé les excellents « Thirteen » et « Lords of Dogtown »).

« Twilight » ne se donne pas les moyens d’être sublime ni subtil. Au ras des pâquerettes du début à la fin, le film laisse songeur quant à son succès phénoménal outre-atlantique. De part son contenu et ses thèmes, il s’adresse avant tout à un jeune public déjà acquis à sa cause. Pour les autres : aucune poésie, aucune surprise, aucune envie. Rien.

Coluche, l'histoire d'un mec

2008-10-09T04:57:00.003+02:00

Véritable génie comique, Coluche, à l’instar de Desproges, manque cruellement à notre époque et aurait certainement beaucoup de choses à dire sur le monde d’aujourd’hui. C’est plus de vingt ans après sa mort que sort au cinéma le 15 octobre 2008 un long-métrage retraçant, non pas sa vie, mais son court et intense engagement politique, à l’aube des présidentielles de 1981.

Faussement intitulé « l’histoire d’un mec », le film d’Antoine de Caunes fuit le « biopic » de l’humoriste pour s’intéresser surtout aux six mois de sa vie précédents les élections. Alors au sommet, l’humoriste décide de remuer le marasme politique ambiant et annonce qu’il sera candidat à l’élection présidentielle.

Evitant heureusement le pathos et la mélancolie, le film offre une vision alternative du clown Coluche, plus sérieuse, plus ambiguë aussi. Rythmé par son quotidien et des morceaux de ses spectacles, le long-métrage montre un homme qui délaisse sa famille et qui est dépassé par la réalité du terrain politique. En plus de prendre à contre-pied le public en montrant ce Coluche-là, Antoine de Caunes met en scène une reconstitution réussie des années 80 : musique, décors, costumes, etc. Tout est fait pour nous replonger dans la réalité d’une époque.

Malheureusement, le film ne parvient pas à décrocher de son propos, devenant long sur la fin et répétitif dans sa narration. Le long-métrage obéit à une construction assez prévisible où le même genre de scènes se répètent, confirmant ainsi la faiblesse d’Antoine de Caunes derrière la caméra. C’est d’autant plus ennuyeux que l’histoire qui nous est racontée est plus ou moins connue de tous et que ce qui se déroule est somme toute assez évident (entre les pressions du gouvernement et de l’opposition de l’époque, Coluche n’obtiendra pas les 500 signatures des maires et se retirera de la course aux élections). Pire, l’épilogue populiste et démago à souhait sur les « restos du cœur » sort de nulle part et contrarie tout le travail de patience du réalisateur sur le monde politique.

Il faut tout de même saluer la performance réussie de François-Xavier Demaison dans le rôle principal. S’il ne ressemble ni en silhouette, ni en voix, ni en visage à Coluche, on devine l’énorme travail d’acteur derrière son interprétation, lui permettant de nous offrir un personnage différent de celui qu’on a l’habitude de voir à travers des images d’archives. Pour lui donner la réplique, rien de moins que Denis Podalydès, Léa Drucker, Olivier Gourmet, ou encore Alexandre Astier.

Les événements relatés ont plus de 25 ans mais tout semble indiquer que rien n’a véritablement changé. Figure emblématique d’une époque, Coluche n’aurait pas fini de faire des commentaires sur la situation actuelle. Si ce film ne lui rend pas l’hommage qu’il mériterait, il a au moins le mérite de nous montrer au milieu d’une reconstitution réussie et d’un casting remarquable le clown sous une autre facette, plus humaine et fragile que jamais.

Mirrors

2008-10-09T03:19:00.005+02:00

En s’appropriant les bases d’un film d’horreur coréen, Alexandre Aja réalise une espèce de remake absolument terrifiant et réussi tout en confirmant sa maîtrise d’un genre dont on espère qu’il parviendra à sortir un jour.

Loin de sauver les Etats-Unis d’une énième menace terroriste à l’instar d’un épisode de « 24 », Kiefer Sutherland interprète cette fois-ci un policier écarté de son poste après une bavure. A son alcoolisme et son chômage s’ajoutent des rapports conflictuels avec sa femme qui l’empêche de voir leurs enfants. La seule lueur d’espoir prend la forme d’un emploi de garde de nuit sur les restes d’un centre commercial qui a brûlé quelques années auparavant. Mais l’énigmatique suicide de son prédécesseur, ainsi que la quiétude morbide du lieu vont entraîner ce personnage sur les traces d’un terrifiant mystère.

Le tour de force de ce long-métrage est de proposer une histoire qui tient la route ainsi qu’une ambiance maîtrisée et réussie. Les décors, la lumière, et la photo se conjuguent merveilleusement bien et renforcent la réussite esthétique indéniable du film. Lorgnant allègrement vers l’univers visuel d’un épisode du jeu « Silent Hill », « Mirrors » alterne des décors glauques à souhaits, du gore intense et de vrais moments d’angoisse. Mais le vrai cauchemar absolu mis en scène par Alexandre Aja est de proposer des miroirs qui ne reflètent pas la réalité. En combinant tout ça, le réalisateur obtient une œuvre efficace qui remplit parfaitement son rôle pendant 1h50.

Si « Mirrors » demeure quelque peu calibré tout de même dans son déroulement, sa vraie valeur ajoutée réside dans son interprète principal, Kiefer Sutherland. Paumé, drogué, et chahuté tout au long du film, il offre une prestation remarquable et semble vraiment ravi de changer du registre d’un épisode de « 24 ». Le reste du casting lui donnant la réplique n’a certes rien de génial mais occupe suffisamment bien sa place pour ne pas plomber le film.

Au final, un long-métrage d’horreur classique mais extrêmement bien mis en scène, maîtrisé aussi bien au niveau de la réalisation que de l’ambiance, et servi par des comédiens bien choisis.

Be Happy

2008-09-19T02:43:00.007+02:00

Comédie britannique encensée par la critique et récompensée par l’Ours d’argent du prix d’interprétation féminine au dernier festival de Berlin, « Be happy » met en scène les chroniques quotidiennes d’une institutrice délurée à Londres.

Loin de l’univers habituel de son réalisateur Mike Leigh, ce long-métrage confirme avant tout l’énergie et le talent de sa comédienne principale, Sally Hawkins. Néanmoins, son interprétation hystérique d’un personnage que rien ni personne arrête et qui passe son temps à rire et à gigoter finit par lasser.

Film bavard et très long pour ce qu’il a à raconter, « Be happy » déçoit par sa construction simpliste et sa vision trop manichéenne et limitée du monde. En outre, la galerie de personnages extrêmement caricaturaux ne fait que renforcer cette impression de superficialité du sujet.

Agaçant plus que distrayant, ce long-métrage léger et répétitif dans sa mise en scène a la prétention de dépeindre la vie d’une jeune femme d’aujourd’hui alors que ce qu’il a à offrir est anodin et bardé de lieux communs.

Diary of the dead

2008-07-06T03:43:00.005+02:00

A l’instar de Dario Argento, George A. Romero est une légende du cinéma fantastique. Il nous revient trois ans après son remarquable « Land of the dead » pour son cinquième film de zombies où il plonge cette fois-ci dans l’horreur un groupe d’étudiants en cinéma, aussi victimes que témoins de ce jeu de massacre planétaire.

Non content d’avoir inventé et codifié le cinéma de zombies, George A. Romero a su aussi profiter de ses longs-métrages pour distiller ses messages engagés. Ainsi, « Le jour des morts-vivants » est une métaphore de la guerre du Vietnam, « Zombies » est une critique de la société de consommation, « Le jour des morts-vivants » est une critique du rapport de l’humanité à la science et ses dérives, et « Land of the dead » met en scène la revanche de zombies prolétaires sur de cyniques et riches humains embourgeoisés.

Le réalisateur américain profite cette fois-ci de son dernier film pour recadrer le genre reprit depuis par d’autres comme avec « 28 jours plus tard » et sa suite, « REC », ou encore « L’armée des morts », remake de « Zombies » précédemment cité. En mettant en scène un film dans le film et en faisant de ses héros des étudiants en cinéma, c’est comme si Romero s’adressait directement à son spectateur. Il ouvre le champ à la réflexion sur le genre qu’il a créé et distille de nombreux mots d’auteur, le plus fameux étant lorsque le réalisateur du film s’adresse à ses comédiens en disant « un zombie ne court pas », croche-pied direct à la tendance nouvelles des réalisateurs contemporains à dynamiser les films de zombies en faisant courir ces derniers.

Mais le film traite également et avec finesse du pouvoir des images et de la responsabilité de ceux qui veulent les tourner et/ou les montrer. Nouvelle métaphore du réalisateur qui par ce biais met en scène les propres interrogations auxquelles il a dû lui-même se soumettre au cours de sa carrière.

Il en découle que le long-métrage n’est ni vraiment gore, ni vraiment effrayant car son but ne réside finalement pas là. Amateurs de sensations fortes et d’images choquantes, attendez-vous donc à être déçus même si bien entendu le film distille son lot d’horreurs. La mise en scène est par ailleurs très réussie et confirme la maîtrise du genre par son auteur qui cette fois-ci, un peu comme Brian de Palma dans « Redacted », se sert de plusieurs supports vidéos (caméra de surveillance, caméra de téléphone, caméra à l’épaule, etc.) pour donner du relief à son œuvre et son propos.

Si les comédiens font juste ce qu’il faut (courir, hurler, tuer, tout ça), il faut évidemment rendre hommage au remarquable travail effectué sur les décors, les lumières, la photo, la musique, le maquillage qui donnent vie à cet univers d’effroi.

« Diary of the dead » n’est pas le film qui va forcément faire le plus peur, mais il va indubitablement faire réfléchir son audience déjà conquise par les œuvres du maître. Un long-métrage pas seulement réservé aux aficionados, mais qui demande un minimum de connaissances filmiques et esthétiques sur le genre mis en scène. Moins abordable que le récent film espagnol « REC », le dernier Romero explose la concurrence par la puissance de sa narration et de ses thèmes sous-jacents.

Mongol

2008-04-12T03:50:00.004+02:00

Évocation réussie du fondateur de l’Empire mongol, le film de Sergei Bodrov s’attache avant tout à retranscrire le plus fidèlement possible une aventure et un destin exceptionnels. À des années lumières d’un film belliqueux, « Mongol » met en scène la personnalité de celui qui fut à la tête du plus grand Empire de l’Histoire de l’humanité.

Fresque épique balayant la jeunesse, la persécution, l’esclavage puis la montée en puissance du jeune Temüdjin, futur Gengis Khan, le long-métrage de Sergei Bodrov est tout sauf une débauche de batailles et d’effets spéciaux grandiloquents. Au contraire, le cinéaste nous gratifie de paysages sublimes et de décors cyclopéens pour le plus grand bonheur du spectateur. Emprunt d’un certain mysticisme, le film nous montre un Temüdjin passionné et doté d’un charisme exceptionnel, mais qui n’aurait rien accompli sans aide.

Par moments trop dramaturgique et pédagogique, « Mongol » prend son temps dans sa reconstitution pour nous permettre de mieux apprécier la personnalité de Temüdjin ainsi que le monde dans lequel il évoluait. Il en découle nécessairement des longueurs, vites éclipsées par la réussite esthétique du long-métrage.

Le rôle principal du film est tenu par Tadanobu Asano, que les amateurs de cinéma asiatique ont déjà vu dans le surréaliste « Ichi the killer » du non moins décalé Takeshi Miike, mais également dans le remarquable « Café Lumière » de Hou Hsiao Hsien ou dans le réjouissant « Taste of tea » de Ishii Katsuhito. Il a également tourné devant la caméra de Kitano pour « Zatoïchi » et « Takeshi’s ». Sa performance est à l’image de son personnage : immense. Beaucoup de retenue, de bellicisme latent, de vengeance inextinguible derrière cette figure d’un autre âge. Le reste du casting est loin d’être anecdotique et se compose d’une pléiade internationale de comédiens tous justes dans leur interprétation.

Nommé aux Oscars dans la catégorie « meilleur film étranger », « Mongol » mérite amplement cette citation même s’il lui manque un tantinet d’émotion pour demeurer dans les annales. En outre, se cache derrière une grosse production avec une équipe digne de films hollywoodiens et des centaines de figurants. Mais ne boudons pas notre plaisir devant les paysages exceptionnels de la Chine, du Kazakhstan et de la Mongolie, ni devant la fresque brillamment mise en scène par Sergei Bodrov.

A bord du Darjeeling Limited

2008-02-25T15:37:00.005+01:00

« A bord du Darjeeling Limited » est le dernier film de Wes Anderson qui arrivera sur nos écrans le 19 mars 2008. Articulé autour de personnages déjantés et de situations surréalistes, son travail entamé avec « la famille Tenenbaum » et poursuivi avec « la vie aquatique » atteint un certain seuil de maturité mais reste souvent cloisonné par son style.

Un an après la mort de leur père, trois frères aussi compliqués que différents se lancent dans un voyage spirituel en Inde sur l’initiative de l’aîné. Mais tout ne se passe pas comme prévu et les trois frères et leurs valises se voient portés d’étapes en étapes vers une aventure où famille, amitié et fraternité retrouveront leur sens.

A l’instar de celles de Michel Gondry, les œuvres de Wes Anderson sont faciles à identifier car elles reposent souvent sur les mêmes artifices de mise en scène, le même genre de personnages, les mêmes délires. Par conséquent, son univers, tout comme celui de Gondry, finit par inlassablement se répéter et lasser. Certes, il s’agit d’un cinéma rafraîchissant mais somme toute limité compte tenu de ce qu’il a à offrir.

La trame très classique du voyage initiatique sert de fond pour mettre en scène cette histoire d’amour fraternelle, cette quête qui leur permettra de s’affranchir de leurs limites. C’est surtout dans les péripéties, les personnages, les décors, que réside la vraie originalité du film et le signe le plus distinctif du cinéaste. Mais c’est aussi la mélancolie et la justesse des émotions qui font de ce film une œuvre moins baroque et légère que les précédentes.

Intégralement tourné en Inde, le long-métrage de Wes Anderson est aussi une invitation au voyage et à la découverte d’une culture très différente de la nôtre. Le réalisateur nous gratifie en permanence de couleurs chaudes et épicées qui parfumeraient presque une salle de cinéma de la plus entêtante des fragrances. De même, le travail sur la photo, les décors et les paysages est sublime, et constitue une indiscutable réussite.

Bavard à souhait, « A bord du Darjeeling Limited » nous dispense heureusement d’une Inde carte postale et au contraire se veut une expérience originale, décalée et drôle sur des thèmes pourtant difficiles comme la famille, la filiation, la mort. Si le film manque de rythme et souffre de quelques longueurs, le charme évident qu’il distille et l’alchimie des comédiens en font néanmoins un de ces OVNI cinématographiques malheureusement trop rares. Il n’arrive cependant pas à s’affranchir des codes inhérents à ce genre de cinéma et ne parvient pas à maintenir une intensité égale tout au long du film.

Troisième collaboration pour Owen Wilson et Wes Anderson, à la différence près que cette fois-ci le déluré comédien américain tient la tête d’affiche avec une indéniable réussite et une remarquable sensibilité. Pour lui donner la réplique, Jason Schwartzman (co-scénariste et co-producteur), également déjà vu chez Wes Anderson (« Rushmore »), semble merveilleusement perdu entre ses frères, ses amours et ses écrits. Nouveau venu dans cet univers, Adrien Brody apporte une grande dose de sérieux et de légitimité à un casting déjà inspiré. A noter les apparitions symboliques de Bill Murray, Anjelica Huston, Barbet Schroeder (!) et Natalie Portman.

Déjanté et enivrant, original et dépaysant, aussi bien interprété qu’écrit, et distillant une bande-son remarquablement appropriée, le dernier film de Wes Anderson regorge de qualités évidentes mais demeure néanmoins presque trop conceptuel pour plaire à un large public. Il saura conquérir un public avide de cinéma indépendant dans la veine du récent « Juno », mais risque de se révéler totalement hermétique pour certains.

Sweeney Todd

2008-01-24T03:53:00.000+01:00

Adaptation d’une comédie musicale à succès de Broadway, « Sweeney Todd » est la sixième collaboration des surdoués Tim Burton et Johnny Depp. Habitués des productions macabres, les deux artistes se surpassent dans une fresque sublimement mise en scène mais décevante sur le fond.

Dans une ville de Londres aux allures victoriennes des plus sombres, Sweeney Todd revient sur les traces du Juge Turpin qui quinze ans plus tôt le fit emprisonner pour jouir à sa place de sa famille. Privé pendant toutes ces années de sa femme et de sa fille, le diabolique barbier de Fleet Street a soif de vengeance et, aidé de Mlle Lovett, met en place un stratagème démoniaque pour attirer sous le fil de son rasoir son ancien bourreau.

Connu pour ses thèmes de prédilection, son style et son travail d’auteur, Tim Burton revient au sommet de sa forme avec un long-métrage musical qui ravira les aficionados du gore et du gothique par sa noirceur morbide et son côté macabre fulgurant. Pétrie d’humour noir, cette chronique acerbe et sanglante à souhait nous invite à voir la vengeance d’un homme du peuple sur une aristocratie toute puissante et corrompue. Tout y est : amour, haine, cruauté, trahison. Pourtant, le film manque paradoxalement d’émotion, sans doute à cause d’un excès de style et d’hémoglobine. L’avalanche d’horreur invite le spectateur à prendre énormément de recul par rapport à l’histoire et de fait, le détache de la tragédie qui se déroule sous ses yeux.

Néanmoins, les décors sublimes, les images exceptionnelles, un sens du cadre au sommet, une mise en scène juste et inspirée, une musique de circonstance, nous rappellent la réussite flagrante du long-métrage. Cinéaste de la forme et de l’esthétisme, Tim Burton nous livre un bijou visuel qui rend presque anecdotique les chants de ses protagonistes. Le réalisateur nous dispense également de ballets interminables et grandiloquents pour rester sur le nœud dramatique d’un scénario somme toute classique. Car c’est malheureusement là que réside la grande faiblesse de « Sweeney Todd » : même s’il regorge de rebondissements, ceux-ci sont trop prévisibles pour tenir en alerte le spectateur. Pire, ce long-métrage ressemble presque plus à une commande de studio qu’à une œuvre vraiment personnelle du maître, comme si on avait demandé à Burton de faire du Burton. Il n’empêche que la réussite visuelle est indéniable et les interprètes remarquables.

Saluons donc la prestation d’un casting exceptionnel et tout en voix emmené par l’éminent Johnny Depp. Après « Edward aux mains d’argent », « Ed Wood », « Sleepy Hollow », « Charlie et la chocolaterie » et les « Noces funèbres », l’association de ces deux grands du Cinéma fait mouche une fois de plus. Inquiétant, macabre, fou, Johnny Depp trouve en Helena Bonham Carter la partenaire idéale pour ce rôle. L’immense Alan Rickman incarne à merveille un juge concupiscant, pervers et corrompu, tandis que l’étonnant Sacha Baron Cohen (mais si, rappelez-vous, Borat et Ali G, c’est lui) détonne dans un rôle de barbier Italien très en verve.

Sans grande surprise, le dernier Burton regorge de qualités et constitue une belle expérience cinématographique. Néanmoins, « Sweeny Todd » demeure une œuvre assez prévisible et peu personnelle mais heureusement servie par une réalisation exceptionnelle et des comédiens inspirés.

Triangle

2008-01-17T14:57:00.000+01:00

Dernière production Milkyway Image à parvenir chez nous, « Triangle » est un triptyque ambitieux et enthousiasmant qui réunit trois des plus grands noms du cinéma de Hong Kong : Tsui Hark, Ringo Lam et Johnnie To. En sélection officielle du festival de Cannes 2007, ce cadavre exquis cinématographique est sans aucun doute le projet filmique le plus ambitieux de ces dernières années.

Le concept : chaque réalisateur dispose d’une trentaine de minutes pour mettre en place un thriller policier qui ne repose sur aucun scénario pré-écrit. Chaque cinéaste a donc pleine liberté pour faire échos aux autres ou se mettre en rupture complète avec eux. Génies scéniques et plastiques du cinéma, les réalisateurs s’en donnent à cœur joie et finalement le style de chacun s’affirme et se reconnaît au fur et à mesure d’une histoire somme toute simple et classique.

Cinéma de l’exercice de style et de la virtuosité, le cinéma de Hong Kong n’est cependant pas celui de la narration. Ainsi, Tsui Hark jette les bases d’une banale histoire (trois hommes mêlés à la découverte d’un trésor que tout le monde convoite) que poursuit Ringo Lam en apportant toute l’épaisseur nécessaire aux personnages et à la narration pour enfin permettre à Johnnie To de nous gratifier d’un final aussi comique que sanglant.

Expérimental à souhait, « Triangle » nous présente trois segments tournés les uns après les autres et dont les cinéastes n’ont pu apprécier le résultat final qu’une fois le film monté. A l’instar d’une écriture à quatre mains, « Triangle » est réalisé par une tricéphale légendaire. Conséquence ? Mise en scène, ambiance, narration, et montage diffèrent selon le rôle de chacune des parties. Des images anonymes de Hong Kong peuvent être soudain supplantées par les vues les plus connues et touristiques, soulignant la totale liberté cinématographique de cet exercice de style. Résultat ? Le film est pétri d’incohérences et d’ellipses qui soulignent la désinvolture manifeste des trois réalisateurs qui s’affranchissent des codes habituels.

« Triangle » est pourtant une œuvre assez laborieuse dans son déroulement et un spectateur néophyte risque d’être un peu perdu dans ce mélange de genres décomplexé. Pour la forme ou la mémoire, rappelons que Tsui Hark a réalisé notamment « Il était une fois en Chine 1 & 2 », « Le festin chinois », « The Blade », « Time & Tide » ou encore « Seven Swords ». Que Ringo Lam est l’auteur d’une trilogie qui inspira Tarantino pour son « Reservoir Dogs », et qu’il a signé pour Hollywood plusieurs films d’arts martiaux avec Jean-Claude Van Damme avant de retourner sur Hong Kong. Que Johnnie To enfin est un habitué des festivals qui n’hésite pas à monter des projets ultra-commerciaux pour réaliser ensuite des œuvres plus personnelles. On lui doit notamment « The Mission », « P.T.U », « Breaking news », « Election 1 & 2 » ou encore « Exilé ».

Si la métaphore des trois personnages - trois cinéastes est facile, saluons tout de même les prestations de Simon Yam, Sun Hong Lei et Louis Koo, tous de grandes figures du cinéma de Hong Kong. L’alchimie entre eux est réelle alors qu’être dirigé par trois réalisateurs différents n’a pas du être chose facile. Si leurs personnages manquent évidemment de relief en grande partie à cause du concept, ils parviennent à tirer le meilleur de ce qu’on leur demande, même si bien évidemment « Triangle » n’est somme toute qu’un divertissement aux thèmes plutôt convenus (amitié, amour, trahison, violence, criminalité).

A cause de cet exercice de style périlleux, on pardonnera sans effort aux trois réalisateurs les écarts de narration et le manque de relief du récit, mais « Triangle » restera relativement obscur et difficile à cerner pour beaucoup. Restent la jubilation de découvrir la dernière œuvre du cinéma redevenu le plus intéressant de la planète, et le tour de force d’un cinéma expérimental à nous divertir et à tenir la route.

2 0 0 7

2008-01-07T00:34:00.001+01:00

Alors que l'année dernière la liste de mes 10 films préférés ne m'avait pas demandé beaucoup de temps, le contraire absolu m'est arrivé pour 2007 qui se démarque par une relative pauvreté cinématographique. Certes, le nombre des entrées sont aussi là pour le confirmer mais au-delà d'un phénomène peut-être conjoncturel, l'accumulation de films moyens et de suites sans saveur n'ont rien arrangé. En conséquence, en relisant les titres des 87 films vus au cinéma cette année, je n'en avais même pas 10 dans ma première fourchette. J'ai donc dû réfléchir, relire, bref, tuer toute spontanéité généralement salvatrice dans ce genre de classements... En tout état de cause, voici pour l'instant mes 10 films préférés de l'année, plus ou moins dans l'ordre :

De nombreux films sont très proches d'entrer dans ce classement. "La vie des autres" par exemple, bon film mais un peu trop surestimé à mes yeux. Rappelez-vous également les très bons "Dernier roi d'Ecosse", "Lettres d'Iwo-Jima" et "Blood Diamond". Rappelez-vous les sympathiques "Simpson" et "Ratatouille", ou les bonnes surprises comme "Rocky Balboa" ou "Transformers". Mais saluons également toute une série de policier/thriller de bonne facture mais qui malheureusement ne laisseront pas une grande trace derrière eux : "La nuit nous appartient", "American gangster", "7h58 ce samedi-là", "Gone Baby Gone", "Dans la vallée d'Elah" , "Le royaume", etc.

Evidemment, sur-représentation de cinéma asiatique me concernant et sous-représentation d'un cinéma français toujours aussi redondant. Merci à Johnnie To ("Election 1 & 2" et bientôt "Triangle" avec Tsui Hark et Ringo Lam !), Park Chan-wook ("Je suis un cyborg), Im Sang-soo ("Le vieux jardin"), Kim Ki-duk ("Time" et "Souffle"), etc. Petite pensée également au petit film danois "after the wedding", ainsi qu'aux rafraîchissants "Black Snake Moan", et "Delirious".

Les promesses de l'ombre

2007-11-08T05:05:00.000+01:00

David Cronenberg est une légende. Sa filmographie, ses thèmes, ses choix artistiques, sa mise en scène, font de lui un des plus importants et fascinants cinéastes de notre temps. Avec ses « promesses de l’ombre », il porte au sommet ses réflexions et son travail protéiformes sur l’être humain.

Dans un Londres morne et pluvieux qui s’apprête à fêter noël, une jeune femme de 14 ans meurt en donnant naissance à sa fille. Les traces de coups et de piqûres de la mère interpellent Anna (Naomi Watts) qui, en fouillant les effets personnels de la défunte, tombe sur un journal intime écrit en russe et la carte d’un restaurant. Pour exorciser son passé, Anna se met en tête de sauver de l’orphelinat la petite fille et fait traduire le journal. Les révélations qu’il contient amène Anna à croiser Semyon (Armin Mueller-Stahl), son fils Kirill (Vincent Cassel) et son chauffeur Nikolai (Viggo Mortensen), d’implacables membres de la mafia russe et de son code, le « vory v zakone ».

La filmographie de Cronenberg a la particularité d’offrir la même constance narrative quel que soit le style de l’œuvre mise en scène. Si ses premières œuvres ont pour thème le corps humain altéré par des scientifiques (« Frissons » [1976], « Rage » [1977], « Chromosome 3 » [1979], « Scanners » [1981], « Videodrome » [1983], « La mouche » [1986], « Faux semblants » [1988]), ses œuvres plus contemporaines s’éloignent progressivement de la chair pour se concentrer sur la psychologie, la perception, l’opposition entre réalité et fiction (« Le festin nu » [1991], « Crash » [1996], « eXistenZ » [1999], « Spider » [2002], « History of Violence » [2005]).

Qu’il parle de chaos, de compromis, d’auto-expérimentation, de sensation, Cronenberg se distingue par un style pragmatique, voire clinique, de la narration. Rien n’est jamais montré gratuitement, rien n’est laissé au hasard, rien n’est fioriture. Son dernier long-métrage ne déroge pas à la règle et même s’il n’est pas aussi abouti scénaristiquement que les précédentes œuvres du maître, Cronenberg parvient à tirer le meilleur d’une histoire simple (quoique truffée de rebondissements) pour distiller des réflexions sur l’être humain dignes de Dostoïevski.

L’autre tour de force du réalisateur est de transformer un polar âpre et violent en une histoire d’amour stylée. Alors que Cronenberg s’approprie et modernise les codes du film de gangsters, il en profite pour mettre en exergue l’érotisme d’une relation impossible et imposer la compassion et l’amour au-dessus de tout. Par ailleurs, sa fascination pour l’organique est toujours aussi présente. Il nous gratifie ainsi de scènes sanglantes et malsaines à souhait où le corps est mis à mal. Pour Cronenberg, la chair n’est que souffrance, la vie ne se fait ressentir qu’à travers la souffrance, dans l’apprentissage de ce que c’est qu’exister.

Comme à son habitude, le cinéaste signe une ambiance réussie et maîtrisée du début à la fin. Un soin tout particulier a été apporté pour que le film respire l’authenticité. Les tatouages, les rites de la mafia russe, le code d’honneur, sont autant d’éléments qui viennent insuffler du réalisme à l’œuvre. Comme dans son précédent film, Cronenberg fascine par sa recherche de la justification d’avoir recours à la violence. Il en découle certaines séquences dures et sanglantes justifiant l’interdiction aux moins de 12 ans, notamment une scène remarquablement brutale de combat qui mérite de faire déjà partie des grands moments de l’Histoire du Cinéma.

L’intensité visuelle du long-métrage, renforcée par la remarquable musique d’Howard Shore (compositeur attitré de Cronenberg depuis des années), insuffle un malaise et une tension palpables tout au long de l’histoire. Théâtre de cet effrayant spectacle, la ville de Londres n’a jamais parue si glaciale et triste, comme le dernier écueil de monstres sans âmes. Seul le faux « happy end » nous fait encore espérer qu’il existe une once d’humanité pouvant surgir de personnages aussi désespérés.

La distribution des « promesses de l’ombre » est tout simplement exceptionnelle. Viggo Mortensen distille une prestation renversante et glaciale, calculatrice et menaçante. Son personnage s’oppose au sanguin et colérique Kirill interprété par Vincent Cassel, malheureusement trop juste dans ce rôle et écrasé par les performances des autres protagonistes. Armin Mueller-Stahl (Vu dans « Music Box » de Costa-Gavras) signe une apparition époustouflante, toute en subtilité et en nuances. Son personnage est un démon froid et calculateur qui va insidieusement traquer la belle et fragile Naomi Watts. A l’aise dans son rôle de femme fragile mais déterminée, la très hitchcockienne comédienne britannique ne fait que confirmer film après film qu’elle est une des valeurs sûres du cinéma d’aujourd’hui.

Doté d’une puissance narrative exceptionnelle, d’une ambiance magistrale, et d’interprètes remarquables, les « promesses de l’ombre » est capable de nous surprendre et de nous mettre mal à l’aise malgré la relative simplicité de son intrigue. Les « promesses de l’ombre » est très certainement ce qui se fait de mieux aujourd’hui au Cinéma. David Cronenberg est une légende (bis). David Cronenberg est un des plus grands génies filmiques de l’Histoire.

L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford

2007-10-05T00:44:00.000+02:00

Jesse James, hors-la-loi notoire et figure populaire des Etats-Unis de la fin du XIXe siècle, a été le sujet d’un nombre pléthorique d’œuvres musicales, littéraires ou encore cinématographiques. En l’espèce, « l’assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford » est l’adaptation du roman éponyme de Ron Hansen par le scénariste et réalisateur Andrew Dominik, déjà auteur du long-métrage « Chopper », une autre histoire de criminel célèbre.

L’histoire s’ouvre sur l’attaque d’un train. Pour cette opération, Jesse James et son gang font appel à des petites frappes locales. C’est ainsi que Robert Ford, alors âgé de 19 ans, fait la rencontre de son idole. Intrigué par ce jeune homme, Jesse James le fait entrer dans son univers sans savoir que cette rencontre va leur sceller un destin tragique.

Le scénario d’Andew Dominik est un prétexte à traiter de l’ambiguïté des rapports humains. Il pose les bases d’une rhétorique à des années lumières d’un quelconque western et qui relèverait plutôt d’un drame onirique et existentialiste. Le long-métrage traite également du paradoxe très américain d’élever au rang de héros un voleur et meurtrier notoire sous prétexte de sa célébrité tout en fustigeant celui qui l’assassina, au point même de condamner son existence. Néanmoins, cette critique du sensationnalisme est encroûtée par un rythme très lent qui n’est justifié ni par un discours pertinent ni par un sens particulièrement profond. Cette impression d’inutilité du récit est entretenue par la narration des derniers instants de la vie de Jesse James qu’il consacre à la poursuite à travers le pays de ses complices pour les tuer.

Contemplatif et long, perclus d’images bucoliques qui lorgnent allègrement du côté du cinéma de Terrence Malick, le film d’Andrew Dominik est toutefois une belle réussite visuelle, en grande partie grâce à Roger Deakins, directeur de photographie légendaire. Il y a une vraie cohérence artistique avec la récurrence des mêmes effets de mise en scène : distorsion, flou, surexposition, etc. Les plans de coupe sont exceptionnels et de manière générale « l’assassinat de Jesse James » transcende les décors naturels magnifiques du Canada. Il faut en outre saluer le travail formidable de reconstitution (décors, costumes, etc.) ainsi que les efforts fournis en faveur de l’authenticité et de la légitimité de l’œuvre. La musique, signée Nick Cave et orchestrée par Warren Ellis, est en tout point remarquable, nous gratifiant d’un thème récurrent entêtant et garantissant une ambiance très réussie.

Niveau interprétation, Brad Pitt (également producteur du film) évolue dans un registre qu’il connaît par cœur, celui du héros charismatique mystérieux et adulé. S’il ne fait que confirmer une fois de plus son immense talent, il est très loin de fournir une prestation exceptionnelle et montre surtout qu’il a beaucoup de métier. Il se fait littéralement voler la vedette par Casey Affleck dont la composition nécessite de mobiliser infiniment plus de talent que le rôle de Brad Pitt. Sam Shepard et Sam Rockwell complètent notamment une distribution haut de gamme et toujours juste.

Manquant cruellement d’émotion, « l’assassinat de Jesse James » est une expérience cinématographique intéressante dont le sens ne prend forme que vers la fin, au bout d’une interminable narration de près de 2h40. Restent de belles images, un casting sérieux, une reconstitution réussie et une intrigante rhétorique… Dommage que l’indulgence du spectateur soit mise à rude épreuve.

28 semaines plus tard

2007-09-21T04:24:00.001+02:00

Le long-métrage de Dany Boyle « 28 jours plus tard » avait à l’époque révolutionné le film de zombies avec des créatures enragées intelligentes et véloces. Malgré quelques errements narratifs, « 28 jours plus tard » demeure encore aujourd’hui très bon et la question se pose vraiment de savoir s’il avait besoin d’une suite. La réponse n’est pas évidente car si elle n’était pas du tout indispensable, ce qu’en a fait Juan Carlos Fresnadillo est tout simplement exceptionnel.

Alors que l’épidémie fait rage, Don patiente auprès de sa femme et d’autres survivants dans une ancienne ferme. Jusqu’au jour où une attaque le contraint à fuir, laissant derrière lui sa compagne présupposée morte et infectée. 28 semaines après la première contagion, la Grande-Bretagne commence sa reconstruction. Don fait partie des survivants et a l’immense privilège de retrouver ses enfants Andy et Tammy. Ensemble ils essaient de se reconstruire, jusqu’au jour où réapparaît de manière improbable la femme de Don. Pétri de culpabilité, sa recherche d’absolution va conduire les survivants et l’armée à affronter une deuxième vague d’enragés.

Si la manière dont revient l’épidémie peut tout aussi bien être perçue comme très romantique ou très mince, le fait est que nous revoilà dans un bain de sang des plus efficaces d’une heure et demie et interdit aux moins de 12 ans. Plus gore que terrifiant, le film est avant tout une métaphore assumée de l’interventionnisme américain, une belle relecture d’un genre cinématographique, et une plongée dans le cannibalisme le plus sanglant. Le film ne cesse de monter en puissance, accompagné par une musique remarquable, et même s’il souffre de quelques invraisemblances, il nous gratifie de grands moments de cinéma (la scène d’ouverture et celle dans le noir sont phénoménales).

Si la mécanique du film est classique (un jeu de course poursuite) elle est suffisamment ingénieuse et bien mise en scène par Juan Carlos Fresnadillo pour nous livrer au final un spectacle prenant, gore et terrifiant. Ce long-métrage fonctionne aussi très bien grâce à un éventail d’interprètes haut de gamme, avec en tête le monumental Robert Carlyle malheureusement trop absents ces derniers temps. A ses côtés on trouve Rose Byrne déjà vue dans « Sunshine » de… Dany Boyle. L’autre bonne surprise vient du duo frère et sœur joué respectivement par Mackintosh Muggleton et Imogen Poots (très prometteuse) décidemment bien dirigés par le metteur en scène espagnol.

Au final, « 28 semaines plus tard » est une très bonne surprise. Toutefois, de part son genre très codifié et son atrocité visuelle, il risque de n’intéresser qu’un public limité. La réponse quant à la possibilité d’une autre suite étant déjà amorcée par la fin du film, une seule question subsiste : A quand donc un « 28 mois plus tard » ?

Shoot'em up

2007-09-21T04:13:00.000+02:00

Un « shoot’em up » (littéralement « bute-les tous ») est à la base un genre du jeu vidéo qui consiste à réduire à néant tout ce qui a le malheur de croiser la route du héros. Le film homonyme de Michael Davis obéit au même principe nous gratifiant ainsi d’un spectacle haut en couleur, rocambolesque et très reposant pour les méninges.

Smith est tranquille, assis sur un banc et grignotant une carotte quand soudain débarque en courant une femme enceinte et sur le point d’accoucher. A ses trousses : une meute de tueurs armés jusqu’aux dents. Un peu énervé par tout ça, Smith prend les choses en main et liquide tout le monde pour sauver le bébé qu’il vient de mettre au monde. Mais voilà : sa mère est morte pendant la fusillade et une mystérieuse organisation est à ses trousses. Smith, aidée d’une prostituée, va essayer de dénouer cette affaire entre deux coups de feu.

Pragmatique et nihiliste, « Shoot’em up » est un concentré de violence et d’humour noir complètement assumé. Doté d’une intrigue scénaristique plutôt ténue (pour ne pas dire inexistante), le film doit être appréhendé comme un spectacle baroque qui repousse toujours plus loin les limites de la vraisemblance et du mauvais goût. À des années lumières d’une œuvre policière stylée, « Shoot’em up » est un pur divertissement totalement gratuit mais dont la futilité et la violence récurrente (interdit aux moins de 12 ans) risquent d’en écoeurer plus d’un.

Le long-métrage obéit à tous les codes du genre et nous gratifie de personnages charismatiques et haut en couleurs : une gâchette hors pair à la misanthropie chronique et shootée aux carottes (Clive Owen), un assassin nonchalant pétris de problèmes conjugaux (Paul Giamatti), une pute pragmatique qui sert de vache à lait (Monica Belluci) et des hommes de main tous plus bêtes les uns que les autres… On assiste à un spectacle dont le sens de l’autodérision est poussé à son paroxysme et où les références aux maîtres du genre (Tarantino, Rodriguez, Ritchie…) pleuvent.

Sorte de jeu vidéo hystérique et jouissif, « Shoot’em up » n’a d’intérêt que dans son concept parodique, son casting inspiré et son rythme follement débridé. D’un mauvais goût abyssal et totalement stupide, le film est à prendre au 25e degré et n’a pour prétention que de faire rire un public qui en redemanderait presque.

Joe Strummer - The future is unwritten

2007-07-14T13:43:00.000+02:00

Qui ne connaît pas les Clash ? « London calling », « White riot », « Police & thieves », « I fought the law », « Guns of Brixton », « Jimmy Jazz », « The magnificient Seven », « Should I stay or should I go », « Rock the Cashbah »… Autant de tubes d’un des plus grands groupes de tous les temps, témoins d’une époque agitée de l’Histoire et brillamment orchestrés par un leader charismatique, Joe Strummer.

Décédé en 2002, le chanteur et son groupe auront marqué leur époque avec leur punk énergique et leurs textes profondément contestataires et humanistes. Le documentaire de Julien Temple – un habitué du genre qui a dévoué une grande partie de sa carrière à la musique rock – fait figure de biographie totale, puisqu’il s’attache à retracer toute la vie de Joe Strummer. Il nous montre comment il est devenu ce qu’il a été, de son enfance dans une école privée en passant par ses errances londoniennes, ses échecs, ses succès, ses rencontres etc.

Très exhaustif, le film met en scène documents de l’époque, contexte politique et historique, interviews et concerts, pour un résultat remarquable quoique peut être trop dense. Le long-métrage dure en effet plus de deux heures et un peu moins de montage et de documents inutiles à l’histoire auraient pu rendre l’ensemble plus digeste. Mise à part ces parenthèses, on ne peut qu’être admiratif devant le travail fourni et la qualité des documents proposés. Le nombre d’intervenants est époustouflant, leur pertinence toujours prépondérante, et leur notoriété parfois surprenante. Viendront parler de Joe Strummer : les anciens membres du groupe, ses amis, sa famille mais aussi de nombreuses stars comme Johnny Depp, John Cusack, Matt Dilon, Bono (chanteur de U2), Anthony Kiedis et Flea (Red Hot Chili Peppers) pour ne citer qu’eux. Les intervenants se succèdent ainsi, entrecoupés d’images d’archive (pour une fois remises dans leur contexte) et d’extraits de l’émission de radio du chanteur.

Documentaire réussi, « Joe Strummer – the future is unwritten » invite à découvrir ou redécouvrir l’épaisseur et la complexité d’un personnage haut en couleur. Humaniste, contestataire, charismatique, curieux, stylé… autant d’adjectifs qui collent à la peau du meneur des Clash. Hautement instable, inquiet et paradoxalement peu préparé au succès après l’avoir recherché toute sa vie, Joe Strummer est une grande figure de l’histoire de la musique et la puissance narrative du documentaire lui rend vraiment l’hommage qu’il mérite. Tantôt drôle, tantôt émouvant, tantôt impertinent, le documentaire de Julien Temple est à l’image de son sujet. Si la voix-off de Joe Strummer commentant sa propre vie a quelque chose de grandiose et d’électrisant, le côté hippies se réunissant autour du feu pour parler du temps passé fini par agacer toutefois pas sa mièvrerie chronique.

Peu de points d’ombre donc dans ce documentaire réussi, émouvant et fascinant, qui réussi là où « Made in Jamaica » a échoué. Si vous cherchez à passer un bon moment musical et/ou pictural, allez voir le documentaire de Julien Temple (à l’affiche le 18 juillet avec un autre documentaire : « Glastonbury ») qui vous changera des sempiternels mais incontournables Harry Potter, Die Hard ou autres Transformers.

Pirates des Caraïbes : jusqu'au bout du monde

2007-05-24T18:45:00.000+02:00

Dernier (?) volet d’une trilogie phénoménale, “Pirates des Caraïbes, jusqu’au bout du monde” est sorti en France dès le mardi 22 mai au soir. Les 6,5 millions d’entrées du précédent opus en France et le cap du milliard de dollars de bénéfice dans le monde justifient-ils l’attente suscitée par le dernier long-métrage de Gore Verbinski ?

Rappelez-vous : Jack Sparrow (Johnny Depp) a disparu corps et âme en affrontant le Kraken de Davy Jones (Bill Nighy). Ce dernier s’associe avec l’ignoble Lord Cutler Beckett (Tom Hollander) pour le contrôle des Sept mers tandis que Will (Orlando Bloom) et Elizabeth (Keira Knightley) s’en remettent à Tia Dalma (Naomie Harris) et Barbossa (Geoffrey Rush), un adversaire prétendu mort, pour échafauder un plan abracadabrant. C’est là que démarre l’intrigue de ce nouvel épisode : rassembler les neuf Seigneurs des pirates et organiser une résistance pour la survie de leur confrérie. Mais cela passe par la récupération de Jack Sparrow, prisonnier au-delà des limites du monde, et c’est Sao Feng (Chow Yun-Fat) qui détient les cartes de navigation pour allez le secourir.

A l’instar du précédent opus, cet épisode se caractérise lui aussi par un vide scénaristique absolu. Il faut à nouveau compter une heure pour que l’ensemble devienne vaguement cohérent. L’hystérie narrative est toujours au rendez-vous pour complexifier une histoire qui n’a pas besoin de l’être et l’on se sent souvent paumés dans les intérêts contradictoires des uns et des autres. Il n’empêche que l’on retrouve avec un certain plaisir un peu de la douce insouciance, de l’aventure et de l’auto-dérision du premier volet.

Toutefois, l’ambiance est plus sombre dans cet épisode, et les enjeux sont plus dramatiques. Il y a des morts, des trahisons, des déceptions. L’univers est toujours aussi saisissant et enthousiasmant. Le travail sur les décors, les costumes, les couleurs et la photo est renversant et participe à la crédibilité de cette œuvre de pure fantaisie. En outre, les effets spéciaux sont sublimes, que ce soit pour la restitution des lieux grandioses (Singapour, l’île des damnés) ou les scènes d’action mémorables (la bataille de fin). Même si l’ensemble est parfois confus ou trop belliqueux, on se surprend à en vouloir encore même après presque trois heures de film.

La distribution haut de gamme confirme le pari de la production d’avoir fait confiance à cette équipe. Johnny Depp est toujours aussi surréaliste et jubilatoire, Orlando Bloom est toujours aussi bien dans des rôles de jeune premier un peu idiot mais doué à l’épée, Keira Knightley est toujours aussi maigre et charmante. Les grosses valeurs ajoutées, à savoir Geoffrey Rush et l’immense Chow Yun-Fat sont au rendez-vous et tous les autres seconds rôles confirment la réussite et la continuité de la trilogie. C’est un vrai plaisir de retrouver cet univers et ces personnages hauts en couleur.

La trilogie s’ouvre comme elle se termine et nous gratifie d’une fin suffisamment ouverte et d’une scène finale post générique agréable pour imaginer à coup sûr l’arrivée dans les années qui viennent d’un nouvel épisode. Doit-on s’en plaindre ? La question dépend trop du spectateur lui-même : « Pirates des Caraïbes, jusqu’au bout du monde » est la quintessence de ce qui se fait en la matière. Il s’agit d’un pur film de détente qui se donne les moyens d’être réussi. Certes, il n’a rien d’aussi profond que le formidable « Still life » ou d’expérimental que « Amer béton », mais il assume totalement son statut. En allant au cinéma voir le dernier Gore Verbinski, on sait ce que l’on va voir, un peu comme avec « Spider-man 3 ». Sauf que là, c’est bien.

Le vieux jardin

2007-04-18T14:49:00.000+02:00

Hyun-woo redevient libre après 17 ans d’emprisonnement. Alors qu’il découvre à nouveau son pays, ses souvenirs de jeunesse lui reviennent ainsi que les circonstances de son arrestation. Au début des années 80, suite au coup d’état ayant entraîné la mort du président tyrannique Park Chunghee en 1979, un vent de liberté s’empare de la population civile. Les manifestations sont durement réprimandées par l’armée et les meneurs envoyés en prison. Hyun-woo fuit les rafles et trouve refuge auprès de Yoon-hee, une jeune et belle institutrice. Entre eux va naître une histoire d’amour passionnée, mais Hyun-woo va finalement faire le choix de retourner à ses activités politiques. Capturé dès son retour à Séoul, sa sortie de prison lui rappelle les souvenirs de Yoon-hee et les moments heureux qu’ils ont partagé.

Réalisateur de l’excellent « President’s last bang », Im Sang-soo traite à nouveau du passé de son pays avec cette très belle histoire d’amour sur fond politique. Cinéaste contemplatif, Im Sang-soo pose sa caméra et filme la vie d’un homme bisé, hanté par la culpabilité et la raison de ses choix. Si la rhétorique du film pose l’amour comme la plus grande force sur cette terre, Im Sang-soo profite aussi de son long-métrage pour nous parler de déracinement, de choc culturel, de désorientation.

En outre, le réalisateur possède un véritable art filmique et nous gratifie de plans parfois anodins, parfois sublimes, où la mise en scène existe vraiment et où elle joue un rôle à part entière. Tourné en format Scope, le film est aussi un vrai plaisir visuel malheureusement encroûté un tantinet par un montage quelque peu maladroit. Il subsiste également quelques déchets filmiques qui transparaissent devant l’accumulation de scènes inutiles au récit.

En dépit de ces défauts mineurs, « le vieux jardin » éblouit de sa classe la pauvreté cinématographique actuelle. Servi par une paire de comédiens en état de grâce (Jin-hee Ji et Yum Jung-ah), le film distille brillamment toute une série de sentiments contradictoires et ne bascule jamais dans une mélancolie mièvre et facile. Les émotions sont nuancées mais au rendez-vous.

« Le vieux jardin » est somme toute un long-métrage réussi qui confirme tout le talent de son réalisateur Im Sang-soo.

300

2007-03-16T22:29:00.000+01:00

Sparte. Une philosophie, une ville, un art de la guerre. Sparte et la légendaire bataille des Thermopyles. Sparte et son roi Léonidas, qui, pour un idéal, un héritage séculaire, une ligne de conduite, emmène ses 300 meilleurs soldats à une mort certaine.

Nous sommes au Ve siècle avant Jésus-Christ. La Grèce est divisée et devient la cible du puissant Empire Perse, dirigé par Xerxès Ie, fils de Darios Ie. À la demande de soumission totale et d’un lourd tribut à payer, Léonidas répond par la force en tuant l’émissaire Perse, déclenchant ainsi une guerre qui semble perdue d’avance. Le roi part donc avec l’élite de son armée, sans le soutien de l’Assemblée et des Ephores. Leur haut fait guerrier et leur sacrifice conduiront la Grèce a enfin s’unir pour anéantir l’armée Perse et poser les premiers jalons de la démocratie.

C’est la bataille des Thermopyles qui a inspiré au génial Frank Miller (l’auteur des romans graphiques « Sin City ») une bande dessinée totalement culte et belliqueuse, « 300 », d’abord sortie en plusieurs parties en 1998 puis enfin publiée en un seul tome en 1999. D’un style épuré et radical, l’œuvre de Frank Miller ne s’embarrasse pas des contraintes historiques et narratives classiques et prend surtout comme prétexte une fantastique épopée guerrière pour nous parler de liberté et de démocratie.

On retrouve cette rhétorique dans le film éponyme de Zack Snyder qui reprend le même principe qui avait fait le succès de l’adaptation de « Sin City » : retranscrire presque image par image le découpage de la bande dessinée. Le montage et les angles choisis pour la mise en scène sont très fidèles à l’œuvre initiale : le cinéma est totalement au service de la bande dessinée. Il en découle par conséquent un léger chaos narratif car il n’y a pas vraiment de liant, pas vraiment d’épaisseur scénaristique. Tout est principalement centré autour de la bataille, même si certaines libertés ont été prises quant au matériau originel pour étoffer un tantinet l’histoire avec des ressorts politiques. Les puristes le regretteront peut-être, mais la volonté de prendre du recul par rapport aux scènes d’action permet au spectateur de souffler et au long-métrage de se permettre des écarts de rythme salutaires. Pour le reste, toutes les scènes clés de la bande dessinée sont magnifiquement adaptées : on retrouve les mêmes angles excessivement fuyants, une certaine science de l’exagération, l’abus des plongées et contre plongées, l’alternance de sublimes gros plans et plans d’ensemble, etc.

Il serait réducteur de parler du film en termes simplement guerriers, mais il faut savoir aussi de quoi l’on parle, de ce que le spectateur va voir : une bataille. Par conséquent, l’histoire du film, à l’instar de celle du roman graphique, est essentiellement centrée sur le champ de bataille, la gloire du combattant, l’exaltation guerrière totale. Inutile de se mentir, « 300 » est un film violent et obsessionnel, presque un prétexte pour légitimer la guerre au rang d’un art à part entière. Les personnages sont totalement déifiés, tantôt exubérants, tantôt décadents, dans la juste ligne de mire de Frank Miller. La chorégraphie des combats est époustouflante et magnifiée par une mise en scène inspirée et un montage efficace. L’adaptation cinématographique transcende l’univers de l’auteur, lui donne une vie, une âme.

Si l’ensemble tient aussi bien la route, c’est aussi grâce à des personnages très réussis et un casting judicieux car reposant exclusivement sur une communauté guerrière. Le roi Léonidas est incarné par Gerard Butler vu notamment dans le « Fantôme de l’Opéra » du médiocre Joel Schumacher. Ses capacités athlétiques, son penchant à hurler la moindre phrase et sa jouissance à l’idée de se battre font de lui l’interprète rêvé du personnage mythique. Pour lui donner la réplique, à part des figurants aux physiques de catcheurs, on croise le chemin de David Wenham – Faramir dans « le Seigneur des Anneaux » – et de la belle Lena Headey – déjà vue dans les « Frères Grimm »– qui campe à merveille l’épouse et reine de Sparte.

Le grand parti pris du film repose également sur un tournage intégralement en studio et une dose massive de postproduction. Le résultat ? Les images transpirent le numérique à un niveau rarement atteint. Le moindre élément du fond, le plus petit détail du ciel, chacune des couleurs et des nuances… Tout est faux. Au spectateur de décider si cela gêne ou non l’histoire. À l’instar du scénario où l’on sait d’avance que l’on ne va assister qu’à la narration d’une bataille, les producteurs assument totalement et mettent en avant la numérisation quasi totale du long-métrage. Que l’on aime ou pas, on ne peut toutefois que saluer le travail remarquable et les efforts pour créer un style unique et cohérent. Que l’on aime ou pas, on ne peut que s’incliner devant l’ingéniosité, la richesse de l’univers et les trouvailles visuelles de Frank Miller.

Oui, le film est bardé de défauts avec un casting constitué quasi exclusivement de brutes sculpturales, des dialogues minimalistes et sans grands reliefs dont la seule vocation est de réveiller la bête en nous. Oui, tout est numérique et grandiloquent.Oui, Zack Snyder fait souvent et lourdement référence aux « classiques » du genre (« Gladiator », « Braveheart », « Spartacus », etc.) et empreinte leur panache. Mais que l’on aime ou pas le genre, que l’on soit cinéphile ou pas, « 300 » est – objectivement – l’archétype même du film réussi car il va jusqu’au bout de son concept, car il assume totalement ses partis pris. Le long-métrage de Zack Snyder est ce qu’il est : une adaptation réussie d’un roman graphique des plus belliqueux. Cinématographiquement mineur, « 300 » appartient à cette catégorie de longs-métrages qui reposent aussi sur une philosophie filmique à part entière : tout assumer jusqu’au bout, aller au climax de son concept. Pari osé, pari réussi.

C’est ça, Sparte !

Le dernier roi d'Ecosse

2007-02-16T02:17:00.000+01:00

Tout juste diplômé de l’université de médecine, Nicholas Garrigan veut à tout prix fuir son Ecosse natale. Ses rêves d’aventure vont le conduire en Ouganda où il rejoint dans une région perdue un médecin et sa femme. L’échec de Nicholas à séduire cette dernière et sa rencontre avec le nouveau président du pays, Idi Amin Dada, lors d’un accident malheureux, vont le pousser à quitter sa mission et accepter l’emploi de médecin personnel du nouveau leader de l’Ouganda. D’abord séduit par cette nouvelle vie, Nicholas va vite déchanter tant Idi Amin Dada est un homme imprévisible et dangereux.

Adaptation du roman de Giles Foden, « le dernier roi d’Ecosse » met en scène dans les années 70 les relations privilégiées qu’entretenaient le Dr Nicholas Garrigan et le dictateur ougandais Idi Amin Dada. Et c’est peut-être là que réside l’ambiguïté du film. Les atrocités commises par le Président ne font que partie du décor, servent de toile de fond à une autre histoire. Ainsi, le long-métrage de Kevin Macdonald est à la fois très original car il s’attache avant tout à décrire la personnalité de ses protagonistes, mais en même temps frustrant pour ceux qui s’attendaient à une espèce de biopic du tyran africain. L’accession au pouvoir de ce dernier est juste un fait, et son régime de terreur une information. Le spectateur est plutôt témoin du charisme, de la bonhomie de ce bouffon sadique qui a fait successivement rire et pleurer le monde.

La grande force du film réside dans son réalisme, sa violence latente et son ambiance réussie. On est immédiatement pris aux tripes par ce récit hors du commun, le contexte géopolitique et la démagogie d’une accession au pouvoir. Le long-métrage est profondément humain et en même temps terriblement implacable et cru : exécutions, tortures, sexe et violences se bousculent dans ce film remarquable et original dans le point de vue qu’il choisit.

Si le pari est réussi au niveau de la forme et peut dérouter sur le fond, le tour de force du long-métrage provient bien entendu de la performance exceptionnelle de Forest Whitaker, récompensé par le Golden Globe du meilleur acteur. Incroyable de mimétisme, le travail fourni par le comédien américain est époustouflant et nous gratifie d’un Idi Amin Dada très réaliste, au charisme hors norme, au caractère imprévisible et à la violence sous-jacente. Pour lui donner la réplique, James McAvoy incarne le Dr Nicholas Garrigan, d’abord séduit puis dépassé par les événements. Sa prestation est en demi-teinte car son personnage est assez lisse et son comportement trop lisible pour nécessiter une interprétation grandiose. A noter la prestation toute simple de la trop rare et très belle Gillian Anderson (rappelez-vous… Scully dans X-Files !).

« Le dernier roi d’Ecosse » est donc, et sans surprise, un bon film. De belles images, un côté exotique rafraîchissant, un parti prit narratif osé mais pertinent, et un Forest Whitaker en état de grâce. Reste l’impression que le long-métrage de Kevin Macdonald passe à côté de quelque chose… La distance prise par rapport à l’Histoire ? Un Idi Amin Dada trop sympathique ? Au spectateur de juger…

Blood Diamond

2007-02-01T04:30:00.000+01:00

Emprisonné pour trafic de diamants au Sierra Leone, Archer - un mercenaire sans pitié - fait la connaissance de Solomon Vandy, un modeste pêcheur enlevé par une milice armé et fait prisonnier après avoir trouvé et caché un diamant d'une qualité exceptionnelle. Une fois sortis, il partent à la recherche de la pierre précieuse accompagnés malgré eux par Maddy Bowen, une journaliste pugnace et idéaliste. Ce voyage en plein territoire ennemi peut être l'occasion pour Solomon de retrouvé sa famille et pour Archer de s'acheter un ticket de sortie du continent.

Valeur sûre du cinéma américain, le réalisateur américain Edward Zwick suit les traces de "Lord of War" de Andrew Niccol et de "Constant Gardener" de Fernando Meirelles en s'appuyant sur une rhétorique simple mais salutaire : profiter d'un divertissement pour réveiller les consciences. Cette fois-ci, les trafics d'armes et de médicaments sont remplacés par les pierres souillés par le sang d'innocentes victimes, achetées par des diamantaires sans scrupules qui financent ainsi les guerres civiles. Le film dénonce également le pillage systématique de l'Afrique par les pays riches, l'impuissance des ONG, l'endoctrinement de la jeunesse dans des conflits qui la dépasse... Une accumulation de thèmes durs qui forcément génèrent une quantité non négligeable de scènes glauques ou violentes, justifiant totalement l'interdiction aux moins de 12 ans.

Si le film remue le spectateur, il laisse néanmoins le même sentiment d'impuissance que ses prédécesseurs. Un constat accablant d'ailleurs souligné à plusieurs reprises pendant le film : rien de ce qui est montrer ne constitue réellement un scoop, rien ne semble fait pour endiguer ce processus. La qualité des dialogues est notamment à souligner car le sujet est sensible et la trame du long-métrage est à la base celle d'un film d'action. Si le début est une mise en place assez lente de l'intrigue et des personnages, le reste nous accroche au siège par son rythme endiablé, les émotions qu'il nous fait passer, la justesse de son propos et son déni des clichés du genre.

Là où l'on retrouve le savoir faire du réalisateur de "Glory" et du "Dernier Samouraï" , c'est dans sa mise en scène inspirée et spectaculaire. Tourné en scope, "Blood Diamond" nous gratifie de gros plans superbes et de prises de vue sublimes. Les lieux de tournage sont variés et authentiques, les paysages de l'Afrique sont magnifiés par la caméra de Zwick qui nous procure un plaisir scopique indéniable. Sa maîtrise de la mise en scène passe également par les nombreuses scènes d'action, de poursuite et de guérillas urbaines, qui sont aussi réalistes que réussies.

La grande valeur ajoutée du film vient de son casting remarquablement bien établi. Leonardo DiCaprio est décidément très en forme en ce moment : après "Les infiltrés", voilà qu'il campe le rôle d'un mercenaire implacable aux méthodes musclées et bien établis. S'il ne force pas son talent, son interprétation demeure en tout point remarquable et toujours juste. Pour lui donner la réplique, on trouve la si belle et trop rare Jennifer Connely à l'affiche actuellement dans "Little children". Elle est parfaitement à l'aise dans toutes les situations et prouve qu'elle peut faire autres choses que les rôles de jeunes femmes torturées. L'autre grand personnage de ce triptyque est Djimon Hounsou, véritable phénomène qui éclabousse de sa classe et de son talent chaque film dans lequel il joue, que ce soit "Gladiator", "In America" ou "The Island". Tout de même habitué aux rôles un peu musclés, il sait faire preuve de métier dans son rôle et de talent dans son interprétation. A noter la présence de Michael Sheen (le bluffant Tony Blair de "The Queen") et de Arnold Vosloo (mais si, rappelez-vous... "la momie" !).

Si "Blood Diamond" ne restera évidemment pas dans les annales du cinéma et de la critique, il serait injuste de traîner dans la boue un film aussi maîtriser et qui traite aussi remarquablement d'un sujet difficile. S'il ne fera pas date dans l'histoire du cinéma, le dernier long-métrage d'Edward Zwick a le mérite d'être irréprochable tant sur le fond que sur la forme, et de réaliser la prouesse de faire coexister discours politique et film d'action. Il nous gratifie de vues superbes et de paysages rares ; il offre une histoire réaliste, des personnages travaillées et interprétés avec discernement. Une belle réussite.

Hong Kong Style

2007-01-29T03:19:00.000+01:00

2 0 0 6

2007-01-22T00:21:00.000+01:00

Confession of pain (en direct de Hong Kong)

2007-01-10T03:48:00.000+01:00

L’expérimenté Inspecteur Hei et le jeune et fougueux Inspecteur Bong forment un duo implacable de la police de Hong Kong. Tout va pour le mieux, aussi bien professionnellement que personnellement. Jusqu’au jour où l’amie de Bong se suicide. A partir de là, ce dernier sombre dans l’alcoolisme, quitte la police et survit en étant détective privé. Le jour où Hei enquête sur la mort de son beau-père, il sollicite l’aide de son ancien ami et partenaire. L’enquête que Bong va mener le mène à déterrer d’obscurs secrets et lutter contre ses propres démons.

Dernier film du trio qui nous avait amené la saga des « Infernal Affairs » (Andrew Lau et Alan Mak à la direction, Felix Chong au scénario), ce polar contemporain de facture classique est loin d’égaler leurs précédentes collaborations de part son histoire cousue de fil blanc et sa mise en scène moins inspirée.

Si l’ensemble est bien amené, « Confession of pain » demeure surtout un long-métrage inégal. Après un début prometteur et stylé, le film perd de sa qualité au fur et à mesure puis finit par s’étioler totalement à force de jouer sur la violence gratuite, la répétition des mêmes effets de mise en scène et sa fausse complexité. Pire, les rebondissements sont convenus et la fin très prévisible en amont. Le film est inégal aussi de part sa mise en scène tantôt maîtrisée, tantôt frôlant l’amateurisme. Un nombre incalculable de plans sont inutiles ou laids à regarder ; une immense déception quand on sait ce que peut donner l’association des deux réalisateurs.

« Confession of pain » souffre également d’un problème de montage : le long-métrage semble long et subit une accumulation de scènes inutiles et redondantes. En outre, le film perd de sa subtilité et bascule parfois dans la lourdeur, notamment dans sa volonté systématique de tout montrer pour tout expliquer (surtout à la fin).

Peut-être moins gênant mais important à souligner, le film d’Andrew Law et Alan Mak demeure très asiatique et donc n’hésite pas à mélanger les genres (gore, humour, policier) pour un résultat pas toujours très heureux et pas nécessairement simple d’accès pour un public occidental. Au final on assiste à une totale contradiction entre des séquences très glauques et violentes et la présence de scènes burlesques et de répliques comiques.

Néanmoins, le film s’appuie sur un casting solide incarné par l’aura quasi mystique de Tony Leung, acteur inclassable qui a notamment tourné avec John Woo, Wong Kar Wai, ou encore Hou Hsiao-hsien. Dans « Confession of pain », il est loin de forcer son talent mais s’appuie sur suffisamment de métier pour nous gratifier d’une interprétation crédible. Pour lui donner la réplique, on trouve le jeune mais expérimenté Takeshi Kaneshiro, acteur très populaire, mi-japonais, mi-taiwanais, qui a notamment joué dans des films de Johnnie To, Wong Kar Wai ou Zhang Yimou. Son rôle est plutôt limité à quelques traits de caractère assez répétitifs, mais il livre une composition honnête malgré tout. Côté féminin Xu Jinglei et la superstar Shu Qui sont plus que des faire-valoir en dépit d’une portée somme toute limitée de leur rôle respectif, et servent généralement à relancer le rythme du film, l’intrigue se noyautant aussi autour de leur personnage.

« Confession of pain » n’apporte finalement pas grand-chose, souffre d’une réalisation inégale et pas toujours très soignée, d’une histoire classique et prévisible mais se sauve du naufrage grâce à un excellent casting et une volonté de bien faire. La déception est toutefois là car on pouvait attendre mieux du triptyque Lau-Mak-Chong.

The curse of the golden flower (en direct de Hong Kong)

2007-01-10T03:43:00.000+01:00

Le retour de l’Empereur pour la fête du chrysanthème coïncide au climax de tous les complots qui se trament dans son dos. Alors que ses trois fils ont des rêvent de succession bien différents, l’Impératrice met la touche finale à un coup d’état fomenter depuis bien longtemps. Mais l’Empereur est-il à ce point si naïf ?

Zhang Yimou, c’est d’abord la science de la démesure. Tout n’est que perpétuelle surenchère visuelle et numérique. Les armées sont monumentales, les décors très chargés et des plus chamarrés. Le réalisateur se donne les moyens de donner à son film beaucoup d’allure et une importance démesurée. Il faut aimer le style, d’autant plus que le long-métrage se compose principalement de deux parties : d’un côté, la mise en place de l’histoire, des personnages et des relations (souvent licencieuses) entre eux ; de l‘autre, la guerre. Si la première est franchement longuette et très bavarde, la seconde met du temps à se mettre en place et fait furieusement échos au « Seigneur des Anneaux ». Oubliés les combats stylés où la chorégraphie transcende les images ? Oui, et c’est vraiment dommage car c’était surtout là que résidait la force de ce genre de cinéma. On assiste donc à des vagues de soldats se foncer les unes sur les autres sans jamais atteindre la poésie et l’exhalation du chef-d’œuvre de Peter Jackson.

Néanmoins, cette démesure est accompagnée d’un travail visuel toujours aussi saisissant mais qui repose un peu sur les mêmes principes des précédents films de Zhang Yimou. Donc oui, c’est beau, c’est de l’hystérie collective en matière de figurants, de couleurs, de décors, mais ce sont toujours le même genre d’artifices, les mêmes ficelles. A force d’avoir recours aux mêmes moyens, les images finissent par s’appauvrir de film en film, elle perdent leur dimension poétique et épique. Par ailleurs, on commence à s’habituer à la Chine médiévale, ce n’est pas donc dans ce film qu’on apprendra quoi que ce soit sur les mœurs et coutumes de l’époque.

Ce qui est surtout gênant dans « The curse of the golden flower », c’est que l’on retrouve encore le côté très manichéen de ses récits. Déjà vu dans « Hero » et « Le secret des poignards volants », il existe une vérité et une contre-vérité, il existe un bien et un mal, souvent traduits par des codes couleurs très appuyés et pas spécialement fins. Ces films deviennent donc assez vite indigestes et perdent automatiquement la poésie qui devrait se dégager de ces combats éthiques où le bien et le mal ne sont finalement qu’une question de point de vue.

Curieusement, le long-métrage de Zhang Yimou dérange aussi de part sa tendance à produire de l’anachronisme, à mettre ensemble des éléments qui semblent en total contradiction avec l’époque mise en scène. On veut bien croire aux milliers de serviteurs, aux armées aux proportions bibliques, aux gigantesques citadelles… Mais les décolletés pigeonnants, les couleurs flashy-turbo-gay, les lentilles de contact de Chow Yun-fat, les coucheries totalement improbables, c’est vraiment de trop.

Là où le film calme son monde, c’est avec son casting en or massif. En pur guest, pour la forme et la cool attitude du seigneur de guerre, Zhang Yimou se paie le luxe d’avoir une des plus grandes stars du cinéma de Hong Kong de tous les temps, l’immense Chow Yun-fat. S’il est loin de forcer son talent et si son mandarin ressemble plus à de la phonétique qu’à autre chose, ses apparitions sont toujours tripantes à souhait, avec le gage d’une interprétation juste grâce à des années de métier. Pour lui donner la réplique, il y a la sublime Gong Li qui abandonne les habits de geisha pour les très chargées parures d’impératrice. Aussi touchante que létale, son interprétation est en tout point remarquable. A noter la participation dans cette super production du jeune Jay Chou, gigantesque star de la chanson en Asie, qui souffre encore d’un certain amateurisme et d’un léger strabisme quand même un tantinet gênant.

Au final « the curse of the golden flower » se révèle sans surprises. Reposant sur un gros travail visuel et une distribution prestigieuse, le dernier long-métrage de Zhang Yimou n’atteint jamais l’onirisme et la poésie que pourrait prodiguer ce genre de cinéma, d’autant plus qu’à aucun moment, l’histoire n’est à la hauteur du reste. Un film de commande calibré pour l’Occident en somme… le tout est de savoir combien de temps cela va durer ?

A battle of Wits (en direct de Hong Kong)

2007-01-10T03:36:00.000+01:00

En 243 avant JC, la Chine n’est pas une nation mais un territoire témoin d’une guerre incessante entre 7 provinces rivales. Les Etats plus faibles sont souvent la proie des plus puissants qui rêvent d’extension au travers des invasions. C’est le cas de Yan, place forte du roi Liang composée de seulement 4000 civils et fermiers, victime de l’ambitieux Zaho et de son téméraire Général Xiang Yanzhong. Pour venir au secours de son bien, le roi Liang fait venir le légendaire guerrier « Mozi » connu pour ses talents de stratège. Lorsqu’il arrive, son apparence et sa manière d’être font douter de ses capacités, mais à l’heure du siège, tous les espoirs reposent néanmoins sur lui…

Adapté d’un manga japonais, ce film prend pour toile de fond une histoire bien connue des amateurs du genre : la naissance de la Chine. A la différence près toutefois que le traitement n’a rien à voir puisque le récit se concentre plus sur les implications humaines que sur les batailles. Le long-métrage de Jacob Cheung semble toutefois bénéficier d’un budget confortable et nous gratifie de décors, d’une musique et de costumes dignes des super productions du genre. Les scènes de bataille sont plutôt bien amenées mais n’ont rien d’impérissables.

Si la mise en scène n’apporte finalement pas grand-chose, si les effets spéciaux et autres trucages numériques sont parfois grossiers et inutiles, le film repose quasi intégralement sur le personnage campé à merveille par l’immense Andy Lau, superstar du cinéma de Hong Kong. Ge Li est le guerrier « Mozi », un héros contradictoire car sa philosophie universellement altruiste et non belliqueuse s’applique en l’espèce à un état de siège. Ce paradoxe est d’autant plus renforcé par l’idée que c’est un combat inter-ethnique qui oppose des chinois entre eux. C’est principalement là que réside l’originalité et la fraîcheur du film de Jacob Cheung par rapport aux autres blockbusters.

Finalement, les combats importent peu. « A battle of Wits » n’a en effet rien à voir avec un Wu Xia Pian (film de sabre chinois) : les chorégraphies, la réalisation et les effets spéciaux ne sont vraiment pas les points forts du long-métrage. Celui-ci repose plutôt sur l’aspect psychologique du combat, sur la métaphore du conflit. Si le traitement est intéressant, il n’en demeure pas moins que le film est par moments bavard et longuet. Dommage, d’autant plus que « A battle of Wits » a finalement assez peu d’arguments pour espérer parvenir en France car il ne se donne pas les moyens de son ambition.

Réalisateur : Jacob Cheung
Casting : Andy Lau, Sung Ki Ahn, Bing Bing Fan, Nicky Wu, Siwon Choi
Durée : 2h13

Children of men

2006-10-23T03:22:00.000+02:00

Adaptation du roman homonyme de P.D. James, « Les fils de l’homme », consacré à la 63e Mostra de Venise par deux prix, est le dernier long-métrage d’Alfonso Cuaron, réalisateur de « Y tu mama tambien » et du troisième (et meilleur) volet d’Harry Potter.

« Les fils de l’homme » est un film d’anticipation, c’est-à-dire qu’il met en scène un univers suffisamment cohérent et proche de notre époque pour ne pas être considéré comme un film de science-fiction. C’est une vision d’un avenir proche. Et quelle vision ! En 2027, l’Humanité est stérile, plus aucun enfant n’est né depuis près de 20 ans et la société est au bord du chaos. En militarisant le pays, et en appliquant des règles de contrôle drastiques sur l’immigration, l’Angleterre s’est isolée du monde et réussi à éviter la guerre civile. A l’abri de cet état fasciste et répressif, se cache l’espoir de l’Humanité : une réfugiée, Kee, est enceinte. Un homme, Théo, est chargé par son ancienne femme, désormais chef de file de la rébellion, de protéger à tout prix l’enfant à naître.

Implacable, glauque, sans rémission, sans espoir, le long-métrage d’Alfonso Cuaron est une vision cauchemardesque de notre avenir. Agrémenté de couleurs fantastiquement ternes, d’une succession de scènes violentes ou malsaines, « Les fils de l’homme » ne présente pas d’alternative et nous plonge crûment dans une réalité effrayante. Le film nous prend aux tripes, et laisse longtemps après sa vision une impression de malaise chronique, de peur latente. Les seules alternatives au salut qui sont mises en scène sont la violence et la guerre, comme si elles constituaient les refuges, les remparts de l’Humanité. Ses valeurs les plus primitives.

Si le long-métrage est dérangeant et violent, il est aussi burlesque et inattendu, avec des scènes mémorables, notamment un Michael Caine qui carbure à l’herbe ou une des évasions les plus rocambolesques de l’Histoire du cinéma. Ces courts moments de détente ne sont que des ellipses, des failles, des détails au vue de l’univers dépeint, mais sauvent les spectateurs du suicide collectif devant tant de pessimisme ! Au-delà de l’ambiance réussie, de la pertinence du propos, il faut également saluer l’époustouflant travail technique qui se cache derrière le film. Si vous êtes attentif, vous remarquerez que le montage propose une succession de plans séquences incroyablement denses et bien tenus par le réalisateur. C’est une prouesse remarquable, surtout quand on repense à la quantité d’éléments mis en scène.

Il faut également ajouter à cela un casting exceptionnel, Clive Owen en tête. L’acteur britannique porte à bras le corps tout le film en même temps que tous les espoirs de l’Humanité. Il interprète avec beaucoup de justesse et de sobriété cet homme brisé par le destin, qui va retrouver l’envie de vivre et se battre grâce à l’espoir que peut susciter la naissance d’un enfant. Vieux hippie sur le retour, Michael Caine est imprévisible et drôle à souhait, plein de sollicitude et de commisération. Un rôle qui, s’il ne lui fait pas bousculer son talent, le maintient sur les rails cinématographiques. Pour leur donner la réplique, on trouve la trop rare et sublime Julianne Moore (rappelez-vous les exceptionnels « The Hours » ou « Magnolia ») en chef de file des rebelles, et la jeune et convaincante Claire-Hope Ashitey.

Magistralement mis en scène, et remarquablement bien interprétée, cette histoire fantastique et son ambiance réussie font indubitablement des « Fils de l’homme » un des films importants de cette fin d’année. Néanmoins, l’accumulation de scènes violentes et parfois choquantes peut rebuter certains, notamment celles et ceux déjà frileux au concept de film d’anticipation.

The Queen

2006-10-19T01:18:00.000+02:00

Présenté en compétition officielle lors de la 63e Mostra de Venise, « The Queen » de Stephen Frears a remporté le prix d’interprétation pour la performance exceptionnelle d’Helen Mirren, ainsi que le prix du meilleur scénario pour Peter Morgan.

L’histoire mise en scène se passe juste après la mort de Lady Di. L’Angleterre vient d’élire son nouveau Premier Ministre, Tony Blair, et pleure la mort de la « princesse du peuple ». Mais un autre élément vient fragiliser encore plus le royaume : le mutisme absolu des Windsor. Elizabeth II et son entourage se terre à Balmoral en Ecosse alors que tout le pays a plus que besoin d’elle. Entre héritage, valeurs, décence et pression de l’opinion publique, le monde tel que la reine Elizabeth II le connaissait a changé et semble lui échapper.

Remarquablement bien écrit par Peter Morgan et dirigé par Stephen Frears, « The Queen » est une analyse historique et sociale d’un héritage culturel suranné mais encore très présent dans le cœur des Anglais. Sans jamais basculer dans la facilité ni la dramaturgie, le réalisateur anglais n’abuse pas non plus des images d’archives et des effets larmoyants pour mettre en scène une histoire qui tienne la route. Il a même le culot de nous faire rire !

L’ensemble est tenu par un casting exceptionnel, Helen Mirren en tête. Glaciale, elle transcende son rôle et atteint un mimétisme presque effrayant de talent. Pour lui donner la réplique, Michael Sheen campe à merveille Tony Blair tandis que l’énorme James Cromwell et Alex Jennings incarnent respectivement le Prince Philipp et le Prince Charles. Petit clin d’œil à la « granny » Sylvia Symps, touche d’humour récurrente quand elle joue les mamies rigolotes qui carbure au sherry !

Incroyablement bien écrit et documenté, le film s’écoule sans fausse note et distille ses images aux décors et cadres somptueux. Ponctué de belles métaphores, le long-métrage a surtout comme ambition d’essayer de nous mettre à la place de ces individus à part, emprisonné dans les traditions et l’Etiquette, sans jamais vouloir se poser comme porte-parole des antiroyalistes. Il est d’ailleurs plutôt question de la responsabilité des médias que d’autre chose.

Sobre, concis, efficace, intelligent, bien écrit et remarquablement interprété, « The Queen » est tout sauf un objet de curiosité. C’est un film subtil à recommander à tous !

El aura

2006-04-02T01:28:00.000+02:00

Second long-métrage du réalisateur argentin Fabián Bielinsky, « el aura » est un polar noir, implacable et sanglant qui, s’il n’est pas exempt de quelques défauts, est un film intriguant et réussi. Mais avant toute chose, qu’est-ce que « el aura » ? C’est ce moment à la fois terrible et sublime, magistralement mis en scène, qui précède une crise d’épilepsie.

Le personnage principal est taxidermiste, discret, introverti, presque muet… et épileptique. Il s’ennuie dans sa vie, dans son mariage, et cultive des rêves de braquages et de cambriolages. Pour lui changer les idées, un collègue lui propose un voyage loin de Buenos Aires, pour chasser dans la forêt. A la suite d’événements imprévisibles, il va se retrouver au centre d’un vol qui vise les transporteurs de fonds du casino local. Confronté à la réalité d’un milieu qu’il ne maîtrise pas, il va découvrir ses limites et l’imprévisibilité de l’être humain.

Moins délirant que les « neuf reines », Fabián Bielinsky va aux antipodes de son long-métrage précédent et nous offre une espèce de huis clos en pleine nature, un polar noir et stylé, dont le sérieux glacial impose le respect. Le réalisateur argentin crée une œuvre contemplative avec une superbe ambiance, très oppressante et angoissante, renforcée par le quasi mutisme de ses comédiens et le silence très lourd de la forêt. Les couleurs sombres, la tristesse voulues des décors et des personnages sont là pour compléter le tableau inquiétant d’une Argentine au quotidien morose. Les explosions de violence sont glaciales, l’indifférence est générale.

La qualité d’écriture reste néanmoins la même que celle des « neuf reines », avec un scénario riche en rebondissements, servant à merveille les thèmes de l’imprévisibilité de l’être, sa bestialité, son désespoir, ses rêves. Un peu long à se mettre en place et sans être véritablement surprenant, « el aura » affiche une durée de 2h10 qui se fait parfois cruellement sentir. Toutefois, l’ambiance parfaitement maîtrisée et la poésie des images effacent ces quelques défauts.

Les comédiens remarquables contribuent à la réussite globale du film. Le personnage principal, incarné par l’excellent Ricardo Darin, déjà vu dans les « neuf reines », est complexe car imprévisible et incalculable, de part sa nature et son comportement. Nonchalant, molasson, froid, muet, il sait se montrer calculateur et imperturbable. Incapable d’agir, il se laisse porter par les événements et l’environnement. Pour lui donner un semblant de réplique, on peut citer notamment Dolores Fonzi, et Alejandro Awada. Si les personnages masculins sont réussis, il est vraiment dommage que le réalisateur soit quelque peu passé à côté de ses personnages féminins caricaturalement faibles et dominés.

« El aura » est un film onirique et glacial, contemplatif et un peu long, qui joue de sa nonchalance pour réussir son ambiance et aller au bout de ses ambitions. Dommage qu’il oublie certains de ses interprètes et qu’il oublie sa durée qui est franchement excessive. C’est un défaut qu’on lui pardonnera, tellement la qualité de sa mise en scène et la poésie de ses images emportent tout le reste.

Mémoires d'une geisha

2006-03-01T23:26:00.000+01:00

Grosse sortie du mois de mars, « mémoires d’une geisha » est l’adaptation par Rob Marshall du roman éponyme d’Arthur Golden. Longtemps laissé en suspend, le projet de porter à l’écran cette histoire traîne depuis l’achat des droits par Spielberg en 1998. C’est finalement le réalisateur de « Chicago » qui s’y colle, aidé par un budget confortable et une adaptation édulcorée.

Encore petites filles, Chiyo et sa sœur sont séparées puis vendues comme esclaves à des maisons de geishas. En grandissant, Chiyo suivra les enseignements difficiles et longs d’une école de geishas malgré la concurrence cruelle de sa rivale Hatsumomo. Elle deviendra finalement après des années de travail la belle et légendaire Sayuri, mais ne pourra jamais aimer celui qui l’a toujours fasciné.

Il y a deux problèmes majeurs dans ce film : un, ce ne sont que des chinoises qui jouent des japonaises, deux, seul l’anglais est de mise. Si l’on ajoute à ça une adaptation très grand public d’un roman pas toujours tendre, on peut se demander ce qui reste. Finalement, si vous passez outre les deux premiers défauts, vous passerez peut-être un agréable moment.

Il subsiste tout de même dans ce film de très belles images à l’esthétisme évident et à la grâce salvatrice. On sent un vrai effort dans la reconstitution et une vraie volonté de réalisme et d’authenticité dans les décors et lieux de tournages. L’ambiance est réussie et la musique de John Williams sonne comme toujours juste. La photo est superbe, les couleurs très riches, et la mise en scène globalement correcte.

La vraie satisfaction du long-métrage vient de ses trois interprètes chinoises, trois stars internationales éprouvées et remarquables dans leur registre. La geisha Sayuri, héroïne de cette histoire, est incarnée par la ravissante Zhang Ziyi qui décidemment se trouve dans tous les bons plans étiquetés « made in Asie ». A ses côtés, deux comédiennes exceptionnelles : Michelle Yeoh, qui joue Mameha (son mentor), et Gong Li, qui incarne Hatsumomo (sa rivale). On trouve également l’excellent Ken Watanabe, déjà vu dans « le dernier samouraï », pour leur donner la réplique.

Au final, on se dit que 2h20 pour arriver à une fin aussi rapide après un développement aussi épais, c’est un tantinet trop. Dommage, car le casting est exceptionnel et les images globalement réussies. « Mémoires d’une geisha » manque fondamentalement de génie et d’audace pour nous convaincre, malgré de vrais efforts qui méritent d’être soulignés.

Bubba Ho-Tep

2006-03-01T15:26:00.000+01:00

Réalisé par Don Coscarelli, « Bubba Ho-Tep » est le film le plus improbable de l’année. Le pitch annonce la couleur : Elvis n’est pas mort, Kennedy est noir (!!!) et encore en vie. Ils passent leur fin d’existence dans un hospice où leur quotidien va être perturbé par l’arrivée d’une momie (!!!) qui absorbe l’âme de ses victimes par leur rectum. Ils vont unir leur force pour tuer cette malédiction égyptienne énervée.

Série B complètement assumée, « Bubba Ho-Tep » est une excellente surprise sortie de nulle part. S’il subsiste quelques défauts de ci de là (trop « private joke » ?), le film est totalement délirant et très rafraîchissant. Le réalisateur prend le temps de bien travailler ses personnages et soigne ses dialogues et confère ainsi une vraie qualité à son long-métrage. Si les effets spéciaux sont forcément un peu « cheap », on sursaute souvent et l’on rit beaucoup.

Le film tient la route également grâce à son duo d’acteurs absolument poilants. Bruce Campbell incarne à merveille un Elvis vieillissant et aigri, tandis que Ossie Davis (un habitué des films de Spike Lee, décédé en 2005) apporte une touche complètement surréaliste et décalée à l’histoire. En déambulateur ou en fauteuil roulant, ils sont totalement givrés, pervers, agressifs, mais très humains.

Long-métrage à la sortie plutôt confidentielle, « Bubba Ho-Tep » est une vraie bonne surprise. Oscillant entre fantastique et comédie satirique, le film de Don Coscarelli surprend par la qualité de son écriture, ses interprètes attachants et le délire dans lequel il nous plonge pendant 1h30.

Jarhead

2006-01-17T02:08:00.000+01:00

Cinéaste devenu culte avec son premier long-métrage, « American Beauty », Sam Mendes revient après le remarquable « Sentiers de la perdition » avec une histoire réaliste sur la première guerre du Golfe.

« Jarhead » raconte l’histoire d’un intellectuel venu faire son devoir de guerre comme son père, son oncle et son grand-père avant lui. Assez peu convaincu par ce qu’il fait, il se retrouve dans une division d’élite de l’infanterie : les snipers. Après la phase d’entraînement, il fait partie des premières troupes débarquées. Commence alors une attente interminable pour lui et sa division, attente propice aux introspections, amitiés et conflits.

Enième long-métrage pour expier collectivement une guerre à l’instar du Vietnam, « Jarhead » n’apporte en ce sens absolument à un genre déjà surreprésenté. Son parti pris de mettre en scène un intellectuel a déjà été fait (« Platoon » de Oliver Stone) et n’apporte rien à l’histoire. Néanmoins ce genre de cinéma est souvent prétexte à sonder l’âme humaine, et le film réussit remarquablement bien à travers ses personnages à nous faire comprendre quels sont les enjeux de chacun.

Le long-métrage a une architecture classique, avec la phase de recrutement, la formation et la guerre en elle-même. La particularité de celui-ci est de mettre en évidence le conditionnement mental belliqueux des soldats américains, et de montrer que l’attente est plus angoissante que le conflit.

Si « Jarhead » n’apporte rien sur le fond, il constitue en revanche une réussite plastique exceptionnelle. Le réalisateur profite ainsi de son sujet pour mette en scène des paysages hors du temps et des moments poétiques d’une grâce rare. Les couleurs sont sublimes, les trouvailles visuelles sont nombreuses et très esthétiques. La mise en scène en elle-même est remarquable.

Le réalisateur sait filmer et distille brillamment gros plans, ralentis et autres effets de style pour mettre en avant avec beaucoup de classe ses comédiens. L’ambiance virile et décadente des marines, ainsi que celle du début des années 90, est parfaitement maîtrisée, aidée par la musique de l’époque (Nirvana et Public Ennemy notamment) et la musique orchestrale toujours aussi remarquable de Thomas Newman (déjà compositeur de la BO de « American Beauty »).

Les films de guerre proposent généralement des castings d’exception et « Jarhead » ne déroge pas à la règle. Le rôle principal est tenu par Jake Gyllenhaal, bientôt à l’affiche du « Secret de Brokeback Mountain ». Remarqué par sa prestation inquiétante et remarquable dans « Donnie Darko », Jake Gyllenhaal confirme toute l’étendue de son talent et confirme qu’il est à l’aise dans tous les genres et qu’il est un des futurs très grands d’Hollywood. Il campe à merveille un adolescent désabusé, paumé et écrasé sous le poids d’un lourd héritage guerrier.

Pour lui donner la réplique on trouve l’inquiétant Peter Sarsgaard, aussi neutre en apparence que dangereux et instable. Jamie Foxx campe le personnage typique du sergent dur mais juste qui croit en ce qu’il fait. Sa prestation est énorme et confirme son statut de star (bientôt à l’affiche du prochain Michael Mann, « Miami Vice »). Dans les seconds rôles, à noter la présence de Chris Cooper (vu dans « American Beauty ») et Dennis Haysbert (le Président dans « 24 »). Si les personnages sont somme toute classiques, ils sont réussis et transcendés par des comédiens exceptionnels.

« Jarhead » est une petite déception. Si la réalisation est exceptionnelle, le film manque de consistance sur le fond avec son histoire qui n’apporte rien, et ses personnages sans grand relief. Il serait néanmoins dommage de manquer un tel numéro cinématographique où les moments de poésie sont nombreux, le vague-à-l’âme courant et les comédiens remarquables.

Good night, and good luck

2006-01-09T02:13:00.000+01:00

Fort de son association avec Steven Soderbergh, George Clooney produit et réalise son second long-métrage, « good night, and good luck ». A l’instar de son premier coup d’essai, « confessions d’un homme dangereux », George Clooney prouve qu’il sait choisir des sujets intéressants mais confirme qu’il est un piètre réalisateur.

Dans les Etats-Unis des années 50, « good night, and good luck » raconte la croisade d’une bande de journalistes de CBS, menée par Edward R. Murrow, pour faire chuter le sénateur McCarthy et endiguer la « chasse aux sorcières ».

Si le sujet est prenant, il prend une dimension rhétorique indéniable lorsque l’on replace le film par rapport au « patriot act » et à la politique générale de Bush. Néanmoins, si les images d’archive ont une valeur exceptionnelle, l’ambiance ratée, le noir et blanc prétentieux et la platitude de la mise en scène laissent un goût amer.

Excessivement bavard, le film est ennuyeux et semble terriblement long. Sa manière d’idolâtrer le présentateur télé, alors qu’il a seulement fait partie de ceux qui luttaient contre McCarthy, n’est pas très subtile et devient même pénible. La narration se perd en histoires parallèles sans intérêt et centrées autour de personnages secondaires qui n’apportent rien à l’histoire (le mariage secret, les licenciements, etc.).

Heureusement, le film distille une agréable musique qui vient ponctuer les pauses narratives, et propose une reconstitution fidèle. George Clooney fait en outre tourner sa bande de pote qui, s’ils ne bradent pas leur performance, se contente du minimum. Seuls se détachent l’interprète principal, le méconnaissable et saisissant David Strathairn, Ray Wise (le père de Laura Palmer dans Twin Peaks) et Frank Langella. Les autres, George Clooney et Robert Downey Jr. en tête, sont lisses et parfois décevants.

Malgré une durée réduite (1h30), « good night, and good luck » paraît interminable, beaucoup trop dialogué et trop perfectible sur de nombreux points. Une grande déception, malgré un propos très contemporain et une interprétation plutôt juste.

The Constant Gardener

2006-01-04T19:29:00.000+01:00

Fernando Meirelles, après un début de carrière dans le clip, s’est fait remarquer à la suite de son troisième long-métrage, « La cité de Dieu », formidable tranche de vie d’un enfant devenu adulte au milieu des favellas. Le réalisateur brésilien nous revient cette fois-ci avec une adaptation d’un roman de John le Carré, véritable uppercut au cœur et au corps après les réjouissances accompagnant les fêtes de fin d’années.

Justin Quayle est un diplomate anglo-saxon très lisse et consensuel, dont la seule véritable passion semble être le jardinage. Au cours d’une conférence, il va faire la connaissance de la très bourgeoise mais très contestataire Tessa. Tout semble les opposer, mais l’amour ne se commande pas, et les voilà tous deux mariés et vivant au Kenya. Alors que Justin mène une carrière des plus tranquilles, Tessa s’interroge sur les pratiques des laboratoires pharmaceutiques et mène d’un peu trop près une enquête qui lui coûtera la vie. Justin est un homme brisé, n’ayant plus rien à perdre, et qui en essayant de mettre la main sur les travaux de sa femme va découvrir un horrible et cynique complot dirigé par de grands groupes pharmaceutiques.

John le Carré le confesse dans un message à la fin du générique : ce qu’il a raconté est bien en deçà de la vérité. Ce dont il parle ne correspond qu’à la face émergée de l’iceberg. Cette affirmation est effrayante tant les révélations du film sont déjà monstrueuses. On se sent idiot, impuissant devant ce qui constitue une des pires injustices de l’Histoire. On s’en veut de ne rien pouvoir faire, on est mal à l’aise devant des pratiques aussi malsaines. La rage et le malaise perdurent devant toutes les incohérences du système, devant toutes les atrocités latentes.

Heureusement, pour alléger le contenu de son film, Fernando Meirelles nous gratifie de paysages uniques, et de vues aériennes magistrales. Le plaisir scopique est indéniable et la valeur anthropologique et biologique du long-métrage est exceptionnelle. En plus de magnifiques territoires africains qui nous invitent au voyage, le réalisateur nous transporte grâce à son histoire à travers le monde, du Kenya au Soudan en passant par Londres et Berlin. Un voyage de sens dépaysant et rafraîchissant.

Si les paysages sont sublimes et sobrement mis en scène, la réalisation est quant à elle plutôt sophistiquée, à l’image de « la cité de Dieu ». Ancien clipeur, l’influence de ce style se ressent dans les images de Meirelles, que ce soit au travers des textures variées, des cadres destructurés, de l’utilisation de différents supports (caméra à l’épaule, DVD, 35 mm, etc.). La mise en scène est donc particulière et pas forcément des plus abordables. Si l’on veut y voir un effet de mode inutile, pourquoi pas, mais je persiste à dire que le film transpire le talent. Les comédiens sont sublimement mis en scène et Meirelles filme avec génie ce qui l’entoure.

Pour entériner définitivement la qualité supérieure et exceptionnelle de ce long-métrage, le réalisateur brésilien a su s’entourer de comédiens exceptionnels. On applaudira donc la prestation remarquable de l’immense Ralph Fiennes, décidemment à l’aise dans tous les rôles et dans tous les registres (il est aussi à l’affiche du dernier Harry Potter dans le rôle de Voldemort). Il campe à merveille ce personnage désabusé, n’ayant plus rien à perdre et dont la ténacité se révèlera payante. Il se dégage de sa froideur et de sa simplicité une douleur authentique. Pour lui donner la réplique, on trouve la belle et naturelle Rachel Weisz, déjà vue dans un tout autre registre avec « La momie » et sa suite, ou encore « Constantine ». Si son personnage de bourgeoise anarchiste n’a rien de bien original, sa prestation est touchante de vérité et de naturel. Les deux comédiens sont extrêmement crédibles et émouvants. Leur complicité et leur talent ne fait aucun doute. A noter les excellentes prestations de Danny Huston (Sandy), Hubert Koundé (vous vous souvenez peut-être de lui dans « la haine ») et Pete Postlethwaite.

« The constant gardener » parle magnifiquement d’amour, de vengeance et d’incompréhension. Ses révélations nous glacent le sang, ses injustices nous bouleversent, et ses personnages nous fascinent. Un grand film, par un grand réalisateur.

King Kong

2005-12-15T17:00:00.000+01:00

La version de « King Kong » de 1933, réalisée par Cooper et Schoedsack, est le premier film parlant réalisé avec des effets spéciaux. Œuvre cinématographique incontournable, « King Kong » est la quintessence du film de monstres qui a bercé mon enfance ainsi que celle de millions de spectateurs. L’un des premiers mythes de l’histoire du cinéma bénéficie aujourd’hui d’un second remake, après celui de 1976, plus de soixante dix ans après sa sortie originale.

Actrice au chômage aux pires moments de la récession américaine, Ann Darrow (Naomi Watts) est engagée par le réalisateur Carl Denham (Jack Black) pour être la vedette de son prochain film sans qu’il lui en dise beaucoup plus dessus. Ils embarquent sur le Venture, le navire du Capitaine Englehorn (Thomas Kretschmann), avec Jack Driscoll (Andrien Brody), scénariste malgré lui du projet. Il se dirigent vers « Skull Island », île mystérieuse et perdue où ils tombent sur des indigènes des plus agressifs qui enlèvent et offrent en sacrifice la belle Ann Darrow au roi de l’île : Kong.

S’il y avait une crainte à voir la poésie de l’original disparaître avec ce Kong numérique, tous mes doutes se sont envolés au fur et à mesure du film. Peter Jackson prend le temps d’installer ses personnages, son contexte, et ses scènes d’action spectaculaires, sans toutefois oublier de distiller magistralement ça et là de purs moments d’émotion. Le rythme du film est ainsi remarquablement équilibré, proposant d’intenses moments d’actions et des instants poétiques et tendres (couchers de soleil, lac gelé de Central Park). Il faut noter aussi la volonté de Peter Jackson de distiller de vrais moments d’humour, que ce soit du second degré complètement assumé ou de l’humour noir des plus monstrueux.

Avec les années, le film ne perd toujours pas de sa portée. On est évidemment confronté au mythe de la Belle et la Bête, mais le long-métrage met également en avant la bêtise de l’Homme, son caractère maléfique et destructeur. Ainsi, il y a une espèce de transfert vers une humanisation de la Bête et une métamorphose monstrueuse de l’Homme. Plusieurs scènes mettent en avant la folie destructrice de l’être humain, qu’elle soit systématique ou ponctuelle. La Bête est peut-être plus primitive, mais c’est elle qui est la plus touchante, la plus juste, la plus humaine. Elle est tout aussi effrayante que touchante, d’où l’importance de trouver une forte interprétation dans ses yeux, dans son regard.

En plus de jouer sur humanité et animalité, le mythe « King Kong », à l’instar de « La Belle et le Bête » de Cocteau, distille un formidable message d’amour et traite remarquablement bien de la différence. Tous ces éléments rhétoriques auraient très bien pu passer à la trappe dans ce qui nous a été fallacieusement présenté comme un énième blockbuster. Heureusement, Peter Jackson demeure très fidèle à l’œuvre originale, malgré quelques petites différences louables. Oubliez ainsi toutes les scènes spectaculaires qui, si elles sont évidemment jouissives et hystériques, ne reflètent pas à sa juste valeur la densité du film. En plus de sa poésie sous-jacente, le long-métrage de Peter Jackson regorge de brèches rhétoriques qui glissent des mots d’auteur forts sur des thèmes importants (industrie du cinéma hollywoodien notamment).

Au delà de ma volonté d’intellectualiser « King Kong » pour lui donner encore plus de légitimité, il faut aussi admettre qu’il s’agit par moments d’un pur film de détente, avec un nombre incalculable de scènes à vocation spectaculaire. Oubliez les quelques images vues et revues dans les bandes-annonces : les scènes d’action sont longues, soignées et surprenantes. Le bestaire de l’île est très dense et va bien au-delà de Kong et d’un T-Rex. Dites-vous bien que vous n’allez pas voir un « Jurassic Park » bis, mais bien un film unique, où la virtuosité technique du réalisateur et du studio responsable des effets spéciaux ne font plus aucun doute. Il faut tout de même dire que plusieurs ellipse temporelle salvatrice pour la durée du film font toutefois fi de plusieurs questions laissées en suspend, laissant parfois penser que le scénario est ponctuellement bancal.

En plus de la virtuosité technique, il est important de revenir sur le plaisir scopique indéniable que procure le film. Les effets spéciaux sont aussi incroyables que variés, et les séquences tournées dans un New-York numérique des années 30 frôlent la perfection visuelle. La mise en scène est remarquable : chaque plan est sublime, le cinémascope est un régal, et les comédiens sont très bien mis en avant. La musique sublime de l’expérimenté James Newton Howard vient parachever le chef d’œuvre.

Mais « King Kong » ne serait rien sans un casting irréprochable. C’est une nouvelle fois le cas avec la magnifique Naomi Watts qui campe une Belle attendrissante, drôle et très humaine. Adrien Brody est étonnamment à l’aise dans son rôle d’auteur amoureux, plein d’empathie et de sens du sacrifice. Un beau rôle servi par une gueule à part dans le paysage cinématographique. Jack Black tient enfin un rôle qui le fera connaître du grand public, tout en nuance et en finesse. Les seconds rôles ne sont pas en reste avec les interprétations remarquables de Thomas Kretschmann, vu notamment dans « Immortel » d’Enki Bilal, et surtout de Jamie Bell, le génial gamin de « Billy Elliott ». Mais la vraie star du film, c’est avant tout Kong, incarné par le brillant Andy Serkis qui après avoir été le schizophrène Gollum dans « Le Seigneur des Anneaux », ajoute à son CV le rôle de la créature la plus implacable jamais imaginée par l’Homme. Il authentifie toute l’humanité de la créature avec son regard, et en même temps transcende toutes les mimiques simiesques de la nature. Une grande prestation.

« King Kong » est indispensable à voir. Peter Jackson a réussi le pari fou de maintenir la même dimension poétique que dans l’original tout en proposant un divertissement dense et soigné. Les trois heures du film passent toutes seules, et le spectateur attentif se délectera de la poésie des images et des mots d’auteurs distribués par Peter Jackson. Abordant des thèmes très fort, le mythe de « King Kong » est toujours aussi pertinent aujourd’hui que lors de sa sortie.

Match Point

2005-11-13T20:21:00.000+01:00

La sortie du Woody Allen annuel est attendue chaque année avec impatience par un microcosme pseudo-intello qui se masturbe intellectuellement à l’avance sur le dernier chef-d’œuvre du réalisateur américain. J’avoue, un peu comme tout le monde, j’attends souvent impatiemment la sortie d’un Woody Allen. Plébiscité à Cannes et accompagné de critiques dithyrambiques, ma déception concernant « Match Point » n’en est que plus grande.

Chris Wilton vient d’un milieu modeste, et son recrutement dans un prestigieux club londonien pour donner des leçons particulières de tennis tombe à pic. Il va sympathiser avec la famille Hewett, d’abord avec Tom, puis sa sœur qu’il va séduire. Alors que sa situation sociale change totalement, Chris va faire la connaissance de Nola Rice, la fiancée de Tom. Cette rencontre va compromettre tous ses plans.

D’une durée accablante de 2h05, « Match Point » s’étire de manière interminable. Si son postulat de base par rapport au hasard et sa fin un tantinet amorale sont intéressants, le reste du film n’est qu’une succession de dialogues interminables et d’images d’une platitude terrifiante. Aucune audace donc, dans ce Londres huppé, aucune émotion donc, parmi ces comédiens apathiques. On est très loin du Woody Allen drôle et impertinent, créatif et sexuellement détraqué. On a beaucoup de mal à s’attacher aux personnages et à croire à cette histoire dont la prévisibilité est effarante.

Le casting est particulièrement inégal. Si Jonathan Rhys-Meyers traîne remarquablement bien sa gueule de beau gosse pour jouer les playboys, côté émotion, on est très loin de ce qu’il faudrait. Scarlett Johanson est certes très belle, mais transpire la vanité, la luxure et la vulgarité. Je ne comprends donc toujours pas ce qu’on trouve à cette comédienne. Le reste du casting est plutôt transparent, sauf peut-être Brian Cox et Penelope Wilton qui sont nettement au-dessus du lot.

Histoire peu crédible et prévisible, casting inégal, réalisation sans saveur… une déception donc ! A quand un Woody Allen vraiment drôle et intéressant ? Rendez-vous l’année prochaine…

A history of violence

2005-11-03T02:06:00.000+01:00

David Cronenberg fait partie des plus grands réalisateurs en activité. Avec un univers très particulier, il s’est forgé une réputation de maître du gore, et de l’organique. Réalisateur de classiques de l’horreur tels que « Chromosome 3 », « Scanners », « Vidéodrome », ou encore « La Mouche », David Cronenberg a prouvé qu’il est aussi un véritable auteur en mettant en scène « Faux-semblants », « Le festin nu », « Crash » et « Spider ». Il nous revient cette année après avoir présenté à Cannes son dernier long-métrage en date, « A history of violence », film vraisemblablement de commande mais thriller classique et honnête avant tout.

Tom Stall est un membre actif de sa ville. Travailleur émérite, père de famille exemplaire et mari aimant, sa vie bascule quand il abat en légitime défense les deux malfrats qui menaçaient la vie des employés et des clients de son restaurant. Il s’en sortira blessé, mais surtout deviendra le héros de la petite bourgade et l’égérie des médias locaux. Alors qu’il essaie de reprendre une vie normale, débarque Carl Fogaty, un gangster de la côte Est persuadé de reconnaître en Tom un certain Joey, dont le passé semble des plus violents.

Adaptation du comics de John Wagner et Vince Locke, « A history of violence » est un thriller sanglant qui met en scène l’influence de la violence sur les individus. Si l’accès de violence de Tom est justifiable par rapport à la situation, à aucun moment le film ne cherche à la glorifier ou à en être le défenseur. Au contraire, le long-métrage de Cronenberg montre les conséquences des actes brutaux et fait passer l’idée que la violence est inhérente à l’espèce humaine. L’enjeu du film est donc de nous faire réfléchir sur notre propre approche de la violence, sur notre faculté de refuser ou pas de céder à la facilité.

La violence ici représentée est au cœur du film et nous est montrée de manière réaliste et brutale. Les impacts sont douloureux, les coups font mal. On retrouve d’ailleurs la petite touche gore de Cronenberg avec son amour pour l’organique dans plusieurs scènes du film, où la surenchère est perpétuelle et ferait même presque office de leitmotiv : plus le personnage de Tom redevient ce qu’il est, plus sa violence devient extrême. Ce constat peut d’ailleurs être mis en relation avec le travail époustouflant réalisé sur la lumière et les couleurs qui s’assombrissent à mesure que le personnage principal bascule dans la violence et retrouve sa personnalité d’origine.

Si le film tient aussi bien la route, c’est aussi grâce à un quatuor de comédiens exceptionnels. Viggo Mortensen tient le rôle principal, celui de Tom/Joey, et nous gratifie d’une prestation mémorable, complètement hystérique, et à l’opposé des rôles à travers lesquels on l’a découvert (« Seigneur des Anneaux » et « Hidalgo »). Sa femme est interprétée par Maria Bello, surtout connue chez nous pour son rôle dans la série « Urgences ». Ici, elle campe avec passion le rôle terrible d’une femme dont l’univers s’effondre. S’opposent à deux deux truands, deux gueules, celles de William Hurt et d’Ed Harris. On retrouve chez les deux personnages une arithmétique morbide et meurtrière fascinante, ainsi qu’une explosivité sous-jacente remarquable. On retrouve également la petite touche de Cronenberg dans le personnage de Fogarty, joué par Ed Harris, avec cette science de la mutilation et du macabre – marque du réalisateur – que l’on identifie dans sa cicatrice.

La réalisation soignée, la musique d’Howard Shore, et les changements de rythme incessants de l’histoire finissent de consacrer « History of violence » comme un des films de l’année. Effrayant et jubilatoire, intelligent et brutal, la dernière réalisation de David Cronenberg est sublime et aurait méritée d’être récompensée à Cannes. Peut-être que ses ressorts classiques et son histoire linéaire n’étaient pas assez audacieux pour le prétentieux jury cannois…

Les noces funèbres

2005-11-02T07:03:00.000+01:00

Après nous avoir gratifié de l’éminemment sympathique « Charlie et la chocolaterie », Tim Burton nous revient en cette saison qui sent bon Halloween avec un nouveau conte morbide : « Les noces funèbres ». Calqué sur le modèle de « L’étrange noël de Monsieur Jack » et de « James et la pêche géante », ce film d’animation à la durée plutôt réduite (1h15) est une vraie réussite.

« Les noces funèbres » raconte l’histoire de Victor (Johnny Depp), jeune homme angoissé et fils de riches marchands, qui se retrouve forcé d’épouser Victoria, fille de notables démunis qui ont organisé le mariage par pur intérêt. Pendant la répétition, Victor panique, s’enfuit dans la forêt voisine, et glisse son alliance autour d’une branche… qui se révèle être la main d’une défunte mariée. Précipité dans le royaume des morts, Victor va tout faire pour remonter à la surface, parmi les vivants.

Si les « noces funèbres » fait furieusement écho aux précédentes productions de Burton, il n’en demeure pas moins que son style unique est rafraîchissant et très accrocheur. Même si les prouesses technologiques sont indicibles et même si l’histoire est d’une linéarité et d’une prévisibilité agaçantes, on ne peut que tomber sous le charme de ce film.

Sans être révolutionnaire, le dernier Burton est bien réalisé et plutôt drôle.Le décalage visuel et la créativité morbide constituent un enchantement permanent, renforcés par un doublage en VO exceptionnel : Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Albert Finney, Christopher Lee, etc.

S’il n’est pas aussi révolutionnaire que « l’étrange noël », « les noces funèbres » demeure toutefois réussi grâce à sa réalisation impeccable, son ambiance réussie (merci à Danny Elfman pour sa musique toujours aussi remarquable) et un casting de grande classe.

Wallace & Gromit : le mystère du lapin-garou

2005-11-02T07:01:00.000+01:00

Auréolé d’un succès public et critique international, la série des « Wallace et Gromit » ainsi que « Chicken Run » sont des œuvres incontournables du film d’animation. L’adaptation au cinéma des aventures de nos deux complices était donc très attendue.

Wallace et Gromit vivent grâce à leur société d’élimination des parasites, problème récurrent dans une ville où a lieu chaque année le concours du plus gros légume. Mais cette année, le festival d’habitude tranquille est perturbé à cause d’une bien étrange créature : le lapin-garou.

Fidèle à son style, Nick Park – le créateur de Wallace et Gromit – nous enchante et nous fascine avec cet univers entièrement réalisé en pâte à modeler. En reprenant les ficelles des précédents courts (gadgets, exagérations, etc.), Nick Park nous emmène dans un univers familier mais extrêmement créatif et chamarré. La réalisation est impeccable et le soin porté à l’animation est époustouflant. On ne peut que se montrer humble et respectueux vis-à-vis du travail fourni.

En plus de sa réussite technique, le film est doté d’un scénario certes prévisible, mais très drôle. On ne s’ennuie jamais entre les gags visuels, l’hystérie communicative des héros, et la surenchère visuelle jouissive.

L’ambiance délurée et cartoonesque est renforcée par un doublage inspiré (Helena Bonham Carter et Ralph Fiennes en tête). Ne souffrant d’aucun temps mort, sans cesse créatif et visuellement époustouflant, « Wallace & Gromit » est un vrai bonheur à partager aussi bien avec des grands qu’avec des petits.

PTU (Police Tactical Unit)

2005-11-02T06:59:00.000+01:00

Johnnie To est un réalisateur prolifique et hétéroclite. Enchaînant des films qui ne se ressemblent pas, il nous arrive cette fois-ci avec un polar stylisé dans les rues d’un Hong-Kong de nuit et vidé de ses habitants.

« PTU » (Police Tactical Unit) raconte l’opposition qui existe entre différentes divisions de la police de Hong-Kong. Au cours d’une nuit, le Sergent Lo va perdre son arme en pourchassant des voyous. Pour éviter une mise à pied qui le menace depuis longtemps, il va solliciter l’aide de son ami le Sergent Mike Ho de la PTU qui opère sur le terrain. Leur plan se complique quand entre en jeu un officier de la criminelle. La nuit risque d’être longue dans les rues désertes de Hong-Kong.

« PTU » est très court (1h28) et se tient en une unité de temps limitée. Heureusement, car il met du temps à se mettre en place, et il ne devient vraiment fascinant qu’à partir du final remarquable. Filmé entièrement de nuit, il nous gratifie de plans somptueux de la ville ainsi que de lumières magnifiques. A l’instar de Michael Mann qui filme avec maestria sa ville de L.A. de nuit, Johnnie To transcende les éclairages urbains et les rues abandonnées de Hong-Kong pour nous offrir un spectacle unique et sublime.

Fidèle à la tradition asiatique cinématographique, Johnnie To mélange sans vergogne les genres : on passe ainsi du thriller stylisé, à la comédie, en passant par le film d’action. Doté de personnages réussis, d’une ambiance remarquable, et d’une histoire dense qui tient la route, « PTU » est un long-métrage honnête et bien fichu. A voir !

The President's last bang

2005-10-10T12:05:00.000+02:00

De plus en plus de films nous proviennent de Corée du Sud, sorte de nouvel eldorado cinématographique pour la critique internationale. Ce pays qui connaît un formidable essor, vit au quotidien dans l’angoisse de l’explosion d’un conflit avec ses voisins, et on a parfois l’impression qu’ils produisent des films comme si c’était à chaque fois le dernier.

« The President’s last bang » est un thriller politique plutôt efficace qui retrace à la fin des années 70 l’assassinat du Président dictateur de la République de Corée par le chef de la CIA coréenne. Si parfois on peut se retrouver perdu entre toutes les agences rivales, entre tous les intérêts conflictuels, la dimension historique et la reconstitution de l’époque fascinent.

La mise en scène est efficace, avec de sublimes travellings ou plans séquences, et le casting particulièrement réussi. Le plus surprenant vient plutôt du scénario qui partage le long-métrage en deux parties très distinctes. Un peu déroutant certes, mais « The President’s last bang » demeure passionnant de bout en bout grâce à sa réalisation, son point de vue satyrique et l’absurdité sous-jacente de l’histoire. Un film étonnant, une très bonne surprise que l’on doit à Im Sang-soo.

Les frères Grimm

2005-10-10T11:40:00.000+02:00

Terry Gilliam est un immense réalisateur. C’est sans doute la raison pour laquelle je me dis qu’il doit renier à demi-mot « Les frères Grimm » qui n’est rien de plus qu’un simple film de commande, fade et sans grand intérêt.

« Les frères Grimm » raconte l’histoire de Will et Jacob, deux escrocs qui, avec l’aide de leurs acolytes, vivent de la crédulité des gens simples en mettant en scène des démons et esprits maléfiques à travers d’ingénieux mécanismes. Leurs affaires vont bon train jusqu’à ce que les autorités, au courant de leurs exactions, décident de les arrêter puis de les forcer à se rendre au hameau de Marbaden où plusieurs petites filles ont disparu dans la forêt voisine, lieu où semble régner une puissante et ancienne magie.

Le film de Terry Gilliam est plutôt long (1h55) et surtout très lent à se mettre en place. L’ennui chronique qu’il suscite est toutefois rattrapé par les somptueux décors qui ponctuent régulièrement le film. Néanmoins, le reste du long-métrage est extrêmement inégal et peine à sortir du lot : parfois les effets spéciaux sont remarquables, parfois ils sont pathétiques et ratés. Idem pour le casting : Matt Damon et Monica Bellucci sont épouvantables, Heath Ledger est désespéramment neutre, tandis que Jonathan Pryce (un fidèle de Terry Gilliam) et Peter Stormare éblouissent de leur classe le film.

Si « Les frères Grimm » rend un bel hommage à l’univers des contes, son manque de poésie est flagrant. Encroûté par un scénario peu intéressant, les rares bijoux de mise en scène concoctés par Terry Gilliam finissent même par nous échapper. Une grande déception donc, surtout compte tenu du potentiel du film.

Rize

2005-09-28T10:00:00.000+02:00

Les émeutes de LA en 1992, suite à l’affaire Rodney King, ont durablement marqué les esprits et l’Histoire des Etats-Unis. Comme en réponse à cette débauche de violence, un membre de la communauté afro-américaine, Tommy the Clown, va être le précurseur d’un mouvement artistique révolutionnaire : le krump. Prenant ses racines dans les danses tribales africaines, le krump va permettre à beaucoup de jeunes de canaliser leur énergie et leur rage, tout en les éloignant des gangs.

Le documentaire de Denis Lachapelle éblouit part son authenticité et la force qu’il dégage. Il montre une génération entière exclue du rêve américain et qui refuse de céder à la facilité de la violence, des règlements de compte et des trafics.

Enchaînant adroitement interviews, instants du quotidien et scènes de danse ahurissantes, le documentaire d’1h25 s’écoule avec une fluidité déconcertante. On reste sans voix devant la vitesse d’exécution des différents mouvements de ces danseurs qui ont choisit comme échappatoire une forme ultra contemporaine d’expression artistique plutôt que la drogue et les armes.

Toutefois, on peut nourrir certains regrets, surtout sur la forme. Les qualités artistiques et esthétiques de cette danse nourrissent notre curiosité, au point de nous laisser sur notre faim. Par ailleurs, la sublime scène finale peut nous faire regretter la qualité plutôt médiocre de l’image et des prises de vue.

Si Denis Lachapelle ne maîtrise pas complètement son sujet, sa fascination est communicative et le relatif chaos narratif finit par s’estomper, devant les incroyables qualités de tous ces jeunes gens. Au spectateur maintenant d’être intéressé par la culture urbaine, le hip-hop et la danse, au risque de passer complètement à côté d’un documentaire dont la portée dépasse largement l’anecdote.

Bombón el perro

2005-09-04T01:46:00.000+02:00

Après son remarqué « Historias Minimas » (Grand Prix du jury du Festival de San Sebastian et Goya du Meilleur film étranger de langue espagnole), « Bombón el perro » est le quatrième long-métrage du réalisateur argentin Carlos Sorin. Auréolé de plusieurs prix et sélectionné dans de prestigieux festivals, ce film dépaysant et authentique vaut vraiment la peine d’être vu malgré ses quelques petits défauts.

« Bombón el perro », c’est avant tout l’histoire de Juan Villegas, dit Coco, qui à 52 ans se retrouve au chômage après avoir travaillé 20 ans dans une station service. Vivant chez sa fille et essayant de vivre des couteaux qu’il fabrique, sa situation est précaire et ses économies limitées. La chance lui sourit enfin quand, après avoir dépanné une femme sur la route, il accepte, à la place de l’argent qu’il espérait, un superbe dogue argentin.

Cinéaste avant tout humaniste, Carlos Sorin s’éloigne du misérabilisme de « Historias minimas » et propose un long-métrage rafraîchissant, tendre et dépouillé. Les moments d’émotion s’enchaînent, toujours plein de simplicité, et cèdent même parfois leur place à l’humour. Si quelques longueurs viennent entacher le film vers la fin et que le réalisateur part dans plusieurs directions inutiles, ne vous privez pas de ce film simple et authentique.

Si Carlos Sorin ne va pas aussi loin que Cassavetes dans sa recherche de la spontanéité et de l’émotion à fleur de peau, l’utilisation d’une caméra très proche et intime crée une ambiance unique et très réaliste. Par ailleurs, les personnages très simples et traités de manière minimaliste sont interprétés magistralement par des comédiens amateurs dont la candeur et la simplicité renforcent un peu plus le sentiment de vérité.

« Bombón el perro » est certes un petit film à la portée limitée, mais il est indubitablement attachant, et dépaysant. Alors changez vous les idées avec un long-métrage minimaliste, intelligent qui vous laissera un grand sourire aux lèvres. La rentrée commence bien.

L'Étrange Festival

2005-09-02T10:24:00.000+02:00

Au Forum des images, du 31 août au 13 septembre, a lieu le rendez-vous immanquables de la rentrée pour tous les cinéphiles. J'ai mal choisi la date de mes vacances ;-( Au menu de cette année : carte blanche au réalisateur Hideo Nakata, hommages (Christoph Schlingensief), thématiques (« histoires de fantômes japonais »), et avant-premières (dont « Nothing » de Vincenzo Natali, réalisateur de « Cube »). Bons films !

The Island

2005-09-01T12:42:00.000+02:00

Michael Bay est un réalisateur connu pour sa manie hystérique de tout faire exploser et sa maîtrise absolue de la mise en scène du chaos. Réalisateur de blockbuster comme « Bad Boys », « Rock », « Armageddon » ou encore « Pearl Harbor », Michael Bay tourne le dos à son ancien producteur, Jerry Bruckheimer, et réalise « The Island », film d’anticipation musclé qui allie remarquablement détente cérébrale et effort scénaristique.

Dans un futur proche, la Terre entière est contaminée et les rares survivants sont parqués dans des lotissements spartiates. Leur seul espoir : l’île, dernier paradis sur Terre, dont l’accès s’obtient en gagnant à la Loterie. En réalité, tout ceci n’est qu’un gigantesque mensonge organisé pour maintenir dans un état semi-végétatif des clones, vendus comme de simples produits, promesse d’une prolongation de la vie de leurs fortunés commanditaires. Lincoln Six-Echo est le premier à remettre en question le système et parviendra à s’échapper avec Jordan Two-Delta. Rien de ce qu’ils ont vécu ne les a préparé à ce qu’ils trouveront dehors.

Habile mélange de tout un tas de films et de livres (« la vérité avant-dernière » de Philip K. Dick entres autres), « The Island » ne brille peut-être pas par l’originalité de son scénario, mais plutôt par sa remarquable synthèse de toutes ses influences. Le tour de force est d’autant plus important à souligner qu’il sert à un long-métrage vendu comme de la détente pure. Si le film est un peu long (2h15) et totalement prévisible (merci la bande-annonce), son début prometteur et ses scènes d’action finissent par faire oublier la durée du long-métrage de Michael Bay.

L’autre prouesse de ce film est d’avoir réuni un casting international et remarquable. La super star Ewan McGregor est associée à la belle étoile montante Scarlett Johansson pour un résultat efficace, convaincant, et glamour à souhait. Si le premier commence à être habitué aux rôles physiques, sa partenaire quant à elle s’éloigne des petites productions et films intimistes et prouve à quel point elle peut être à l’aise dans un tout nouveau registre. Djimon Hounsou impose de plus en plus son charisme et son vrai talent de comédien dans un rôle physique et ambiguë. Steve Buscemi et Michael Clark Duncan font office de guest star de luxe et remplissent parfaitement leur rôle. Sean Bean enfin, définitivement abonné aux mauvais rôles, continue à engranger les succès et les prestations réussies.

La mise en scène éblouissante de Michael Bay ne laisse aucun répit au spectateur, complètement abruti par les explosions récurrentes et l’hystérie de certains passages. Par ailleurs, « The Island » ne se prend pas du tout au sérieux, permettant au réalisateur de distiller ça et là des scènes à vocation purement comique et vraiment rafraîchissante. D’un autre côté, le long-métrage de Michael Bay est peut-être le seul blockbuster de l’Histoire à mettre en scène l’euthanasie d’une femme enceinte ou une référence aux fours crématoires et aux génocides africains. Au-delà de la mise en scène, la musique remarquable de Steve Jablonsky et les effets spéciaux réussis contribuent à faire de « The Island » un produit abouti.

Blood and Bones

2005-08-15T02:22:00.000+02:00

Le long-métrage « Blood and Bones » est une chronique terrifiante de la vie d’un monstre de violence et de vilenie incarné magistralement par maître Takeshi Kitano.

Racontant la vie d’un immigré nord-coréen venu faire fortune au Japon, le film met en scène les pires moments de l’existence d’une famille sous le joug d’un être bestial et violent, violeur chronique et meurtrier occasionnel, et qui finira par détruire physiquement et moralement les siens.

Si le réalisateur ne prend jamais la peine d’expliquer pourquoi et comment son personnage est aussi violent et cruel, on reste hypnotisé et fasciné devant une telle horreur, une telle bestialité. Transcendé par l’interprétation grandiose de Takeshi Kitano, ces chroniques de la vie quotidienne nous embarquent pour 2h20 atroces, dans des décors magnifiques, rehaussés par la mise en scène sérieuse de Yoichi Sai et la musique remarquable Tarô Iwashiro.

Layer Cake

2005-08-15T02:21:00.000+02:00

« Layer Cake » appartient à ce genre de long-métrage des plus sympathiques et qui passent totalement inaperçus lors de leur sortie en salle. C’est un peu tard pour en parler, mais je voulais revenir sur ce film sans prétention qui m’a fait passer un excellent moment.

XXXX, c’est son nom, est un dealer de cocaïne ultra-réglo et respecté. Il paie dans les temps, ne cherche pas d’embrouilles, garde son profil bas et paie ses impôts. Il décide de raccrocher quand survient une offre du big boss qu’il ne peut pas refuser. Tout dérape quand les meurtres et règlements de compte s’enchaînent autour d’une cargaison qui a tout l’air d’avoir été volée.

Daniel Claig incarne XXXXX au milieu de tout un tas de seconds rôles tous plus barrés les uns que les autres. Ni meilleur que les autres, ni cool, ni glamour, XXXXX est un vrai truand, un professionnel. Si les personnages sont réussis c’est également le cas de l’histoire elle-même, inspirée du roman éponyme de J.J. Connolly. Drôle, inventif, farfelu quoique encroûté ça et là de quelques scènes inutiles, « Layer Cake » se laisse regarder avec un certain plaisir malsain.

Une narration efficace, une ambiance réussie, une musique bien choisie et une réalisation soignée font du long-métrage de Matthew Vaughn une vraie réussite. Ne passez pas à côté de ce polar anglais stylé et foncièrement sympathique.

Les 4 Fantastiques

2005-08-04T09:08:00.000+02:00

Marvel et Stan Lee ne sont pas toujours parvenus à systématiquement sortir au cinéma des adaptations réussies des Comics dont ils possèdent les droits. Si Spider-Man et X-Men s’en sortent plutôt bien, si Hulk est franchement moyen, je crois bien que « les quatre fantastiques » détient sans conteste le titre du plus raté.

Comics culte des années 60, « les quatre fantastiques » raconte comment 4 astronautes et leur mécène se retrouvent exposés dans l’espace à des rayons cosmiques qui vont modifier leur ADN. Dotés de personnalités très différentes, ils devront apprendre à gérer leurs nouvelles responsabilités avec ces nouveaux pouvoirs, et faire face au milliardaire Van Doom, devenu leur nemesis, qui cherche leur extermination à tout prix.

Ne s’attaquant jamais à la personnalité de ses personnages, perclus de scènes ridicules à souhait et encroûté par un casting inégal, « les quatre fantastiques » fait vraiment pitié. Pire, ne se prenant jamais au sérieux, le film plonge les protagonistes dans une vaste blague douteuse et coûteuse dont l'intérêt reste à déterminer.

Si certaines blagues sont drôles, si les effets spéciaux sont réussis, la mise en scène demeure fade et l’ambiance ratée. Ioan Gruffudd (Mr Fantastic) et Chris Evans (La torche) assurent le minimum syndical, Jessica Alba (La femme invisible) est réduite au rôle de blondasse de service (avec du sex-appeal à revendre), tandis que Michael Chicklis (La chose) et Julian McMahon (Doom) sont ceux qui s’en sortent le mieux (normal, ce sont eux qui ont les meilleurs rôles).

Au final ? Un produit ridicule et inutile, aussi vite vu qu'oublié.

Madagascar

2005-07-08T11:17:00.000+02:00

Dreamworks, après les écrasants succès critiques et publics de « Shrek » et « Shrek 2 », revient cette année avec un long-métrage d’animation moins ébouriffant et original, mais très sympathique : « Madagascar ».

Alex, Marty, Melman et Gloria sont les stars du zoo de New-York. Habitués au show, à la vie tranquille, à la ville, ils passent une existence de rêve sans se soucier de quoi que ce soit. Jusqu’à ce que Marty exprime le souhait de partir à l’aventure. Il parvient à s’échapper, obligeant ses amis à partir à sa recherche. Rattrapés par les autorités, ils sont expédiés vers un autre zoo. Au cours du voyage, ils se retrouvent éjectés par-dessus bord et finissent par s’échouer sur l’île de Madagascar où de nombreuses aventures les attendent.

Si « Madagascar » n’atteint jamais la créativité des « Indestructibles » ou de « Shrek », il parvient toutefois à créer un style visuel attachant et très coloré. L’histoire, des plus simples, est avant tout un prétexte pour faire rire petits et grands en passant en revu des thèmes comme l’amitié, le retour à la nature, etc. La prouesse du studio DreamWorks réside avant tout dans ses personnages extrêmement réussis et accrocheurs : le lion à l’ego démesuré, la girafe hypocondriaque, le zèbre existentialiste, les pingouins paranoïaques et psychotiques… un régal !

Le film, s’il baisse de rythme vers le milieu, demeure extrêmement fluide et divertissant. Les gags s’enchaînent à un rythme incroyable et les dialogues sont savoureux. La réalisation est remarquable, très cartoon. Ajoutez à tout ça un doublage ahurissant en VO et en VF (Ben Stiller, Chris Rock, David Schwimmer, Jada Pinkett Smith, Sacha Baron Cohen – Ali G ! – et Cédric the Entertainer ; José Garcia, Anthony Kavanagh, Jean-Paul Rouve, Marina Foïs), et vous obtenez l’un des meilleurs films d’animation jamais réalisé !

Crazy Kung-Fu

2005-06-09T15:41:00.000+02:00

« Kung-fu Hustle » (« Crazy Kung-fu » étant le pathétique titre français) est la nouvelle production délirante du génial chinois Stephen Show. A l’instar de ses autres réalisations, son dernier long-métrage est une comédie absurde et parodique complètement hystérique et délicieuse.

Sing est une petite frappe qui rêve de rejoindre la triade du gang des haches. A cause de lui, le quartier de la porcherie devient la nouvelle cible du chef de gang Frère Sum. Malheureusement pour ce dernier, plusieurs maîtres des arts martiaux ont élu domicile à cet endroit et Frère Sum va devoir faire appel à des assassins professionnels pour s’en débarrasser. C’est au cours de ces affrontements que Sing va découvrir sa véritable nature.

Ecrit, produit, réalisé et interprété par Stephen Chow, « Kung-fu Hustle » est réjouissant d’inventivité et de créativité. C’est un énorme hommage à l’univers délirant de Tex Avery, c’est un concentré de bonne humeur et de références cinématographiques. Plus sombre et plus profond que ses œuvres précédentes malgré une histoire limitée, le dernier film de Stephen Chow nous gratifie d’effets spéciaux très réussis et ô combien délirants.

Les personnages réussis et l’humour percutant viennent définitivement entériner la dimension culte de ce film surréaliste et maîtrisé de bout en bout par Stephen Chow. Forcément destiné à un certain public et cinématographiquement mineur, allez voir « Kung-fu Hustle » et ne boudez pas le plaisir qu’il vous procurera.

Sin City

2005-06-01T20:18:00.000+02:00

Sin City est juste un chef-d'oeuvre. Plus de détails dans la partie "critiques"

Kingdom of Heaven

2005-05-05T12:35:00.000+02:00

Ridley Scott est un monument du cinéma. Monument de honte quand il réalise « A armes égales » ou « Hannibal ». Monument de génie quand il invente la science-fiction dans « Alien » et « Blade Runner » ou quand il redéfinit le péplum dans « Gladiator ». Ridley Scott est le cinéaste des extrêmes, capables de pondre des bouses ou d’accoucher de chef-d’œuvres. La sortie d’un de ses films est donc toujours attendue histoire de savoir dans quelle catégorie va se retrouver son dernier long-métrage. Malheureusement pour nous, « Kingdom of Heaven » appartient à la première catégorie, celle des films ratés de Ridley Scott.

Balian est forgeron dans un petit village français. Il vient de perdre sa femme et son enfant et est détesté par les habitants. Sa vie change quand des croisés passent par son village ; l’un deux prétend être son père et lui demande de le rejoindre pour aller défendre Jérusalem. En acceptant, le jeune forgeron va se retrouver chevalier, amoureux d’une reine inaccessible, serviteur d’un roi mourrant et ultime défenseur de la ville de Jérusalem, assiégée par les hommes du roi Saladin après une malheureuse initiative guerrière des Templiers. Visionnaire, il rêve de paix entre les peuples au-delà des clivages religieux.

L’originalité de « Kingdom of Heaven » est sa volonté de coller au plus près de la vérité historique et archéologique, tout en donnant une certaine densité à ses personnages. Dans sa démarche pédagogique, Ridley Scott oublie l’action et raconte plus ou moins adroitement une histoire qui s’étire pendant près de deux heures trente. Si ses personnages sont captivants et jouissent d’un vrai développement, le réalisateur américain n’est toutefois pas aidé dans ce sens par un manque cruel d’action et un interprète principal trop léger (j’y reviendrai).

La réalisation est toutefois remarquable et les rares scènes de bataille sont réussies. La reconstitution mérite d’être saluée, à l’instar du travail effectué sur les costumes, les armes et les lieux. Les effets spéciaux sont de bonne facture et Ridley Scott arrive encore à nous surprendre dans un genre qui commence pourtant à nous blaser. Trop bavard, « Kingdom of Heaven » souffre également d’un manque chronique d’émotion qui ne permet pas au spectateur de s’intéresser à l’histoire.

Si les dialogues sont parfois ridicules, ils ne sont aidés en rien par la prestation mono-expressive d’Orlando Bloom qui continue de profiter pleinement du succès du « Seigneur des Anneaux ». Même s’il possède cette candeur naturelle des jeunes premiers de films d’aventure, Orlando Bloom est très vite rattrapé par les limites de son interprétation. Heureusement, le film est magistralement tiré vers le haut par les immenses comédiens que sont Jeremy Irons, Liam Neeson ou encore Brendan Gleeson. La vraie bonne surprise vient de la très belle Eva Green, fille de Marlène Jobert, qui signe une prestation délicate et sincère.

Plus intelligent, plus humain et plus complexe qu’il n’y paraît, le dernier long-métrage de Ridley Scott est avant tout raté à cause de son manque cruel d’émotion, de ses bavardages incessants, de l’absence d’action et de son interprète principal trop monolithique.

Les Poupées Russes

2005-05-04T21:11:00.000+02:00

Avec « l’auberge espagnole », Cédric Klapisch avait mis en scène un véritable « friends » européen, original et rythmé, drôle et touchant. En choisissant de faire une suite, le réalisateur français allait retrouver un univers propice au décalage, à l’humour et au dépaysement. Si le premier opus se révélait inégal mais indubitablement sympathique, « les poupées russes » permet à Cédric Klapisch d’aller plus loin avec les mêmes personnages et le même univers tout en retombant malheureusement dans les mêmes travers.

Cinq ans se sont écoulés depuis que Xavier a tout plaqué pour vivre son rêve d’enfance : devenir écrivain. Il est un peu perdu, enchaîne les aventures amoureuses inconsistantes, et s’essaie à tous les petits boulots liés à l’écriture. Dernièrement, il a beaucoup de mal à faire son travail : écrire la suite d’un téléfilm à l’eau de rose où les protagonistes vivent une histoire d’amour… simple. Rattrapé par l’internationalisation du téléfilm et le mariage de son ami William, il se retrouve à voyager entre Paris, Londres et Saint-Pétersbourg. Ces voyages seront pour lui l’occasion de mettre au clair ses ambitions amoureuses et professionnelles.

Le scénario des « poupées russes » est l’occasion pour Cédric Klapisch d’approfondir les personnages là où il les avait laissé la dernière fois. Si « l’auberge espagnole » pouvait se suffire à lui-même, cette suite permet au cinéaste français d’explorer de nouvelles voies en conservant les mêmes principes utilisés précédemment (narration bordélique, montage déstructuré). On quitte une joyeuse bande estudiantine pour retrouver des trentenaires paumés aux introspections douloureuses. Les personnages de Klapisch ont grandi, ont mûri, et se posent des questions très contemporaines et vivent des situations franchement moins drôles qu’à Barcelone. « Les poupées russes » joue la carte de l’authenticité, de l’émotion. On perd de vue l’humour et la bonne humeur de « l’auberge espagnole » pour un récit crédible, souvent douloureux, et parfois drôle.

« Les poupées russes » est surtout un film sur l’amour (en général) et le couple (en particulier). Klapisch offre une vision moderne et authentique des histoires d’amour qui forcément touche de près ou de loin le spectateur. Les dialogues sont efficaces et pertinents, la folie douce du premier opus est conservée, mais le scénario est à tiroirs. Si l’ensemble est sympathique, l’accumulation de personnages et de situations alourdit l’histoire qui met péniblement plus de deux heures à se raconter. Arrivé à la fin du long-métrage, on finit par se dire qu’il a fallut beaucoup de temps à Cédric Klapisch pour dire si peu de choses.

Demeure toutefois la fabuleuse alchimie des comédiens qui semblent retrouver avec beaucoup de plaisirs leurs anciens rôles. Leur envie est palpable et leur plaisir communicatif. Romain Duris tourne à nouveau avec Cédric Klapisch et impressionne toujours autant par sa facilité et sa décontraction. Loin de son dernier rôle dans l’exceptionnel « de battre mon cœur s’est arrêté », Duris reprend à merveille son personnage d’égoïste énervant, d’éternel paumé, de blablateur compulsif. On retrouve également avec beaucoup de plaisir l’intégralité (!) du casting de « l’auberge espagnole » : Cécile de France, Audrey Tautou, Kelly Reilly ou encore Kevin Bishop pour ne citer qu’eux.

Dopé par une musique rythmée et une mise en scène efficace, le film de Cédric Klapisch est avant tout encroûté par sa durée et son accumulation de scènes pas toujours très utiles. On retiendra néanmoins l’ambiance, les comédiens, la réalisation et surtout une idée de départ vraiment authentique et contemporaine.

Hotel Rwanda

2005-04-01T22:26:00.000+02:00

« Hotel Rwanda » raconte l’histoire vraie du gérant de l’hôtel des « Milles Collines » à Kigali, Paul Rusesabagina, qui, confronté au génocide rwandais et à l’abandon de la Communauté Internationale, décide d’ouvrir les portes de son hôtel aux Tutsis menacés d’extermination par les milices Hutus.

Héroïsme, abnégation, émotion et histoire vraie sont les recettes typiques des productions hollywoodiennes et des machines à Oscars habituelles. Si « Hotel Rwanda » n’échappe pas à la règle en proposant un récit consensuel, linéaire et sans surprises, il faut toutefois souligner la qualité globale du film et de la reconstitution. Riche en émotion, le film de Terry George n’est pas non plus avare en violence. La grande force du film réside en fait à sa capacité à nous mettre mal à l’aise, à nous confronter avec notre propre passivité.

On se souviendra également de la remarquable prestation de Don Cheadle qui se voit enfin offrir un premier rôle d’envergure. Le reste du casting n’est pas en reste avec les présences remarquables de Sophie Okonedo, Nick Nolte et Joaquin Phoenix. A noter la présence anecdotique mais sympathique de Jean Reno.

Si le film est bien réalisé et plutôt dense avec plusieurs histoires parallèles, la pudeur et la retenue dans la mise en scène des massacres et l’absence de parti pris font du long-métrage de Terry George une œuvre trop lisse et perturbante de part son mutisme et sa légère hypocrisie.

Il serait toutefois dommage de s’arrêter à ces quelques défauts devant la qualité globale de la mise en scène, des comédiens, de l’histoire et surtout de sa volonté de nous faire réfléchir à notre propre conduite. Si « Hotel Rwanda » est prévisible, il reste un film tout à fait correct.

Va, vis et deviens

2005-04-01T13:34:00.000+02:00

Récompensé au dernier Festival de Berlin dans le cadre du Panorama par le prix du jury et le prix du public, le long-métrage de Radu Mihaileanu est une merveille d’originalité, d’émotion, et de dépaysement.

Pour sauver son fils de la famine, une mère éthiopienne chrétienne pousse son fils de 9 ans à prendre la place d’un enfant juif mort pendant leur rapatriement vers Israël au milieu des années 80. Il doit se déclarer juif et mentir toute sa vie pour survivre, mais il n’oubliera jamais sa mère restée là-bas.

Si « va, vis et deviens » a pour fil conducteur l’amour, représenté sous de nombreuses formes, c’est aussi l’occasion de revenir sur une partie méconnue de l’Histoire récente d’Israël, période pendant laquelle les juifs blancs n’ont eu de cesse de manifester leur antagonisme envers leurs frères africains.

S’étalant de 1984 à nos jours, le film de Radu Mihaileanu (réalisateur de « Train de vie ») prend aussi le temps de montrer l’apprentissage du jeune Schlomo, de la langue à la connaissance de la religion, en passant par la découverte d’une autre culture, d’une autre géographie et de l’amour. Le titre lui-même du long-métrage revient sur ces différentes phases : « va » pour symboliser le départ et le voyage, « vis » correspondant plutôt à l’adolescence et tout le processus d’apprentissage qui y est lié, tandis que « deviens » est la fin de cet apprentissage et l’accomplissement de son destin. En ce sens, le film regorge de détails et de scènes clés au travers desquels passent de vives émotions (la lune, la marche pieds nus, etc.) et est montré son apprentissage (l’écriture, la douche, etc.).

« Va, vis et deviens » est également un long-métrage original parce on y voyage beaucoup (Afrique, Israël, Europe), on y entend différentes langues (yiddish, français, et dialectes africains) et on voit des paysages rares. En outre, le film distille avec adresse de grands moments d’émotions qui ne basculent jamais dans le misérabilisme et la facilité.

La densité du scénario entraîne une durée assez conséquente (2h25) qui, si elle est justifiée et se fait facilement oublier, propose parfois une curieuse et maladroite unité de temps, avec des passages de sa vie très développés et d’autre au contraire où le temps s’accélère. Mais le vrai seul défaut du film est peut-être de ne pas toujours parvenir à se détacher de son scénario, de prendre suffisamment de recul. Il en résulte une hésitation prolongée entre le docu-fiction pédagogique (la scène d’ouverture calme tout le monde) et le long-métrage poétique et émouvant.

Néanmoins, ces quelques imperfections ne retirent rien à la qualité globale du film, en particulier ses personnages, nombreux, attachants et originaux. Aidé par des dialogues remarquablement écrits, l’interprétation est remarquable et émouvante. Le rôle de Schlomo est alternativement incarné par Moshe Agazai (adolescent), Mosche Abebe (adolescent) et Sirak M. Sabahat (adulte). Il est vraiment merveilleux de retrouver dans chacun des interprètes la même détresse, la même angoisse, la même envie… un travail remarquable sur la direction des acteurs ! Roschdy Zem incarne à merveille et avec beaucoup de crédibilité un père adoptif ambitieux et sanguin tandis que Yaël Abecassis apporte beaucoup de douceur et de délicatesse. Roni Hadar est pleine de candeur et toute en beauté, et Rami Danon ainsi que Itzhac Adgar incarnent la sagesse absolue et la commisération salutaire.

Si l’on rajoute à tout cela une musique remarquable et solennelle qui mélange adroitement toutes les cultures croisées au cours du long-métrage, il devient évident pour tous que « vas, vis et deviens » est une œuvre trop rare pour la laissée passer inaperçue. Précipitez-vous au cinéma.

Sky Captain & the world of tomorrow

2005-03-24T00:36:00.000+01:00

« Sky Captain and the world of tomorrow », c’est d’abord l’histoire de Kerry Conran qui, grâce à un court-métrage, réussit à convaincre Jude Law d’être le héro de son film et même à en produire une partie. La suite ? Un délire visuel sépia rendant un fabuleux hommage aux films des années 30. Le problème ? Aucun succès outre-atlantique, un gouffre financier astronomique, et une sortie en France des plus discrètes !

New-York dans les années 30. Le « Hindenburg 3 », un zeppelin gigantesque, s’arrime à L’empire State Building. A son bord, un homme semble terrifié, le Dr Vargas. Il remet à un membre de l’équipage deux fioles qu’il charge de remettre à un certain Dr Jennings. Le lendemain, le Dr Vargas disparaît, tout comme cinq autres scientifiques avant lui. Polly Perkins, une journaliste du Chronicle, mène l’enquête et découvre que derrière ces enlèvements se cache le mystérieux Dr Totenkopf, ancien directeur d’un laboratoire secret créé après la Première Guerre Mondiale. Pour mettre la main sur le Dr Totenkopf et mettre fin aux enlèvements et à toute une série d’attaque de robots géants, Polly Perkins demande l’aide au célèbre Sky Captain et à son équipe.

Si le film de Kerry Conran manque de rythme au début et est encroûté par un scénario cliché aux rebondissements convenus, il m’est apparu avant tout comme un film d’aventure où on voyage, où on rit, où on s’aime, où on s’embrasse… on rêve et on est éblouit au milieu d'une architecture ahurissante, des zeppelins titanesques, des géants de fer... un rêve d'enfant, mais quel rêve ! Le design global, parfois même les plans à eux seuls, sont un parfait hommage à la Science-Fiction d’un autre temps pour un résultat qui risque peut-être d’en dérouter plus d’un. Il faut laisser le temps au film de se mettre en place afin d’être en phase avec lui, au risque de trouver l’ensemble complètement surjoué, fade et kitch.

La réalisation et la direction artistique sont sublimes. Les effets spéciaux sont remarquables et très stylisés… on notera la cohérence du début à la fin des architectures, des véhicules, des costumes, etc. Une réussite admirable et qui force le respect, mais qui apparemment n’a pas suffit pour enflammer une partie du public. Si l’on rajoute à la densité visuelle du film un casting convaincant qui transpire l’alchimie, avec – excusez du peu – Jude Law, Gwyneth Paltrow, Angelina Jolie et Giovanni Ribisi, « Sky Captain… » m’est apparu comme une formidable réussite.

Néanmoins, le succès n’est pas au rendez-vous, et la critique dans son ensemble conspue ce film qui affiche des pertes invraisemblables. « Sky Captain… » m’a plu et je persiste dans l’idée qu’il mérite d’être défendu. Si vous êtes un rêveur, un nostalgique, un (grand) enfant… courez-y vite !

La vie aquatique

2005-03-17T12:59:00.000+01:00

Wes Anderson avait marqué les esprits avec la sortie en 2001 de son troisième long-métrage, « la famille Tenenbaum », une œuvre originale et décalée, dotée d’un humour délicieux et d’un casting hors du commun. C’est quasiment sur les mêmes bases qu’est sorti le 9 mars 2005 « la vie aquatique » qui fait déjà indubitablement partie, malgré quelques défauts évidents, des films de l’année.

Steve Zissou, océanographe et aventurier sur le déclin, se lance sûrement dans son dernier documentaire animalier lorsqu’il décide de venger la mort de son meilleur ami, dévoré par un hypothétique requin jaguar. Cette aventure sera l’occasion pour Steve Zissou de découvrir celui qui prétend être son fils, de réfléchir sur son couple, de se rapprocher de son équipage mais aussi et surtout de se remettre en question.

Si les thèmes abordés (la filiation, la dépression, l’amour…) sont souvent détournés à des fins comiques, c’est plutôt l’inventivité des scénaristes Wes Anderson et Noah Baumbach qui impressionne dans ce film tant les situations abracadabrantes, les scènes farfelues, et les dialogues saugrenus s’enchaînent à un rythme soutenu. La densité scénaristique est renforcée par une ambiance rafraîchissante, des couleurs ahurissantes, des détails incroyables et une créativité remarquable. La diversité des personnages et l’épaisseur qui leur est donnée est tout aussi exceptionnelle.

Toutefois, il ne faut pas perdre de vue que le scénario tient en 3 lignes et que, mine de rien, prendre à la légère les documentaires animaliers finit par décrédibiliser le travail d’immenses personnes comme le Commandant Cousteau. L’autre regret est que, même si on rit régulièrement, plus d’humour et moins de délires au 108e degré n’aurait en rien fait perdre à son film sa dimension poétique. Enfin, le montage est minable du début à la fin, les scènes s’enchaînant bêtement les unes après les autres… comme si les gags étaient inventés 5 minutes avant de les tourner.

Ces quelques défauts, très embêtants, finissent par s’estomper au bout de quelques jours tant l’espoir, la joie, l’hystérie, la folie, le rafraîchissement qu’apporte « la vie aquatique » balaient tout sur leur passage. Si on ajoute à ça le casting le plus hallucinant depuis… « La famille Tenenbaum » avec Bill Murray, Owen Wilson, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, des stagiaires dépassés, un caméraman pakistanais, un chanteur folk brésilien déclamant du Bowie en portugais, vous comprendrez à quel point « la vie aquatique » est immanquable.

Drôle, attachant, poétique, créatif, dense, et doté d’une distribution ahurissante, le dernier long-métrage de Wes Anderson n’est toutefois pas dénué de défauts et m’a quelque peu déçu. Mais plusieurs jours après sa vision, mon enthousiasme pour ce film ne fait que grandir. Le plus simple pour vous en convaincre est de tenter l’expérience vous-même !

Assaut sur le Central 13

2005-03-03T19:58:00.000+01:00

En réalisant « Assaut sur le Central 13 », Jean-Francois Richet quitte les banlieues parisiennes de « Ma 6-T va crack-er » et de « De l’amour » pour mettre en scène une typique série B américaine, le talent en plus. S’il tient moins bien la route que son illustre prédécesseur, « Assaut » de Carpenter, le long-métrage de Richet demeure cinématographiquement mineur mais ponctuellement grisant.

Le Central 13, dans lequel le sergent Roenick (Ethan Hawke) vit avec le poids de la culpabilité, connaît ses dernières heures sous la neige en ce 31 décembre 2004. Dans le même temps, le criminel le plus recherché de la pègre, Marion Bishop (Laurence Fishburne), est arrêté. Alors qu’il est transféré dans un autre établissement, la tempête de neige qui s’abat sur la région contraint le convoi de prisonniers à faire halte au Central 13. C’est l’occasion rêvée pour Marcus DuVall (Gabriel Byrne), officier de police ripoux et mêlé à de sombres trafics, de faire taire le seul témoin qui pourrait le faire chuter lui et toute sa brigade : Marion Bishop. Les policiers du Central 13 et les criminels vont devoir faire équipe pour lutter contre les moyens démesurés qu’emploient les hommes de Marcus DuVall.

Si le scénario de ce remake est incontestablement plus conventionnel et creux que l’original, le film de Richet demeure indubitablement bien fait. En allongeant la durée de 20 minutes, il prend le temps de densifier ses personnages (la scène d’ouverture) au détriment de la surenchère pyrotechnique. Le résultat ? Un long-métrage pas trop hystérique, pas trop chaotique, doté de belles images mais qui perd de vue la folie de l’original.

« Assaut sur le Central 13 » n’est ni une démonstration technique ni un exercice de style. Richet s’amuse beaucoup derrière la caméra et parvient à mettre en scène des moments vraiment angoissant, malheureusement entachés par quelques scènes ridicules. L’ensemble est soutenu par une bonne ambiance et une musique de circonstance (grande déception : pas de reprise du thème original). Dommage par contre que les ennemis de ce remake soient moins inquiétants que ceux de l’originaux : une trentaine de flics méthodiques font moins trembler qu’une horde sanguinaires de loubards sans but.

Pour asseoir un succès, la meilleure des garanties réside le plus souvent dans un casting réussi. « Assaut sur le Central 13 » ne déroge pas à la règle et pourrait même servir d’exemple avec ses interprètes éprouvés. Ethan Hawke incarne le sergent Roenick, personnage torturé, rongé par la culpabilité, qui cherche à oublier un passé douloureux dans l’alcool et les anti-dépresseurs. Si sa scène d’ouverture est hallucinante, le reste de sa prestation est en dent de scie mais demeure au final tout à fait correcte. Laurence Fishburne, bedonnant, incarne avec classe un gangster ô combien létal, Marion Bishop. Charismatique au possible, il est plutôt crédible et se prend beaucoup moins au sérieux par rapport à « Matrix ». Gabriel Byrne enfin, vient compléter ce triptyque de stars et signe une performance inquiétante et glaciale… admirable ! Les seconds rôles ne sont pas en reste avec les excellents John Leguizamo, Drea de Matteo et… Ja Rule, qui ferait mieux de retourner au hip-hop (quoique).

« Assaut sur le Central 13 » n’est donc pas aussi médiocre qu’on pouvait l’imaginer. Doté d’un casting solide et expérimenté, d’une bonne épaisseur des personnages, d’une réalisation très correcte, il ne souffre en réalité que d’une inconsistance agaçante au niveau du fond. Bien entendu, il ne peut rivaliser avec son glorieux aîné, mais pour celles et ceux qui ne le connaissent pas, il se suffit amplement à lui-même.

Mar Adentro

2005-02-26T18:15:00.000+01:00

Sortez vos mouchoirs ! Lorsque le réalisateur espagnol Alejandro Amenabar décide de s’attaquer au sujet brûlant de l’euthanasie, le mélo poétique qu’il nous sert est délicieusement amer, douloureusement juste.

Inspiré d’une histoire vraie, le dernier long-métrage d’Amenabar raconte la fin de vie de Ramon Sampedro, tétraplégique paralysée depuis près de 30 ans et qui demande à pouvoir mourir dignement, sans que son entourage ne fasse l’objet de poursuites judiciaires.

Après un thriller sur les « snuff movie » (« Tesis »), un film fantastique (« Ouvre les yeux »), et une pure production hollywoodienne (« Les Autres »), Alejandro Amenabar confirme toute l’étendue de son talent en réalisant un long-métrage poétique, éprouvant, qui ne bascule heureusement jamais dans la facilité et la misérabilisme. C’est l’histoire simple d’un homme drôle, vif et attachant, passionné par la mer qui lui a tant donné et tant pris.

Des reproches ? Il y en a. La mise en scène est très (trop) austère, et l’ensemble du film ne laisse pas la moindre place à un débat (s’il a vraiment lieu d’être). Véritable manifeste pour l’euthanasie, « Mar adentro » est avant tout sublimé par ses comédiens, Javier Bardem en tête, absolument méconnaissable et qui signe une interprétation très juste. Les personnages qui gravitent autour de Ramon sont tout aussi remarquablement incarnés par Mabel Rivera, Belen Rueda, ou encore Lola Duenas.

Écrit, réalisé, et monté par Amenabar - qui signe en plus la musique du film -, « Mar Adentro » confirme le talent du réalisateur espagnol qui n’a pas prit beaucoup de risque avec ce film qui ne fait pas avancer le débat. Néanmoins, on retiendra un casting exceptionnel et une poésie sublimée par l’austérité de la mise en scène.

The Machinist

2005-02-23T22:41:00.000+01:00

Trevor Reznik (Christian Bale) est ouvrier dans une usine et n’a pas dormi depuis un an. Pourquoi ? C’est l’objet de « the machinist », réalisé par Brad Anderson qui met en scène magistralement une histoire alambiquée et fascinante, véritable plongée dans les méandres encéphaliques d’un individu paranoïaque et schizophrène.

Si l’histoire n’est pas d’une originalité grandiose, elle est néanmoins prenante. Ce sont surtout la narration et la mise en scène qui impressionnent, et font de ce film une perle rare. Sublimé par une image sale, terne, aux couleurs monochromes (sublime travail du Directeur Artistique Xavi Giménez – pas Juan, de la « Caste des Metabarons », mais pas loin !), à la symbolique magnifique et intense (le rapport entre schizophrénie et le thème récurrent des deux voies), le long-métrage de Brad Anderson est magnifique et dense.

L’autre point fort de ce film est la performance incroyable de Christian Bale, méconnaissable et effrayant, qui a perdu 28 kilos pour le rôle. Son implication renforce encore un peu plus sa crédibilité et l’intensité de son interprétation. Le reste du casting est loin d’être anecdotique avec la présence de Jennifer Jason Leigh et de l’immense Michael Ironside.

Sublime, tripant, magistralement interprété et mis en scène… un seul regret : une sortie dans l’hexagone trop discrète. Pour le reste, foncez sur ce film lors de sa sortie en DVD !

Aviator

2005-02-15T10:27:00.000+01:00

Dernier long-métrage de l’immense Martin Scorsese depuis « Gangs of New-York », « Aviator » raconte près de 20 ans de la vie de Howard Hughes, milliardaire, séducteur, réalisateur, producteur, visionnaire, pionnier de l’aviation et casse-cou notoire.

Sans effleurer la fin de sa vie effrayante, où il vécut comme un clochard à se faire transfuser du sang de mormon dans des chambres d’hôtel, le long-métrage de Scorsese demeure remarquablement fidèle à la vie du célèbre milliardaire. Mais ce qui restera mémorable avec ce film, c’est évidemment la prestation éblouissante de Leonardo DiCaprio qui toutefois occulte de part la dimension de son personnage le reste du casting. Il serait toutefois cruel d’oublier l’interprétation de Cate Blanchett (formidable Katharine Hepburn), Kate Beckinsale (Ava Gardner !), Alec Baldwin, ou encore Ian Holm.

D’une durée de 2h46, « Aviator » étonne part sa fluidité et sa maîtrise de la narration. Très peu de longueurs, un montage efficace, des dialogues saisissants, un judicieux équilibre entre les personnages, la reconstitution de l’Hollywood de l’époque, etc. font de « Aviator » un film attachant et palpitant. La mise en scène remarquable et la violence extrême de certains passages rappellent la présence derrière la caméra de Scorsese qui semble prendre un réel plaisir à tourner son long-métrage.

Néanmoins, la densité du film encroûte quelque peu la narration et l’omniprésence de DiCaprio finit par lasser. Par railleurs, même si la qualité est au rendez-vous, « Aviator » déçoit aussi parce qu’il n’est pas le chef-d’œuvre qu’il aurait pu ou aurait dû être. D’autre part, l’aspect trop linéaire et bibliographique alourdit l’ensemble et déplaire au spectateur.

Il ne faut toutefois pas bouder notre plaisir et au contraire profiter du spectacle dense et grandiose, de la mise en scène exceptionnelle et du casting irréprochable, offerts par le trop rare Martin Scorsese.

Les bouchers verts

2005-02-14T14:29:00.000+01:00

Petit film danois jouissant d’un bouche à oreille mérité, « les bouchers verts » raconte l’histoire de deux employés, Svend et Bjarne, lassés d’être exploités chez leur patron et qui décident de monter leur propre affaire. Au début, le succès n’est pas là jusqu’à ce que leur ancien employeur aille leur commander de la viande pour une soirée huppée en ville. Le succès est alors au rendez-vous lorsque suite à un accident, Svend se retrouve à servir marinée dans une sauce maison de la viande… humaine !

Doté un humour noir décapant, de personnages variés et remarquablement interprétés, « les bouchers verts » est une petite comédie humaine fort sympathique. Evidemment, il rappelle le « Delicatessen » de Jeunet et ne peut pas soutenir la comparaison plus longtemps. Moins fou, moins esthétisant, moins attachant, le long-métrage de Anders-Thomas Jensen réussit néanmoins une chose : éviter la surenchère gore. Pas de mal-être possible, juste un peu de réflexion sur l'existence et de rigolade si l'on goûte un tant soit peu à l’humour noir.

Danny the dog

2005-01-28T17:04:00.000+01:00

Dernière production des studios EuropaCorp à sortir dans l’hexagone, « Danny the dog » a été écrit par Luc Besson et réalisé par son homme de main, Louis Leterrier, déjà réalisateur pour lui du « Transporteur ». Le résultat est à nouveau mauvais, à se demander s’il ne s’agit pas d’une marque de fabrique des films produits par Besson.

Bart (Bob Hoskins) est un truand qui a élevé comme un chien Danny (Jet Li), un jeune homme d’origine asiatique qu’il a trouvé enfant, et qu’il utilise comme arme lorsqu’un mauvais payeur se présente à lui. Au cours d’un règlement de comptes, Danny parvient à s’échapper et est recueilli par Sam (Morgan Freeman), un accordeur de pianos qui l’a déjà croisé. Avec l’aide de sa fille adoptive Victoria (Kerry Condon), ils parviendront à libérer Danny de sa condition de bête et l’affranchir de toute violence.

Si le concept de base est séduisant, il finit par s’engluer dans la médiocrité, encroûté par des invraisemblances criardes et une volonté affichée de pondre un sempiternel film de baston / action. Pire, on ne s’attache pas une seule seconde à l’histoire qui se révèle être d’une prévisibilité navrante.

Néanmoins, Louis Leterrier parvient à tirer vers le haut le film grâce à une réalisation impeccable : son talent pour la mise en scène est indéniable, le long-métrage est énergique sans être abrutissant. L’image est terne, sale et colle parfaitement à l’ambiance du milieu et de la ville, ambiance par ailleurs renforcée par la remarquable musique de Massive Attack.

L’autre point qui sauve le film du naufrage est son casting totalement hallucinant. Jet Li est formidable et confirme qu’il est bien plus qu’un simple maître en art de donner des baffes. C’est une vraie valeur ajoutée par rapport aux autres comédiens monolithiques du genre. Besson a eu également l’intelligence de faire appel à des valeurs sûres du cinéma en les personnes de Bob Hoskins et Morgan Freeman. La portée de leurs rôles est somme toute limitée mais comme à leur habitude ils signent tous deux une prestation remarquable.

Globalement bien fichu et aidé par un casting exemplaire, « Danny the dog » évite de peu la débâcle totale. Confirmant le talent de Louis Leterrier à la réalisation et la médiocrité de Besson à l’écriture, « Danny the dog » ne mérite toutefois pas un fiasco total et trouvera sans doute son public.

Tu marcheras sur l'eau

2005-01-27T01:03:00.000+01:00

Le long-métrage de Eytan Fox raconte l’histoire d’un agent du Mossad qui se retrouve affecté à une mission qui, au premier abord, ne l’intéresse pas : servir de guide à un jeune allemand venu rendre visite à sa sœur qui travaille en Israël et vit dans un kibboutz, afin de déterminer si leur grand-père, un ancien officier nazi, est mort.

Sans traiter à fond tous les thèmes qu’il aborde, ce film effleure avec intelligence des sujets aussi variés que l’homosexualité, le regard des israéliens par rapport aux allemands, le regard des allemands vis-à-vis de l’Histoire, etc.

C’est un long-métrage simple et attachant, servi par des comédiens inspirés (Lior Ashkenazi, Knut Berger, et Caroline Peters), une ambiance rafraîchissante et des paysages somptueux. Car une des grandes forces de ce film est aussi de nous dépayser : Israël, Palestine, Allemagne… on voyage énormément, on sourit. Le long-métrage joue avec nos émotions, passant du rire aux larmes, et a l’intelligence de ne pas prendre partie.

« Tu marcheras sur l’eau » est un film simple, sans prétention et terriblement attachant. Une petite merveille à voir avant qu’il ne quitte l’affiche.

Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire

2005-01-06T11:39:00.000+01:00

« Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire » est l’adaptation cinématographique d’un immense succès de la littérature pour enfants. Reprenant ainsi les trois premiers tomes de la saga « Lemony Snicket's : A Series of Unfortunate Event », le film de Brad Silberling raconte avec un certain talent une histoire originale pour petits et grands.

L’histoire est celle des trois enfants Baudelaire : Violette, Klaus et Prunille, qui voient leur vie brisée lorsque leurs parents disparaissent dans un incendie aussi inexpliqué que mortel. Désormais orphelins et héritiers d’une immense fortune, ils se retrouvent placés chez le compte Olaf, un obscur et cupide parent éloigné, acteur et maître du déguisement, qui ne reculera devant rien pour s’emparer de la fortune.

« Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire » est une excellente surprise. L’histoire racontée est prenante et le rythme du long-métrage particulièrement soutenu. Toutefois, si le film est inventif et dense, c’est aussi parce qu’il correspond à trois livres ce qui forcément laisse imaginer un nombre surréaliste de coupes et largesses. Une partie du potentiel de ce long-métrage passe donc à la trappe, d’autant plus que la partie pour « adultes » du récit semble largement édulcorée. Si le film de Brad Silberling est malgré tout une réussite, c’est aussi et surtout grâce à l’univers visuel qu’il a créé. Sombre, élégant, intemporel, et lugubre, ce long-métrage n’est pas sans rappeler le travail démesuré de Tim Burton. La richesse des plans, les couleurs magnifiques et la photo superbe ne peuvent pas laisser indifférent le plus réfractaire des spectateurs.

Brad Silberling a eu également la chance d’avoir pour son long-métrage d’excellents comédiens en très grande forme. L’exubérant et protéiforme Jim Carrey atteint des sommets de délire et d’interprétation, tandis qu’un nombre ahurissant de stars se bousculent au générique : Meryl Streep, Jude Law, ou encore Dustin Hoffman.

« Les Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire » est une excellente surprise et nous prépare à merveille pour le futur – et espérons-le – grandiose Tim Burton qui a choisit d’adapter un monument du roman jeunesse, « Charlie et la chocolaterie » de Roal Dahl.

Les Indestructibles

2004-12-04T14:25:00.000+01:00

A force d’avoir enchaîné des succès planétaires (mérités), il n’est plus nécessaire de présenter Pixar. Le studio américain d’animation à l’origine des « Toy Story », « Monstres et Cie » ou encore de l’inévitable « Nemo », revient encore une fois encroûté de son association avec Disney, association qui d’ailleurs s’achèvera avec « Cars » dont la sortie est prévue pour la fin de l’année 2005.

« Les indestructibles » raconte l’histoire de super héros, autrefois valeureux et adulés, tombés malgré eux dans l’anonymat et le secret suite à une succession de lois absurdes. Cette juridiction est d’autant plus dure à accepter pour Mr Indestructible, le plus valeureux et aimé des héros, qui se retrouve expert en assurances. Il entretient ses souvenirs avec son meilleur ami Frozone avec qui il continue à remplir son devoir de super héros de la manière la plus discrète possible. Mais lorsque se présente à lui l’occasion d’utiliser à nouveau ses pouvoirs pour une mission top secrète sur une île lointaine, il bondit sur cette offre sans se douter qu’elle va servir les desseins d’un être machiavélique.

La plus grosse faiblesse des « Indestructibles » vient indubitablement de son scénario. Classique, ultra prévisible et long à se mettre en place, les « Indestructibles » est en fin de compte un long-métrage qui ne raconte rien. Paradoxalement, c’est ce même scénario qui procure une liberté inouïe autorisant une créativité visuelle jubilatoire et d’une densité incroyable. Pour leur premier film avec des personnages humains, les artistes du studio Pixar se moquent allègrement de l’univers des Super Héros et de celui des James Bond avec une grande réussite. Car en effet, les références incessantes et la créativité des « Indestructibles » en font un film particulièrement drôle.

En termes de réalisation, il est effrayant de constater qu’on ne fait presque plus attention aux images des long-métrages d’animation alors que leur développement prend encore plusieurs années. On est habitué à une telle qualité qu’on en deviendrait presque blasé. Pourtant, le spectateur peut se rassurer : l’animation est sublime, les couleurs explosent, et le réalisme incroyable même si une large place est laissée au délire et au style. Car en effet, les « indestructibles » a fait le pari d’imposer un style très déformé avec exagération des traits, à l’instar de l’excellent « âge de glace ». Il faut aimer bien entendu, mais le pari est osé et l’intention louable.

Enfin, on peut réellement parler de casting vu la tendance actuelle des films d’animation à recruter des guests pour le doublage des personnages. Pour la VO sont donc présents Craig T. Nelson, Holly Hunter et surtout l’excellent Samuel L. Jackson. La distribution française s’aligne de plus en plus sur cette tendance et propose pour « les indestructibles » Lorie, Amanda Lear, PPDA ou encore Bruno Salomone…

Si les « indestructibles » ne sont pas la meilleure production des studios Pixar, il reste indubitablement sympathique. S’il ne brille pas par son histoire, c’est sa réalisation, sa créativité et son humour qui sauvent le film de la banalité et qui en font un long-métrage à voir.

2004-11-22T09:32:00.000+01:00

Sorti au début du mois de novembre 2004 et présenté à Cannes cette année, « Mondovino » est un documentaire de Jonathan Nossiter sur l’univers du vin. A travers des interviews de personnalités aussi diverses que variées (milliardaires américains, modestes vignerons français et brésiliens, importateurs, vendeurs…), le réalisateur cherche à mettre en évidence au cours de son enquête la mondialisation et l’uniformisation des vins.

On en apprend également beaucoup sur un univers secret, fermé, rempli de personnages attachants, d’arrivistes énervants, et de businessman sanguinaires. A travers 3 continents, Jonathan Nossiter parvient à créer une galerie de portraits saisissante, pleine de contradictions. Accessible à tous, ce documentaire soulève des questions pertinentes et tire à boulets rouges sur les effets pervers de la mondialisation. S’il demeure long (2h15 tout de même), l’univers, les propos, et les personnages font oublier les quelques longueurs et répétitions de « Modovino ».

2004-11-13T22:36:00.000+01:00

Vu complètement par hasard, « Birth » s’est révélé être un supplice longuet et prétentieux. L’histoire est celle d’Anna, une femme meurtrie par la mort de son mari Sean et s’apprêtant 10 ans plus tard à sa remarier avec Joseph. Seulement, apparaît un jour un jeune garçon de 10 ans prétendant être Sean. D’abord agaçée, Anna va commencer à croire le jeune garçon qui se souvient de tout ce qu’elle et son défunt mari ont connu.

Ennuyeux, prévisible et encroûté par une mise en scène pénible (les plans séquences interminables), « Birth » n’arrive jamais vraiment à convaincre. Cette histoire de réincarnation ne fascine pas et est plutôt mal amenée par le réalisateur, le britannique Jonathan Glazer. Parfois malsain et frôlant avec la pédophilie, le film dérange dans le mauvais sens du terme. Seul point remarquable : le casting, qui sauve du naufrage cette production. Nicole Kidman est éblouissante, Lauren Bacall ressuscitée. La vraie bonne surprise vient (évidemment) du gamin interprété par Cameron Bright. Pour le reste, inutile de s’y attarder !

2004-11-10T11:57:00.000+01:00

Wong Kar-Wai est en Europe précédé de son immense et mérité succès public et critique pour son film « In the mood for love ». Son dernier long-métrage, présenté au festival de Cannes 2004 et sorti depuis le 20 octobre, s’il n’est pas aussi envoûtant que son prédécesseur, mérite qu’on s’y intéresse.

A Hong-Kong dans les années 60, un écrivain se lance dans la rédaction d’une œuvre de science-fiction baptisée « 2046 ». En manque d’inspiration, il se remet à penser aux différentes femmes qu’il a connues au cours de son existence de solitaire. Chacune à leur manière, elles ont marqué la mémoire de l’auteur et vont nourrir son imagination.

La première impression, qui a tendance à persister, à propos de « 2046 » est qu’on a l’impression de voir le même film que « In the mood for love » mais en moins bien. Même époque, même équipe, mêmes comédiens, mêmes thèmes… peu d’innovations en somme ! La comparaison est permanente et ne tourne jamais à l’avantage du dernier long-métrage de Wong Kar-Wai et sa pléiade de stars. Pire, « 2046 » prit à part demeure répétitif dans sa narration et finit par lourdement tourner en rond.

Néanmoins, si on prend le film à part entière et sans le comparer à l’œuvre précédente de son réalisateur, ses qualités intrinsèques sont indéniables. Les rares effets spéciaux sont remarquables, les comédiens sont exceptionnels (Tony Leung en tête), la musique sublime et la mise en scène impeccable.

Si l’on prend « 2046 » comme tel, il est indéniablement réussi et sort facilement du lot. Toutefois, il ressemble trop à « In the mood for love » et demeure trop répétitif pour véritablement marquer le spectateur. On pouvait attendre mieux de Wong Kar-Wai

2004-10-22T01:54:00.000+02:00

Avec ses films d’animation, Pixar a ouvert une nouvelle voie pour l’exploitation cinématographique. Devant les succès des « Toy story », d’autres studios se sont bien évidemment lancés dans l’aventure numérique comme la Fox (« l’âge de glace ») ou encore Dreamworks (« Shrek »). Mais la vraie référence du genre, c’est toujours Pixar qui la détient avec le succès astronomique du « monde de Némo ». Il fallait donc s’attendre à retrouver un film d’animation proposant un univers sous-marin… c’est ce que nous propose « gang de requins », sans toutefois la même réussite.

D’un côté se trouve Oscar, poisson feignant et bavard ne rêvant que de gloire. De l’autre, on a Lenny, un requin végétarien et héritier malgré lui de l’empire de son père, le terrible Don Lino. Alors que Franckie, le frère de Lenny, s’apprête à dévorer Oscar, le requin reçoit par accident une ancre de bateau de plein fouet et meurt. Va naître de ce malheureux incident une association des plus originales : alors qu’Oscar se déclare comme un tueur de requins protecteur de la barrière de corail, Lenny va l’aider dans cette mascarade afin de disparaître aux yeux des siens.

Beaucoup de choses ne fonctionnent pas dans ce film. D’une part, le scénario n’est pas franchement très original et distille en plus des moments sirupeux et dégoulinants de bons sentiments qui le rendent presque insupportable. Le long-métrage est ultra prévisible et les thèmes abordés sont vus, revus et rerevus. D’autre part, il faut arriver à supporter le design global des personnages, massivement anthropomorphe et pas franchement réussi. Les traits sont exagérés, les couleurs sont parfois d’un goût douteux, et la modélisation globale des personnages poissons laisse à désirer. A force de vouloir trop « humaniser » les poissons et les faire ressembler à leurs doubleurs américains, l’allure globale du film et des protagonistes en particulier semble ratée. Enfin, le long-métrage de Dreamworks fait furieusement écho au « monde de Némo ». On ne peut ainsi s’empêcher de faire des comparaisons et de se dire que « gang de requins » surfe sur l’effet de mode du film de Pixar qui visuellement parlant l’emporte haut la main.

Mais il devient important ici de préciser que ces deux long-métrages de s’adressent définitivement pas au même public. Là où « le monde de Némo » était massivement orienté grand public, « gang de requins » vise plutôt un public plus âgé. Avec ses références incessantes au cinéma (« le parrain », « les affranchis » et autres), à la musique (très orientée culture ghetto et hip-hop), et à la vie citadine en général (tout y passe, du sushi bar (!) aux couvertures de magasines, en passant par la télévision, le ghetto, les pubs, etc.), la barrière de corail est un véritable microcosme urbain appelant une grande culture générale et entraînant une richesse visuelle ahurissante.

Car si la modélisation des personnages laisse à désirer (c’est un style, il faut aimer), la densité visuelle de l’univers créé est incroyable. De ce point de vue là, « gang de requins » explose littéralement « le monde de Némo », beaucoup plus proche d’une forme de réalité malgré bien entendu ses délires. Là où le long-métrage de Pixar se fait également battre, c’est au niveau du doublage qui prend avec le film de Dreamworks des proportions dantesques. Réunissant Will Smith, Robert De Niro, Renée Zellweger, Jack Black, Angelina Jolie, Martin Scorsese ou encore Peter Falk, « gang de requins » réinventent presque le concept de guest. Jubilatoire et hilarant, le doublage est une pure merveille : les dialogues sont, malgré le scénario, souvent saisissants, et on sent que les comédiens ont prit un réel plaisir à faire partie de cette aventure.

Au final, « gang de requins » m’a semblé moyen. S’il ne brille pas par son originalité avec une histoire sans intérêt et prévisible, s’il ne brille pas non plus par sa réalisation inégale, le long-métrage des studios Dreamworks affiche néanmoins une densité visuelle extraordinaire et un casting grandiose en VO. Reste également cette désagréable impression que Dreamworks a voulu profiter de la « folie » post-Némo pour nous fourguer un film décevant. Malgré tout, la richesse de l’univers et les références incessantes, en plus du doublage, sauvent un long-métrage qui, finalement, aurait pu être bien pire. Rendez-vous pris avec Dreamworks pour la sortie de leur prochain film d’animation, « Madagascar », affichant d’entrée Chris Roch, David Schwimmer, Ben Stiller et Jada Pinkett Smith au doublage.

2004-10-12T23:12:00.000+02:00

Les bonnes adaptations de jeu vidéo au cinéma sont rares. On peut même dire qu’elles n’existent pas (cf. Mario Bros, Street fighter et autres Tomb Raider). Passer d’un univers purement interactif à un environnement contemplatif est un paris osé, et la série des « Resident Evil » le prouve. Si la saga vidéoludique, malgré son inégalité globale, demeure culte, au cinéma, il reste encore beaucoup de chemin à parcourir.

Alors que le virus T, responsable de la catastrophe du laboratoire secret de Umbrella Corp, s’est abattu sur la ville de Racoon City, Alice, qui a survécu au précédent cauchemar, surgit dans la ville et va aider un groupe de survivant à s’échapper de ce piège diabolique.

Laborieux, « Resident Evil : Apocalypse » l’est du début à la fin. Avec son préambule maladroit résumant le précédent film, et son inexplicable et interminable fin introduisant un troisième film, « Apocalypse » est clairement mal écrit. Avec des dialogues insipides, des situations grotesques, et une absence totale de réflexion, le film de Alexander Witt baigne allègrement dans la médiocrité alors que l’histoire originale, normalement basée sur le jeu « Resident Evil 3 : Nemesis », était plutôt intéressante.

Même si ponctuellement il distille de belles images (sorties de nulle part), « Apocalypse » replonge dans la nullité avec ses effets spéciaux quelconques et une mise en scène insupportable, complètement hachée. Le casting est totalement inégal, avec d’un côté Milla Jovovich et Sienna Guillory, vendues comme deux objets sexuels, et de l’autre des comédiens inconnus et limite sorties d’ex Union Soviétique. A se demander ce qu’est venu faire Thomas Kretschmann dans cette histoire.

« Resident Evil : Apocalypse » atteint le néant de la créativité. Insupportable à regarder, mal écrit, ridicule, caricatural, mal réalisé, il inflige en permanence une musique pseudo metal gonflante et clichée. Il n’y a définitivement rien à sauver dans ce film, si ce n’est évidemment les deux belles plantes qui cassent du zombie.

2004-10-10T23:27:00.000+02:00

Michel Gondry, clipper de génie de son état, débarque pour un nouveau long-métrage au titre charmant : « eternal sunshine of the spotless mind ». Même s’il est indubitablement meilleur que « Human Nature », le dernier film de Gondry m’a laissé perplexe : j’ai eu beaucoup de mal à déterminer si je l’avais aimé ou non.

Joel et Clementine sont séparés. Cette dernière décide d’oublier toute leur histoire et s’adresse au Dr Mierzwiak et sa société, Lacuna Inc. Joel le découvre a ses dépends lorsque Clementine ne le reconnaît pas et sort avec un autre. Effondré, il décide lui aussi de se faire effacer la mémoire. Deux techniciens s’occupent alors de lui, mais pendant que ses souvenirs défilent, Joel, à l’intérieur de son propre esprit, redécouvre sa passion pour Clementine et lutte comme il peut contre le processus de Lacuna Inc.

Le scénario, encore une fois signé par Charlie Kaufman, est inventif mais il a du mal à tenir la longueur, et « eternal sunshine… » devient répétitif. Par ailleurs, pour avoir vu tous les films de la bande Kaufman/Gondry/Jonze, j’ai à chaque fois l’impression de voir le même genre de cinéma : pour éclipser les faiblesses du scénario qui généralement ne repose que sur une bonne idée, le réalisateur compense par des trouvailles visuelles, une inventivité dans la mise en scène, et un montage sciemment alambiqué.

Toutefois, le long-métrage de Michel Gondry possède de nombreuses qualités. Son histoire touchante, servie par des interprètes en état de grâce, est un réel bonheur. Les images saisissantes et une musique toujours juste renforcent l’impression de maîtrise de la réalisation.

Délire absolu, casting remarquable, ambiance réussie et histoire charmante font de « eternal sunshine… » une réussite. Il n’en demeure pas moins que les faiblesses du scénario, le montage chaotique et les répétitions peuvent la longue ennuyer. Difficile de se décider donc, même si l’originalité du film pèse définitivement en sa faveur.

2004-10-10T23:24:00.000+02:00

Katsuhiro Otomo est devenu grâce à « Akira » un réalisateur adulé par une génération entière. Qui n’a pas été marqué par l’ouverture sensationnelle d’« Akira », avec ses percussions, ses motos, et sa violence stylisée ? Qui n’a pas été traumatisé par le message du film, ou par son final époustouflant ? « Steamboy » était donc un événement. Et, même si le dernier long-métrage de Katsuhiro Otomo offre de bonnes choses, il est de très loin inférieur au précédent film du maître.

En 1851, alors que l’Angleterre Victorienne se prépare pour l’Exposition Universelle, Ray reçoit de la part de son grand-père une « steamball », une invention révolutionnaire ultra puissante dont le pouvoir de destruction attire les convoitises.

Si « Steamboy » est très long et très dense, il ne laisse malheureusement pas le temps au spectateur de se reposer. On sature ainsi facilement, et les moments de pure contemplation qu’aurait du distiller le film manquent cruellement. En outre, « Steamboy » traite exactement du même thème qu’« Akira » à savoir les dangers des nouvelles technologies.

Il faut donc faire fi se son ennui pour se délecter des images superbes, de la richesse visuelle de chaque plan, et de la qualité indéniable de l’animation. Il n’en demeure pas moins que « Steamboy » est largement inférieur à « Akira », et un long-métrage plutôt moyen.

2004-10-07T01:37:00.000+02:00

Grand Prix du festival de Cannes 2004, « Old Boy » est un long-métrage coréen exceptionnel qui, d’une part, méritait beaucoup plus la Palme d’Or, et d’autre part confirme la remarquable santé du cinéma asiatique en général, et sud-coréen en particulier.

L’histoire est celle de Oh Dae-Soo, enlevé à la fin des années 80 et séquestré pendant 15 ans. Cet homme sans histoire, marié et père de famille, n’a plus que la télévision comme lien avec l’extérieur. C’est cette même télévision qui lui apprendra le meurtre de sa femme dont il se retrouve accusé. N’étant plus habité que par un désir de vengeance, c’est sa rage intérieure qui lui permettra de survivre. Puis, du jour au lendemain, il est relâché, toujours sans explications. Il est alors contacté par celui qui semble être le responsable de tout ce qui lui est arrivé. Il lui propose de découvrir qui l’a enlevé et pourquoi.

Doté d’un scénario machiavélique, « Old Boy » impressionne également par sa mise en scène sombre et glaciale. Pervers, cruel et magistralement interprété par Choi Min-shik, le long-métrage de Park Chan-wook est une spirale d’humour et de violence démente. La complexité du scénario et des personnages est ahurissante, les couleurs sublimes et la musique envoûtante. La réalisation est éclectique, la narration éclatée. Park Chan-wook use et abuse de toutes les ficelles du cinéma, les revisite, pour offrir un mélange surréaliste et stylisé de thriller, horreur, combat et humour.

2004-10-07T01:33:00.000+02:00

« Mean creek » a été présenté en 2004 au Festival de Sundance et à la Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes. Cette sélection plutôt flatteuse me paraît quelle que peu inappropriée pour ce film qui, s’il n’est pas médiocre, frôle le néant de la créativité.

Aux Etats-Unis, un groupe de collégiens, lassés de se faire taper par Sam, la grosse brute attardée locale, échafaudent une vengeance : à l’occasion d’un faux anniversaire, ils proposent à Sam de venir à une balade en bateau en vue de l’humilier. La journée s’écoule, et Sam n’apparaît plus aux yeux des autres comme un tortionnaire mais comme un enfant mal dans sa peau. Alors qu’ils envisagent d’annuler leur plan, un mot de trop de Sam fait tout basculer dans une spirale d’horreur.

Extrêmement prévisible, « mean creek » devient très vite long. Le soi-disant « événement », à savoir la mort de Sam, ne survient qu’au bout d’une heure, le peu de temps restant étant consacré à « l’après ». L’unité de temps a été pour moi la choisie en ce sens où l’histoire était tellement prévisible qu’il aurait mieux fallu arriver plus vite à l’accident, et travailler plus longuement sur la psychologie des personnages. Heureusement, le film est sauvé du naufrage par un casting convaincant, une excellente ambiance et une très bonne musique.

2004-10-06T09:19:00.000+02:00

Présenté aux festivals de Sundance et de Cannes, « Carnets de voyage » est le dernier long-métrage de Walter Salles, réalisateur brésilien ayant signé notamment « Central do brazil » et « la cité de Dieu ». Il s’intéresse cette fois-ci à la jeunesse du « Che ». En 1952, deux jeunes argentins, Alberto Granado et Ernesto Guevara, décident de faire un voyage à travers l’Amérique du Sud avant l’obtention de leurs diplômes. Au guidon d’une vielle moto, « la puissante », ils découvrent bien vite les réalités politiques et sociales du continent. Ce voyage initiatique suscitera un désir de justice et éveillera de nouvelles vocations chez les deux hommes.

Road-movie ensorcelant, « Carnets de voyage » réveille nos envies de voyager grâce à de somptueux paysages. Néanmoins, certains endroits (surtout Machu Picchu) auraient mérités d’être mieux mis en scène, Walter Salles se contentant un peu trop souvent de nous offrir quelques plans quelconques, ne laissant pas de place à une vraie contemplation. Ce point était certainement voulu car ce sont plutôt les rencontres avec des miséreux qui s’enchaînent (un peu trop), pour nous faire comprendre comment le « Che » est devenu ce qu’il est.

Pour incarner Ernesto Guevara, Walter Salles a fait appel à Gael Garcia Bernal, déjà vu dans « la mauvaise éducation » d’Almodovar. Son interprétation est remarquable, mais ce comédien est définitivement trop beau pour incarner le « Che ». Néanmoins, son duo avec l’excellent Rodrigo De la Serna fonctionne à merveille et fait à lui seul oublier les autres défauts du long-métrage.

Si j’ai regretté le misérabilisme du film et la volonté d’idolâtrer inutilement le « Che », il faut toutefois reconnaître que « Carnets de voyage » est un bon film, dépaysant et rafraîchissant qui, s’il ne brille pas par ses prises de vue, fait oublier ses défauts grâce à une histoire hors norme et des comédiens fabuleux.

2004-09-24T15:31:00.000+02:00

Suite du très correct « Mémoire dans la peau », « la mort dans la peau » se déroule deux ans après les événements qui avaient conduits Jason Bourne, ex agent et tueur l’élite de la CIA, à retrouver sa mémoire et déjouer les plans d’une mystérieuse organisation gouvernementale. Dans cette suite, on retrouve Jason Bourne et sa compagne Marie en Inde où ils pensaient être à l’abri d’une quelconque relance. Grave erreur puisqu’un complot cherche en même temps à l’accuser d’un double meurtre qu’il n’a pas commis et à l’assassiner. Ces événements vont le conduire à revisiter son passé et à se venger de ses persécuteurs.

D’une densité remarquable, le long-métrage de Paul Greengrass (remarquable réalisateur de « Bloody Sunday ») ne souffre d’aucun temps mort et distille savamment des rebondissements parfois prévisibles mais bien amenés. Entre bras de fer psychologique et poursuites d’anthologie, le film demeure un ton au-dessus des habituelles productions du genre (fuck James Bond) et absorbe complètement le spectateur. Le tout est renforcé par une mise en scène énergique et pas trop apocalyptique d’habitude omniprésente dans les long-métrages du genre.

« La mort dans la peau » est en outre aidé par un casting honorable, Matt Damon en tête qui campe un agent crédible et pas trop ridicule. Franka Potente fait aussi une apparition pour notre (et surtout mon) plus grand plaisir, et le reste de la distribution colle parfaitement au ton du film (Brian Cox que l’on voit de plus en plus, ainsi que Karl Urban, le Eomer du « Seigneur des Anneaux »).

Même si l’on pouvait attendre mieux du réalisateur de « Bloody Sunday », le dernier long-métrage de Paul Greengrass est tout à fait correct et réalise sa seule ambition de nous divertir. Aidé par un scénario décent et un casting inspiré, « la mort dans la peau » rappelle agréablement qu’une suite peut-être tout aussi bien que les films précédents.

2004-09-20T14:36:00.000+02:00

L’Etrange Festival est devenu en 12 ans un événement cinématographique majeur pour les parisiens. La dernière édition qui se termine tout juste a une nouvelle fois permis à un public toujours plus nombreux de découvrir des films inédits et des réalisateurs souvent peu connus à travers des hommages, des thématiques, des nocturnes et des courts métrages. Ne pouvant bien évidemment pas tout voir, mon choix s’est orienté sur 6 films que je vais à présent vous détailler.

- « l’enfer des tortures » est un long-métrage de 1969 de Teruo Ishii, réalisateur controversé et méprisé qui, s’il signe pour la Toei des polars ou encore un cycle sur le sadisme, mettra en scène « l’effrayant Docteur Hijikata », film censuré dès sa sortie et toujours banni au Japon et qui compromettra sa carrière. Dans « l’enfer des tortures », Teruo Ishii montre le duel à distance de deux maîtres en tatouages qui s’affronte pour le titre de tatoueur officiel du Shogun. Des femmes vénales, des prostitués ou des innocentes seront victimes de ce duel et subiront les pires tortures imaginables. Encroûté par une pesante longueur et par des réalités qui nous dépassent, ce long-métrage de Teruo Ishii se révèle essentiellement intéressant dans les derniers trois quarts d’heure. Pas de quoi faire regretter le spectateur l’achat d’une place, mais une désagréable impression de longueur et d’ennui.

- « panique au lycée » (1978) est le premier des 3 films de Sogo Ishii que j’ai vu… et déjà quelle claque ! Pour un premier film (qu’il n’inclue même pas dans sa filmographie), le prolifique réalisateur japonais a signé à l’âge de 21 ans une série B jubilatoire et culte, une forme d’hymne pour une génération : l’histoire raconte le pétage de plomb intégral d’un lycéen qui, après le suicide d’un de ses camarades, disjoncte et tire sur un professeur et prend en otages des élèves. Avec un sujet brûlant et toujours d’actualité, cette série B se regarde avec un immense plaisir. Implacable, « panique au lycée » n’a absolument pas vieilli et fait rire, non pas parce qu’il est kitch, mais parce qu’il est juste et hystérique.

- « crazy thunder road » (1980) est le deuxième film de Sogo Ishii vu pendant le festival… et ce fût encore une grande expérience ! Le pitch est ridicule : le chef d’une bande de motards anarchistes affronte un groupuscule d’extrême droite. Vendu comme un des dix films cultes de Takeshi Kitano, « crazy thunder road » est un manifeste punk apocalyptique où la réalisation hystérique rend le film au début indigeste, avant que celui-ci ne devienne saisissant par sa folie. Excessif, brutal et jubilatoire, le long-métrage de Sogo Ishii est aussi remarquablement filmé et jouit de couleurs magnifiques. Excellent.

- « orgies sadiques de l’ère Edo » m’a avant tout attiré pour son titre définitivement culte. C’était également un autre film de Teruo Ishii de 1969. Au-delà du titre un brin racoleur, ce long-métrage se révèle d’une rigueur étonnante et aborde l’aspect pathologique du sadisme ainsi que son éventuelle thérapie. Articulé autour d’un triptyque scénaristique avec comme fil conducteur un médecin témoin des frasques de femmes et hommes pervers ou libertins, victimes ou dominants, « orgies sadiques… » fascine de part son formalisme et la froideur de sa mise en scène.

- « samaria » est un long-métrage de 2003 réalisé Kim Ki-Duk, metteur en scène coréen et égérie de la critique européenne. Après les remarqués « printemps, été, automne, hiver… et printemps » et « the coast guard », le prolifique Kim Ki-Duk signe un film dur et intime. Yeo-jin et Jae-young veulent partir en voyage en Europe, et la seule solution trouvée par les deux amies est la prostitution. Yeo-jin gère l’argent et organise les rendez-vous pendant que Jae-young s’occupe des clients. Mais un jour cette dernière se défenestre afin d’échapper à la police, précipitant ainsi Yeo-jin dans une spirale sans fin où, pour expier la mort de son amie, elle s’offre gratuitement aux anciens clients de Jae-young. Remarquablement mis en scène et interprété, « samaria » est original et déroutant, magnifique et d’une dureté incroyable. Confirmant la qualité du réalisateur coréen Kim Ki-Duk, ce film dense et sensible vous surprendra.

- « crazy family » est le dernier long-métrage vu pendant le festival et faisait office de film de clôture. Datant de 1984 et ayant jouit d’une sortie en France (suffisamment rare pour être souligné), « crazy family » a été réalisé par Sogo Ishii et confirme le talent du réalisateur pour nous offrir des histoires surréalistes et hystériques. Faisant certainement parti des films les plus drôles que j’ai pu voir, « crazy family » est un monument de pétage de plomb cultissime. L’histoire raconte comment une famille japonaise disjoncte après avoir réalisé son rêve : acheter un pavillon de banlieue. Pendant que la cadette hésite entre une carrière de lutteuse greco-romaine et de chanteuse pop, l’aîné s’enferme dans la niche du chien et ne dort plus en vue de son concours pour Todai. Le grand-père débarque et chamboule les fondations de la maison pendant que le père pense au suicide collectif. Dense, décalé, imprévisible et hystérique, le film de Sogo Ishii n’a pas pris une ride et se regarde avec un plaisir indéniable. Un réalisateur à surveiller donc, comme tant d’autres découverts pendant ce festival.

2004-09-08T22:58:00.000+02:00

Suite au succès critique et public du remarquable film « Printemps, été, automne, hiver… et printemps », le distributeur Pretty Pictures en a profité pour sortir le précédent long-métrage de Kim Ki-duk : « The coast guard ».

L’histoire se passe le long des côtes de la Corée du Sud. Le Caporal Kang fait partie d’une base militaire chargée de veiller à ce qu’aucun espion de la Corée du Nord ne pénètre dans le territoire. Pour la plupart des soldats, cette mission est une corvée sauf pour Kang qui prend cette mission très (trop) à cœur et ne vit que pour tuer un espion nord-coréen. Sa vie bascule et les raisons de son combat s’évanouissent le jour où il tue un pêcheur local alors qu’il faisait l’amour à sa petite amie sur la plage.

Tiré de sa propre expérience sous les drapeaux, le long-métrage de Kim Ki-Duk est farouchement antimilitariste. Avec son univers ironique, cynique et décalé, il dépeint également d’une manière étrangement poétique l’absurdité politique du conflit. Malheureusement, il perd progressivement de vu son sujet qui bascule dans une folie effrayante et sanglante qui toutefois ne peut laisser insensible.

Un casting remarquable, une réalisation exemplaire et une musique parfaitement orchestrée finissent de confirmer que Kim Ki-Duk signe une œuvre dense et personnelle, où se mélangent folie, amour, violence et incompréhension. La diffusion prochaine de son dernier film, « Samaria », pendant L’étrange festival est légitimement très attendue.

2004-09-08T02:10:00.000+02:00

C’est tout auréolé de son succès cannois (prix d’interprétation féminine 2004) qu’est sorti le 1e septembre « Clean », dernier film d’Olivier Assayas qui, s’il ne brille pas par son originalité, est sublimé par un casting de rêve et une bande-son remarquable.

L’histoire est vue, revue, et rerevue : Emily est une junkie et une chanteuse ratée qui, suite à la mort par overdose de son compagnon, décide de se désintoxiquer pour récupérer la garde de son fils.

Ce scénario mélodramatique dont l’inventivité frôle le néant est avant tout un prétexte pour offrir à son interprète principal un rôle en or qui lui permet de montrer son immense talent. Au passage, il est indispensable de souligner la densité exceptionnelle du casting avec Nick Nolte (fabuleux), Béatrice Dalle, Jeanne Balibar ou encore des guests comme l’inquiétant mais culte Tricky.

Le côté cosmopolite du long-métrage est également appréciable avec les voyages entre Vancouver, Londres et Paris ainsi que les différentes langues utilisées dans le film (anglais, français, chinois). La musique est l’autre point fort de « Clean » qui distille une bande-son très rock en parfaite harmonie avec les images tantôt douces, tantôt brûlantes du film d’Olivier Assayas.

Sexe, drogue et rock’n’roll sont donc au rendez-vous de ce mélo classique et longuet qui mérite d’être vu pour son originalité par rapport au reste du cinéma français, mais surtout pour son ambiance et ses comédiens très inspirés.

2004-09-07T11:13:00.000+02:00

Alors que la glorieuse période hongkongaise de John Woo semble désespérément lointaine, « Infernal Affairs » sort enfin en France et annonce brillamment le renouveau (on l’espère) du cinéma d’action asiatique. Son triomphe à Hongkong et au festival du film policier de Cognac sont d’ailleurs amplement mérités tant le polar du duo Andrew Leu et Alan Mak est ensorcelant.

L’histoire raconte le bras de fer psychologique entre Ming, une taupe infiltrée dans la police travaillant pour les triades, et Yan, un policier ayant réussi à intégrer un gang. Alors que le premier veut rompre ses liens avec la pègre, le second veut quitter le milieu et retrouver son identité de policier. Un duel infernal va les opposés lorsque leurs chemins se croiseront.

Avec ses scènes de nuits magnifiques, la densité de son scénario et une tension psychologique exceptionnelle, « Infernal Affairs » fait immédiatement écho aux films de Michael Mann, réalisateur de « Heat » dont le nouveau film, « Collateral », sort le 29 septembre. Le suspense est au rendez-vous et jusqu’à la dernière seconde, le rythme est infernal tout au long des 1h37 que dure le long-métrage. Les réalisateurs hongkongais plongent le spectateur dans un univers obscur où cette lutte schizophrénique et existentialiste prend une dimension captivante.

La mise en scène glaciale, les couleurs sublimes et un montage efficace contribuent à créer une ambiance unique et font oublier aux spectateurs la simplicité grandiose du scénario et les quelques scènes parfaitement inutiles. Le duel psychologique prend également une dimension anthologique grâce à ses interprètes : l’immense Tony Leung (« In the mood for love », « Hero », et « A toute épreuve » entre autres) affronte le fabuleux Andy Lau (« Fulltime killer) dans un bras de fer mémorable au pays des triades. Il ne manquait à ce film qu’une scène de fusillade épique pour faire de « Infernal Affairs » un film culte.

Un scénario simple mais efficace, un casting exceptionnel, une réalisation remarquable et une ambiance extraordinaire font de « Infernal Affairs » un excellent exercice de style dans la plus pure tradition hongkongaise qu’il est indispensable de voir en attendant le nouveau long-métrage de Michael Mann.

2004-09-06T04:03:00.000+02:00

La petite semaine passée avec mon meilleur ami Antonin (digiki), si elle n’a pas été très productive (12h de sommeil par nuit, glande totale le jour), nous a permis de voir pas mal de films en DVD. J’en ai allègrement profité pour rattraper les nombreuses lacunes de ma culture ciné, à commencer par l’immense « Hard-Boiled » (« A toute épreuve », 1992) de John Woo, pur produit de sa grandiose époque hongkongaise. Mise en scène exceptionnelle, chorégraphies somptueuses et gunshots à foison pour un résultat d’anthologie ! A noter la sortie fin octobre en DVD de « Une balle dans la tête » toujours du même John Woo.

Pendant ces quelques jours nous avons également vu deux Hitchcock absolument fabuleux : « Rebecca » (1940) avec Lawrence Olivier et Joan Fontaine, et « La maison du Dr. Edwards » (1945) avec Ingrid Bergman et Gregory Peck. Les comédiens exceptionnels et la densité des histoires laissent songeur par rapport à ce qui se fait aujourd’hui.

Dans un style radicalement différent, on a voulu voir « Cannibal Holocaust » (1980) de Ruggero Deodato. Le titre était plutôt prometteur, mais le résultat s’est révélé catastrophique : ce qui nous a le plus marqué fut la musique abominable, l’ennui profond mais surtout la cruauté gratuite et malsaine du film. Le but du film ? S’il s’agissait de provoquer pour provoquer, c’est foncièrement minable. Vouloir tourner ce que l’on n’a pas l’habitude de voir ? Au secours ! Faire une critique du journalisme à sensation ? Eventuellement. Le seul intérêt de ce film est de se rendre compte que « le projet Blairwitch » n’a rien inventé.

Heureusement, nous avons conclu cette semaine avec la fabuleuse « Rose pourpre du Caïre » (1985) de Woody Allen. Original, drôle, bien interprété et comme toujours charmant, ce long-métrage est un petit bijou qui m’a toutefois laissé un tantinet sur ma fin, voulant à tout prit un happy end qui n’arrivera jamais. En attendant, cette petite semaine m’a fait prendre conscience qu’il n’y avait pas que l’actualité ciné dont je pouvais parler sur mon blog, donc il y aura désormais de tout sur ce blog ^__^ Sorties ciné, DVD, festivals… tout ce que je peux voir en somme !!! Rendez-vous pour l’Etrange Festival !

2004-09-06T01:37:00.000+02:00

L’affiche était saisissante, la citation de Peter Jackson élogieuse. « Cabin Fever » a donc forcément attiré mon attention. Pourtant son pitch n’était guère reluisant : 5 jeunes partent fêter la fin de leurs études dans une maison perdue au milieu de la forêt. L’orgie tourne au cauchemar quand un habitant isolé se présente à eux alors qu’il est infecté par un virus dangereux qui nécrose les chairs.

Mon premier sentiment à la sortie du film a été de me demander quel était le but du réalisateur. L’histoire est clichée au possible et lorgne allègrement sur le cultissime Evil Dead 2. On subit l’inévitable hard-rock/metal de la bande-son et on s’amuse de voir la bimbo aux gros seins se faire sauter par tout le monde… mais surtout on se demande s’il va se passer quelque chose parce que finalement, l’absence chronique de peur est frappante. C’est plus par l’angoisse et l’ambiance que le réalisateur, Eli Roth, arrive à nous effrayer, aidé il faut le reconnaître par des scènes baignant allègrement dans le trash et le gore.

Plus surprenant, le film est très drôle et ne se prend pas du tout au sérieux. Au final, s’agit-il d’un clin d’œil (brillant) au genre ou bien « Cabin Fever » se prend-il (trop) au sérieux ? Difficile de trancher car ce long-métrage, produit par David Lynch et encensé par Peter Jackson, est plutôt surprenant et sympathique sans apporter une once d’originalité au genre.

2004-08-23T01:36:00.000+02:00

« Pitch Black » a marqué les esprits de part son originalité et son anticonformisme. Il a aussi révélé au cinéma la nouvelle star du film de muscle alias Vin Diesel. Avec un budget ridicule, le film de David Twohy est parvenu à sortir du lot et s’est même révélé culte pour des amateurs de Science-fiction un peu oubliés.

La suite des aventures de Riddick était donc inévitable, avec cette fois-ci un budget conséquent. L’histoire néanmoins, n’a plus rien à voir avec l’épisode précédent : alors que les Necrommongers mènent une croisade intergalactique et forcent les vaincus à se convertir, le seul espoir de l’univers semble être l’homme qui y est le plus recherché, Riddick, criminel implacable et en exil depuis sa dernière évasion.

« Les chroniques de Riddick » est avant tout un space opera gothique à l’esthétique magnifique et jamais emphatique. Les effets spéciaux sont remarquables, le film offre des séquences spectaculaires et ne souffre d’aucun temps mort. Le réalisateur se montre inventif malgré une histoire simple et sans grands rebondissements, en perdant toutefois de vue la naïveté rafraîchissante de « Pitch Black ». Aidé par un casting honnête (Judi Dench et Karl Urban en tête) et un Vin Diesel qui en fait des tonnes et dont les phrases dépassent rarement les cinq mots, « Les chroniques de Riddick » se révèle surprenant et divertissant.

Toutefois, il faut déplorer une réalisation nerveuse voire apocalyptique par moment. Certaines scènes de combat sont chaotiques et épuisantes à suivre tant la caméra s’agite inutilement. Le long-métrage est en outre perclus de moments ridicules à souhait et de dialogues gutturaux. Plutôt long, le film est en outre encroûté par certains moments interminables à l’instar d’une discutable parenthèse carcérale en plein milieu du long-métrage, rallongeant de manière artificielle une trame déjà mince.

Plus classique que son prédécesseur, « Les chroniques de Riddick » demeure toutefois un bon divertissement de Science-fiction dont le spectateur pourra apprécier sans vergogne le fabuleux spectacle. Confirmant Vin Diesel au rang de star du film d’action, le dernier long-métrage de David Twohy se révèle moins catastrophique que prévu. A voir maintenant jusqu’où les aventures du barbare le plus cool de l’espace pourront aller…

2004-08-20T18:46:00.000+02:00

Été oblige, le cinéma pop-corn fleurit pour notre bon (« Spider man 2 ») et mauvais (« le Roi Arthur ») plaisir. C’est ainsi que nous arrive « Hellboy », proposé par Guillermo Del Toro (familier du concept de blockbuster), et tout auréolé d’un succès outre-atlantique astronomique.

Apparu sur Terre à cause d’une cérémonie obscure menée par des Nazis, Hellboy est recueilli encore bébé par le professeur Broom qui compte l’utiliser contre les forces du mal. L’apparition d’une créature maléfique va conduire Hellboy et l’organisation fédérale dont il dépend à découvrir un complot diabolique qui vise à la destruction de la planète.

Au-delà du scénario ennuyeux, c’est surtout l’absence chronique d’action qui entraîne Hellboy vers la médiocrité. Les scènes d’adrénaline se font désirer, et ce n’est pas une éternelle trame manichéenne qui fera passer l’ennui du spectateur. L’histoire mélange maladroitement nazis, Raspoutine et FBI pour un résultat qui ne vole jamais haut. Si l’on rajoute à l’ensemble un casting inégal, de mièvres scènes d’amour et l’oubli de traiter la pourtant fascinante dualité du héros, il ne reste pas grand-chose à sauver.

Et pourtant, le long-métrage de Guillermo Del Toro distille des dialogues souvent drôles (typique des séries B) et ne se prend jamais au sérieux. Bénéficiant d’effets spéciaux souvent hallucinants et d’une remarquable et jubilatoire performance de Ron Perlman, « Hellboy » évite de justesse le naufrage, mais l’ennui qu’il provoque en fait un film largement dispensable.

2004-08-18T23:24:00.000+02:00

M. Night Shyamalan s’est rendu célèbre grâce à l’incontournable « 6e sens ». Après deux autres films plus ou moins bien accueillis (parfois à juste titre), sort aujourd’hui 18 août « le Village » qui raconte l’histoire d’une petite communauté isolée à la fin du XIXe siècle et cernée par des bois où vivent des créatures. Les villageois ne s’aventurent pas dans la forêt, les créatures ne viennent pas dans le village. Pourtant, Lucius Hunt ne semble pas aussi effrayé que les autres habitants et veut aller au-delà des limites du village en dépit des règles établies de la communauté.

La première chose à savoir sur le dernier long-métrage de M. Night Shyamalan est qu’il a été fallacieusement vendu comme un film d’horreur alors que finalement il ne s’y passe pas grand-chose d’effrayant. Les thèmes abordés tournent plutôt autour de l’isolement, de la peur mais surtout de l’amour, seul sentiment semblant pouvoir sortir l’humanité des méandres de la terreur. Politique, le film l’est également avec sa description d’une Amérique ancestrale et ses réflexions post 11 septembre sur la peur des autres.

Magistralement mis en scène avec des couleurs magnifiques, des décors remarquables et une photo sublime, « le village » est une œuvre forte et émouvante qui prouve une fois de plus le talent indéniable du réalisateur. Porté par un casting exceptionnel, le film mérite amplement d’être vu pour ses interprètes : Joaquin Phoenix et William Hurt sont magistraux, Adrien Brody, Sigourney Weaver et Brendan Gleeson complètent un casting d’exception. Mais c’est surtout l’interprétation de Bryce Dallas Howard que l’on retiendra pour sa première apparition cinématographique, toute en délicatesse et émotion. La belle et délicate fille de Ron Howard a beaucoup de talent et j’espère la retrouver bien vite ! (elle tourne dans le prochain Lars Von Trier). Néanmoins, le film souffre de pesantes longueurs, surtout au début, et d'une accumulation de scènes inutiles qui alourdissent la narration.

« Le village » est au final un coup de bluff, encore un. Pourtant, à mi chemin entre Burton et Hitchcock, le dernier long-métrage de M. Night Shyamalan (qui joue encore une fois un petit rôle dans son propre film) est une magnifique œuvre intime et émouvante superbement mise en scène. Porté par des comédiens époustouflants et une réalisation irréprochable, « le village » de M. Night Shyamalan est fascinant et entêtant grâce à son scénario étonnant même si le retournement de situation final (encore et toujours) peut être facilement anticipé.